La trayectoria de Ryan Reynolds en Hollywood es uno de esos relatos de caída y resurrección que la industria adora contar. Tras el tropiezo que supuso Linterna Verde, una película que estuvo cerca de descarrilar su carrera como protagonista, el actor canadiense encontró en 'Deadpool' el papel que redefinió su imagen pública y lo convirtió no solo en una estrella de primer nivel, sino también en un astuto empresario multimillonario.
Ese regreso triunfal alcanzó un nuevo pico en 2024 con el estreno de 'Deadpool y Lobezno', uno de los mayores éxitos comerciales del año. El futuro inmediato de Reynolds dentro del Universo Cinematográfico Marvel parece asegurado, con su regreso como Wade Wilson previsto para 'Vengadores: Doomsday', que llegará a los cines en diciembre. La agenda de Reynolds está cargada. El actor participa como productor ejecutivo y actor de voz en 'Animal Friends', una producción de Warner y Legendary con estreno previsto para finales de mayo, y se encuentra inmerso en el rodaje de 'Eloise', un nuevo proyecto para Netflix. Todo ello sin perder de vista la que sigue siendo su marca personal más poderosa dentro del cine comercial.
De hecho, las mismas fuentes señalan que Reynolds está centrando buena parte de sus energías en el próximo movimiento de 'Deadpool', consciente de que es el personaje con el que el público mejor conecta. Ya en mayo del año pasado trascendió que el actor se encontraba en una fase temprana de escritura de una nueva película del Mercenario Bocazas, en la que compartiría protagonismo con "tres o cuatro" personajes de los X-Men, aunque no como figura central de la historia.
La idea que se manejaba entonces era integrar a Wade Wilson como secundario de lujo en un proyecto independiente del reboot mutante que prepara Marvel Studios bajo la dirección de Jake Schreier. En ese momento, el desarrollo se estaba llevando a cabo al margen del estudio y sin luz verde oficial, aunque el éxito de 'Deadpool y Lobezno' hacía pensar que una nueva entrega era solo cuestión de tiempo.
A esto se suman los rumores surgidos en redes sobre un posible proyecto centrado en X-Force, un equipo con el que 'Deadpool' tiene una relación bien conocida en los cómics y que Reynolds ya quiso llevar al cine cuando los derechos de los X-Men aún pertenecían a Fox. Sea cual sea la forma final, todo apunta a que, tras su regreso en 'Vengadores: Doomsday', el siguiente gran paso del actor volverá a pasar por el universo de 'Deadpool', su refugio creativo más seguro en un momento especialmente delicado.

Susan Sarandon será distinguida con el Goya Internacional 2026, un reconocimiento que la Academia de Cine le entregará el próximo 28 de febrero durante la gala de los 40 Premios Goya, que se celebrará en Barcelona. La institución ha anunciado el galardón como un homenaje a una de las grandes figuras del cine estadounidense, cuya trayectoria ha trascendido generaciones, géneros y fronteras.
En el comunicado oficial, la Academia subraya la "filmografía extraordinaria" de la actriz, marcada por "interpretaciones inolvidables en obras maestras y también en películas que forman parte de la cultura popular". El texto destaca asimismo su perfil público más allá de la pantalla, aludiendo a su "valiente compromiso político y social", un rasgo que ha acompañado su carrera durante décadas.
La institución define a Sarandon como un "nombre crucial en el Hollywood contemporáneo" y resalta que encarna "la combinación perfecta entre talento y éxito profesional, glamour y compromiso social y político". Un equilibrio poco habitual que, según la Academia, explica por qué sigue siendo "uno de los rostros más destacados del cine de Hollywood admirado por amantes del cine de todo el mundo".
A lo largo de su extensa filmografía, Sarandon ha dejado huella en títulos fundamentales como 'Thelma & Louise', 'El cliente', 'Las brujas de Eastwick', 'The Rocky Horror Picture Show', 'Atlantic City', 'El ansia' o 'Pena de muerte', papel por el que obtuvo el Oscar a mejor actriz. Hay que sumar, además otras cinco nominaciones a estos premios así como nueve a los Globos de Oro. Personajes complejos, alejados de estereotipos, que han contribuido a consolidar una carrera tan amplia como influyente.
El Goya Internacional fue creado para "reconocer a personalidades que contribuyen al cine como arte que une culturas y espectadores de todo el mundo", y en esta edición encuentra en Susan Sarandon una destinataria que encaja plenamente en ese espíritu. La Academia recalca que el premio reconoce tanto su legado artístico como su coherencia personal, celebrando a una intérprete que ha sabido convertir su visibilidad en una herramienta de expresión y compromiso.
Con este reconocimiento, Susan Sarandon se incorpora a una lista aún muy selecta de nombres internacionales distinguidos por la Academia. El Goya Internacional, instaurado en 2022, debutó con Cate Blanchett en la gala celebrada en Valencia y, desde entonces, ha ido ampliando su palmarés con figuras como Juliette Binoche, Sigourney Weaver y, más recientemente, Richard Gere, premiado en la pasada edición.

Nunca fue un director que considerase medias tintas, y sus producciones tienden a extremos.
James Cameron no suele entender de medias tintas y de no recurrir a medidas extremas para cualquier aspecto de su vida creativa (y quien sabe si personal). Es imposible tener cierta contención y luego acabar haciendo las películas que hace, tan descomunales en su escala como arrolladoras en su éxito, De Terminator a Avatar pasando, como no, por Titanic, todo debe realizarse como si fuese a cambiar el mundo para siempre. Al menos, son películas tan inmensas que dejan la impresión de que está haciendo algo nunca visto. Hacer la misma Titanic no fue una experiencia realmente fácil o cómoda. Desde construir una réplica del barco 10% más pequeña para luego destruirla, hasta tener al reparto en tanques de agua a temperaturas bajo cero, todo se realizó con una intensidad que luego se termina reflejando en un espectáculo grandioso y límite, Pero era tal la inversión que podría haber sido realmente catastrófico de no salir. Durante largo tiempo, antes de cimentarse el éxito, se hacía la broma de que Titanic iba a ser su La puerta del cielo, un fracaso histórico dentro de Hollywood. El director claramente quería demostrar que se equivocaba, pero no iba a estar seguro hasta que terminase de montar la película.
Durante tiempo circulo el rumor de que al lado en la sala de montaje Cameron tenía siempre a la vista una cuchilla de afeitar. Esta iba acompañada de una nota que decía "Usar sólo si la película apesta". Si se refería a cortar el propio celuloide de la cinta o autolesionarse es algo que queda en la imaginación del espectador, pero James confirmó la leyenda en una ronda rápida de preguntas de verdadero o falso para el New York Times. Nadie tenía la certeza de esto hasta ahora, aunque tampoco es que hubiese mucho espacio a la duda.

Corrían los años 90 y el actor comenzaba a despuntar en Hollywood con algunos de sus trabajos. Ídolo juvenil y uno de los intérpretes más atractivos del momento, Pitt tuvo claro que era su gran oportunidad para demostrar que tenía más potencial. La trayectoria interpretativa de Brad Pitt no puede ponerse en cuestión y, aunque tiene algunas películas que no han tenido muy buena taquilla -ahí está, por ejemplo Babylon de Damien Chazelle, aunque es una joya-, a lo largo de su carrera el famoso actor tiene una larga lista de películas y papeles para el recuerdo. Solo uno de ellos le ha brindado el Oscar, el que intérpretó a las órdenes de Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, pero es ampliamente recordado por muchos de sus personajes. Desde el atractivo ladrón que conquistó al personaje de Geena Davis en Thelma & Louise hasta Rusty Ryan de la saga Ocean's, pasando, cómo no, por El Curioso caso de Benjamin Buttom, ¿Quién ama a Joe Black?, El Sr. y la Sra. Smith, Entrevista con el vampiro, Doce años de esclavitud, El club de la lucha y un largo etcétera pero más importante sería 1995, en el que, tras sus papeles del vampiro Louis y Tristan, Brad Pitt consiguió reencauzar su carrera hacia dónde realmente quería llevarla. Huyendo, como él mismo reconocería abiertamente, del encasillamiento como un personaje principal de películas románticas. Seven fue su gran oportunidad.Dirigida por David Fincher, quien al mismo tiempo logró con ella quitarse el mal sabor de boca de su largometraje debut con Alien 3, Seven es considerada a día de hoy como una película de culto que ha influído en un sinfín de 'thrillers' criminales a lo largo de la historia del cine y que, hoy por hoy, sigue teniendo el honor de que su final sea considerado como uno de los mejores y más impactantes desenlaces jamás vistos en pantalla grande.
Sin embargo, Brad Pitt pudo no haberla protagonizado. De hecho, solo lo hizo porque otro actor decidió rechazar el papel: Denzel Washington. Se dice que Sylvester Stallone tampoco estuvo interesado en el joven detective, pero el primer elegido por Fincher para meterse en la piel de Mills fue Washington, quien no estuvo para nada interesado. El intérprete, quien por entonces ya había ganado su primer Oscar por Tiempos de gloria (1989), consideró que Se7en era "oscura y malvada", aunque posteriormente se arrepentiría, Brad Pitt, por su parte, venía de rechazar algunos papeles huyendo del encasillamiento y quedó encandilado por la película de Fincher, quien, por su parte, al principio no había considerado a Pitt para el papel. "Cuando lo conocí, pensé 'Este tipo es tan simpático que puede salirse con la suya con un asesinato, puede hacer cualquier cosa y la gente lo perdonaría por ello", comentó Fincher sobre el que luego se convertiría en su colaborador habitual.

La película protagonizada por Ana Mena y Óscar Casas ya se puede ver en las salas de cine. Una cita ineludible para los fans del motociclismo, ya que lleva el rugir de los circuitos de MotoGP a la gran pantalla. 
Hay películas que te dejan con ganas de más cuando llegan a su final, ya que necesitas descubrir cuáles serán los siguientes pasos de los protagonistas. Esto fue lo que me ocurrió al ver Ídolos, la película protagonizada por Ana Mena y Óscar Casas que ya puedes disfrutar en los cines. Y es que el filme dirigido por Mat Whitecross tiene todos los ingredientes para engancharte frente a la pantalla: romance, drama y la adrenalina de MotoGP.Ídolos lleva el rugir de las motos en los circuitos a la gran pantalla por lo que, como dice su director en declaraciones a SensaCine, "es una película que se tiene que ver y escuchar en el cine". Y es que les aseguro que, cuando veas al protagonista competir en Montmeló o Misano -se rodaron las escenas a escasos minutos de competir los pilotos oficiales- vas a sentir esa misma sensación de ver una carrera en cualquier pista de motociclismo.
Por ello, como en todo proyecto en el que se forma un buen equipo y el ambiente acompaña, el director no descarta una segunda parte. "Cuando terminamos el proyecto, aunque estábamos agotados por un rodaje difícil, queríamos continuar. Hay más cuentos para contar y Jordi [el guionista] tiene una idea muy fuerte de lo que pasa después", explica Whitecross."Sería un sueño continuar; de momento tengo los dedos cruzados y dependerá de si el proyecto tiene éxito. La historia realmente empieza justo cuando termina la película. Yo también tengo ganas de saber qué pasa después con Edu", añade director, quien admite que hay Ídolos va más allá del espectáculo de MotoGP.

Con permiso de 'La Odisea' y de 'Vengadores: Doomsday', 'El día de la revelación' promete ser el evento cinematográfico del año!
Es el director más taquillero de todos los tiempos y a él le debemos blockbusters tan disfrutables como Tiburón, Indiana Jones, Jurassic Park o La guerra de los mundos, pero en los últimos años Steven Spielberg había estado centrado en otro tipo de proyectos más alejados de su faceta película evento, probando suerte con el género musical por primera vez en su vida con West Side Story (2021) o con uno de los largometrajes más personales de su carrera, Los Fabelman (2022),Sin embargo, en 2024 supimos que Steven Spielberg estaba trabajando en su próxima película como director y que sería todo un regreso a sus orígenes: una película evento de ciencia ficción relacionada con los alienígenas y que estaría escrita por nada más y nada menos que David Koepp, uno de sus colaboradores habituales y guionista de Parque Jurásico.
Los detalles sobre la nueva película se mantuvieron en secreto durante bastante tiempo, aunque pronto supimos que estaría protagonizada por Emily Blunt en el papel principal. Más tarde se confirmaron los fichajes de Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, y Josh O'Connor, entre otros.
Ahora, no solo sabemos que la nueva película con la que Steven Spielberg regresa al género de la ciencia ficción siete años después de Ready Player One se llama El día de la revelación, sino que será uno de los grandes eventos cinematográficos de este 2026.El día de la revelación es una de esas películas que nos recuerdan que el cine está hecho para disfrutarlo en pantalla grande.

Kevin Costner es un actor y director estadounidense que se hizo famoso por encarnar a tipos rudos con una veta sensible. Nacido en Lynwood, California, el 18 de enero de 1955, convirtió títulos como The Untouchables, Bull Durham y Field of Dreams en éxitos de una carrera que alternó el estrellato con proyectos autorales importantes.
Fue con Dances with Wolves que dio el salto definitivo: produjo, dirigió y protagonizó una epopeya sobre un soldado de la Guerra Civil que se integra a una comunidad sioux. Esa película le valió el Oscar a mejor película y a mejor director, además de consolidar su perfil como cineasta de gran alcance.
En los años 80 y 90 se transformó en protagonista solicitadísimo: participó en Silverado, The Untouchables y No Way Out, y cosechó éxitos populares con Bull Durham y Field of Dreams. También protagonizó éxitos comerciales como Robin Hood y The Bodyguard, alternando con filmes personales y de gran riesgo financiero.
En el siglo XXI volvió a mezclarse entre Hollywood y la televisión: dirigió Open Range y estuvo en películas como Thirteen Days o Man of Steel. En 2012 protagonizó Hatfields & McCoys y ganó un Emmy; luego alternó papeles dramáticos, comedias y personajes de carácter, manteniendo presencia constante en grandes producciones.
En 2018 recuperó popularidad en la TV con Yellowstone, interpretando al patriarca de una familia de rancheros; su participación terminó en 2023 y anunció en 2024 que no volvería al personaje. Además encaró Horizon, una saga sobre el Oeste cuya primera parte salió en 2024 y que financió en parte con su propio dinero.
Según registros, Costner puso cerca de 38 millones de dólares de su bolsillo para producir Horizon, un esfuerzo ambicioso pensado como cuatro películas. Paralelamente siguió actuando en títulos como Hidden Figures, The Highwaymen y The Art of Racing in the Rain, demostrando que combina trabajo actoral con tareas de dirección y producción.
La trayectoria de Kevin Costner incluye premios importantes: dos Oscars por Dances with Wolves, además de Globos de Oro y un Emmy. Su carrera combina éxitos masivos, proyectos personales y riesgos financieros. Hoy es visto como un referente del cine y la televisión norteamericana, capaz de alternar el star system con apuestas creativas propias.

Nació bajo el foco de dos linternas potentes de la cultura pop, pero construyó su propio sendero en la industria del entretenimiento. Brandon Thomas Lee, hijo mayor de Pamela Anderson y Tommy Lee, se ha convertido en una figura relevante en Hollywood y, a sus 29 años, su recorrido profesional y personal genera interés por la forma en la que conjuga legado familiar, reinvención y superación.
Su historia no solo llama la atención por el apellido, sino por la determinación con la que busca resignificar el relato mediático de su madre y dejar una huella propia en el espectáculo estadounidense.
Brandon Thomas Lee nació el 5 de junio de 1996 en California, en el seno de una familia que acaparó titulares durante la década de los noventa. Lejos de limitarse al rol de heredero, Lee dio sus primeros pasos en la actuación con participaciones en películas como "Baywatch" (2017), "Sierra Burgess Is a Loser" (2018) y "Cosmic Sin" (2021). Su presencia en la pantalla se amplió cuando integró el reparto del reality "The Hills: New Beginnings", que lo acercó al público joven y a la cultura pop contemporánea.
El salto más destacado llegó detrás de cámara. En 2023, asumió el rol de productor ejecutivo del documental de Netflix "Pamela: A Love Story", trabajo que permitió a su madre narrar en primera persona los episodios centrales de su vida y su carrera.
Además de su trabajo como actor y productor, Brandon Thomas Lee se destacó en el mundo del modelaje. Ha desfilado para marcas de alta gama como Dolce & Gabbana y ha participado en campañas internacionales, aspecto que suma versatilidad a su carrera y lo posiciona como un referente multifacético dentro y fuera de la pantalla.
Este documental recibió dos nominaciones al Emmy y funcionó como una plataforma para que la actriz canadiense pudiera presentarse al mundo desde un nuevo lugar, lejos de los estereotipos que la acompañaron durante años.
Un año después, en 2025, Lee volvió a apostar por la producción y lideró "The Last Showgirl", dirigida por Gia Coppola y protagonizada por Anderson, quien obtuvo su primera nominación al Globo de Oro como actriz dramática gracias a este film.
El propósito del joven trasciende la búsqueda de éxito individual. De acuerdo con lo que le dijo a People, su "misión personal" es darle a su madre las oportunidades que recibió de niño y cambiar la mirada que el público tiene sobre ella. El propio Lee declaró: "El objetivo de esos proyectos era que la gente comprendiera y conociera a Pamela, ya que había muchos conceptos erróneos sobre ella y sobre quién era".
En el plano privado, Brandon Thomas Lee mantiene desde 2021 una relación con la modelo australiana Lily Easton. 
En mayo de 2025, Lee acudió junto a Anderson y Easton a la Met Gala, donde la actriz reafirmó su decisión de no usar maquillaje, una elección que se ha vuelto símbolo de autenticidad y libertad personal.
Aunque mantiene un perfil bajo en redes sociales, Brandon cuenta con cerca de 500 mil seguidores en Instagram. Sus publicaciones suelen centrarse en sus proyectos profesionales y en momentos familiares, y se lo ha visto en eventos de moda y en presentaciones junto a su madre y su pareja, siempre priorizando la discreción sobre la exposición.
El joven también ha abordado en público su proceso de recuperación tras enfrentar problemas de adicción al alcohol. Expresó también que la sobriedad se transformó en un motor para su crecimiento profesional y personal. El apoyo de su madre y de su círculo familiar resultó clave para atravesar los momentos difíciles y enfocarse en sus objetivos.
Más allá de su labor artística, incursionó en el mundo empresarial al fundar la marca de ropa Swingers Club en colaboración con Local Authority, una propuesta inspirada en la cultura del golf que muestra su interés por diversificar su carrera.

Brendan Fraser es una de esas figuras que la industria estadounidense abandonó hace un tiempo. Tras ser un héroe de acción icónico a principios de siglo, pasó dos décadas prácticamente olvidado, hasta que Hollywood volvió a abrirle las puertas con el estreno de La ballena (2022), película por la que posteriormente logró el Oscar a Mejor Actor.
Desde entonces ha aparecido en varios proyectos, pero a decir verdad ninguno de ellos ha logrado el impacto que muchos esperaban. Al menos hasta ahora, y es que se acaba de estrenar en cines Rental Family (Familia de alquiler), su nueva película, la cual francamente ha conseguido llamar la atención.
Empezando por los antecedentes, Rental Family (Familia de alquiler) se centra en una figura común en Japón y otros países asiáticos, pero que en el resto del mundo vemos como algo raro: una persona que puedes contratar para que haga de tu familia o tu amigo. Es una forma que han buscado las sociedades asiáticas de paliar la soledad de muchas personas, pero que tiene ciertas implicaciones que precisamente son abordadas en esta película.
En concreto, Brendan Fraser interpreta a uno de estos, y la verdad es que ha sido bastante aclamado como un casting perfecto. Si se piensa en este actor probablemente va a la mente una producción americana, pero en este caso toda la trama se traslada a Japón. Es una figura de este tipo, pero con ascendencia occidental, y que debe cuadrar su vida en cierto sentido.
Esta película trata de forma directa el tema de la soledad y el abandono, pero no al 100% de la manera que cabría esperar. En lugar de centrarse solo en la soledad de los clientes, también acaba teniendo un gran impacto la del propio personaje interpretado por Brendan Fraser. Por mucho que seas un profesional, es imposible que no te afecte tener una familia diferente cada cierto tiempo, y esto es algo que se aborda directamente en Rental Family.
Por supuesto, la película en general es realmente sólida según la mayoría de reseñas, pero uno de los elementos que más destaca es la actuación del propio Brendan Fraser. De esta manera, se vuelve a situar en cierta medida en la carrera para volver a ganar un Oscar a Mejor Actor, y es que esta especie de redención que vive en los últimos años sigue adelante, e incluso ha llevado a que vaya a volver a trabajar en la clásica La Momia.

La adaptación de la novela superventas de Maggie O'Farrell sobre William Shakespeare, con Paul Mescal y Jessie Buckley, se estrena en salas el 23 de enero.
Hamnet, que se estrena en los cines el 23 de enero y que adapta la novela superventas homónima de Maggie O'Farrell, se postula desde ya mismo como una de las favoritas para los Oscar y como un triunfo artístico; no solo de su directora, Zhao, sino también de su pareja protagonista, Paul Mescal (Aftersun) y Jessie Buckley (Estoy pensando en dejarlo). Su carrera de premios no ha hecho más que comenzar: se ha llevado a casa dos Globos de Oro de los gordos, el de Mejor película de Drama y el de Mejor actriz de Drama para Buckley, además del Premio del Público en Toronto y en la Semana de Cine de Valladolid y el de Mejor actriz, de nuevo para Buckley, en los últimos Critics' Choice Movie Awards.La crítica, como no podía ser de otro modo, se ha rendido a los pies de este drama histórico. Por ejemplo, Luis Martínez la califica de "obra maestra sin más" y destaca "el irrefutable trabajo de la actriz Jessie Buckley".
The Hollywood Reporter tampoco duda en calificarla de obra maestra "preciosa y catártica, una película que te romperá el corazón con unas interpretaciones maravillosas". Por su parte, el prestigioso crítico David Ehrlich asegura que Hamnet "se siente como enamorarse o convertirse en padre". Y desde Vulture advierten de algo que debe tener claro el espectador: "Es devastadora, quizá la película más emocionalmente demoledora que he visto en años [...] No me esperaba llorar tanto".
Hamnet es una experiencia definitivamente para ver en cine.

Guillermo del Toro fue nominado a la categoría mejor dirección de una película en los Premios DGA, galardones otorgados por el Sindicato de Directores de Hollywood, gracias a su trabajo en Frankenstein.
El realizador mexicano competirá por el reconocimiento junto con Paul Thomas Anderson, nominado por One Battle After Another; Chloé Zhao por Hamnet; Ryan Coogler por Sinners; y Josh Safdie por Marty Supreme.
Los premios DGA son considerados un termómetro clave dentro de la temporada de galardones, ya que suelen anticipar lo que ocurre posteriormente en los Óscar. En 2018, Del Toro fue nominado en esta misma categoría por The Shape of Water, película con la que obtuvo su primer Óscar como mejor director y que, además, ganó el premio a la mejor cinta en esa misma edición.
A lo largo de la historia de los premios DGA, únicamente ocho ganadores de la categoría mejor dirección no han logrado repetir su triunfo en los Óscar, y solo dos películas que se llevaron el Óscar a la mejor película no habían ganado previamente el reconocimiento del Sindicato de Directores.
Por otro lado, en la categoría mejor ópera prima competirán Hasan Hadi por The President's Cake; Harry Lighton por Pillion; Alex Russell por Lurker; Charlie Polinger por The Plague; y Eva Victor por Sorry, Baby.
La 78. edición de los premios DGA dará a conocer a sus ganadores el próximo 7 de febrero en una ceremonia que se realizará en Los Ángeles. 

La diseñadora de producción contó que agotaron el pigmento Rosco "Pink Fluro", el mismo que se usa en cine y teatro, porque querían recrear el rosa exacto de las Barbies clásicas, sin usar casi nada de CGI(imágenes generadas por computadora).
Muchos decorados de la pelicula (la Casa Barbie, la playa, las calles) son reales, no digitales. 
Margot Robbie pidió que todo se viera "artificial pero tangible", como un juguete. 
El color rosa no es casual: estudios dicen que ese color estimula dopamina, o sea, literalmente te hace sentir mejor!

Antes del rodaje de 'La clave del éxito', Tom Cruise solo había hecho una película conocida. Sin embargo, cuando se metió al instituto infiltrado como uno mas, no duró ni un día.
Tom Cruise participó en su primer rodaje al poco de haber cumplido la mayoría de edad (en la película Amor sin fin), y pronto empezó a labrarse una carrera más que interesante. Sin embargo, nadie parece acordarse de La clave del éxito, un drama estudiantil tan deportivo como romántico donde compartió escenas con una muy joven Lea Thompson. De hecho, ella estuvo a punto de no aceptar el papel porque exigía un desnudo íntegro, y Cruise, para no perderla, se ofreció a desnudarse también en la misma escena. Acabó aceptando, y a día de hoy aún le agradece al actor que diera ese paso hacia delante, Para que la película saliera bien, su director, Michael Chapman (que había sido operador de cámara en Tiburón o El Padrino), insistió en que ambos actores debían poder pasar por estudiantes de instituto. Ambos pasaban ya de los 20 años, pero no tuvieron problema en tratar de infiltrarse en uno: mandaron a cada uno a un instituto distinto y, durante una semana, debían pasar desapercibidos. No salió bien del todo.En el caso de Thompson, el experimento fue un éxito: en esos cuatro días que estuvo en el instituto se convirtió en una de las chicas populares, varios chicos le pidieron una cita e incluso la pillaron fumando en el baño. La experiencia estudiantil de los 80 absoluta, vaya. Sin embargo, Cruise apenas puso un pie en la puerta antes de que un chico le reconociera de inmediato: solo había estrenado tres películas, y aunque dos de ellas fueron tan desconocidas como Amor sin fin o Ir a perderlo... y perderse, su presencia en Taps fue demasiado icónica, ¡como para olvidarse de su cara!
Por cierto, aunque a día de hoy no la recordemos, La clave del éxito triunfó en taquilla (ganó 15 millones frente a los 5 de su presupuesto), pero quedó opacada en 1983 por otros dos éxitos de Cruise que, esta vez sí, marcaron el resto de su carrera: Rebeldes y Risky Business. Y después ni siquiera volvió a intentar pasar desapercibido.

La película de Dolores Fonzi busca el premio a la mejor película íberoamericana; Minujín, candidato a mejor actor de reparto.
El cine argentino volverá a ser protagonista de la gala internacional que más se acostumbró a ganar. La Academia del Cine de España nominó este martes a Belén como una de las cinco candidatas al Goya como mejor película iberoamericana. Y nuestro compatriota Juan Minujín fue elegido como candidato a mejor actor de reparto por Los domingos, producción realizada en el País Vasco y ganadora del último Festival de San Sebastián.
Belén continúa con esta nominación sumando reconocimientos en una carrera internacional que también la tiene entre las 15 películas preseleccionadas al Oscar internacional por la Academia de Hollywood. De acuerdo con el veredicto de los casi 1800 miembros de la Academia del Cine de España, la película dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi competirá por el Goya a la mejor película iberoamericana con La misteriosa mirada del flamenco (Chile), La piel del agua (Costa Rica), Un poeta (Colombia) y Manas (Brasil). partir de esta nominación, Belén se suma a la larga lista de títulos del cine nacional de las últimas décadas consagrados por el Goya a la mejor película iberoamericana, entre los cuales aparecen Un lugar en el mundo, Cenizas del paraíso, La odisea de los giles, Plata quemada, El secreto de sus ojos, Relatos salvajes, Un cuento chino, El ciudadano ilustre, Sol de otoño, El faro, XXY y El Clan. El último triunfo de la pantalla nacional en esta categoría fue en 2023, gracias a Argentina, 1985.
Nuestro cine conquistó este premio en 19 de las 39 entregas de la historia del Goya, la celebración más importante del calendario anual para el cine de habla hispana, valorada al mismo tiempo por toda la industria cinematográfica como el equivalente al Oscar en ese terreno.

Será difícil encontrar una sustituta, El éxito de 'La empleada', el thriller exagerado y sangriento dirigido por Paul Feig que se basa en la novela de Freida McFadden no ha sorprendido, teniendo en cuenta la trayectoria de la saga.La película, que combina humor negro, tensión y un ritmo vertiginoso, ha conquistado tanto a la taquilla como a la crítica, pero también es cierto que el hecho de que se haya confirmado la secuela trae cierta preocupación a los que conocemos la historia y cómo continúa. La trama original continúa en 'El secreto de la criada', pero Nina Winchester, el personaje interpretado por Amanda Seyfried, no aparece en esta novela, por lo que quedará fuera la química central que hizo que fuera tan icónica la primera película.
La secuela cinematográfica contará con Paul Feig y Sydney Sweeney de vuelta, pero también es cierto que la ausencia de Seyfried podría dejar un vacío importante.
Tanto en el libro como en la película, Millie Calloway (Sydney Sweeney) sale de prisión por homicidio involuntario y se encuentra con un trabajo aparentemente perfecto como criada para Nina Winchester (Amanda Seyfried) y su esposo Andrew (Brandon Sklenar). La tensión aumenta, presentando a Andrew como un hombre abusivo y controlador, y a Nina, que siendo consciente del pasado de Millie, la manipula para deshacerse de su marido. El resultado es una historia llena de giros y que alcanza un equilibrio perfecto entre la comedia negra y el thriller,Al final de la película, tras el enfrentamiento con Andrew y la liberación de Nina y su hija, Millie se prepara para un nuevo capítulo, visitando a una amiga de Nina que se enfrenta a un abuso similar. Esto conecta con la línea argumental de los libros, donde Millie termina ayudando a otra mujer adinerada en problemas, mudándose a Nueva York. Sin embargo, la secuela no incluye a Nina, por lo que habrá que ver cómo se compensa su ausencia en la siguiente película. Desde la perspectiva cinematográfica, la idea de un universo basado únicamente en Millie Calloway tiene sentido en teoría, pero en la práctica puede resultar complicado, porque uno de los grandes pilares de la primera película estaba en la química entre Sweeney y Seyfried. Y aunque es cierto que Paul Feig podría elegir a otra actriz para el siguiente personaje, la ausencia de Seyfried dejará un hueco difícil de llenar. 

Arnold Schwarzenegger, el ex-Gobernator, también estrella de títulos míticos como 'Terminator', 'Depredador', 'Perseguido' o 'Desafío total', mantuvo una animada entrevista,m y entre anécdotas y recuerdos de sus cintas más icónicas como 'Terminator 2: El juicio final', 'Conan: El bárbaro' o 'Comando', el actor austríaco también quiso recordar sus películas favoritas y los secretos detrás de las cámaras de sus rodajes.
"Las películas que más me gustan probablemente sean algún western o, por supuesto, las película de James Cameron", confesaba Arnold. "Pienso en 'Avatar' o en 'Titanic'. Son películas que te entretienen y que también te inspiran. Y que, además, te hacen llorar. Te llevan a una montaña rusa emocional. Y, como sabéis, para un director eso es muy difícil de conseguir. Jim Cameron lo logra siempre en sus películas. Soy un gran admirador de su cine y disfruto muchísimo viéndolo. También disfruto viendo 'E.T., El Extraterrestre', que es una película fantástica. Y 'El Padrino', que me resultó muy inspiradora. Recuerdo incluso los Globos de Oro que ganó esa película, y todo lo que supuso. En definitiva, hay muchos tipos de películas que me gustan. Y también, en mis ratos libres, me gusta cocinar."
"Me identifico con 'Terminator' porque yo siempre sentí que era como una máquina sin emociones. Entrenaba cada día entre cinco y seis horas, dos veces al día. No pensaba en lo que comía, simplemente comía lo correcto. Y no dejaba que nada externo entrara a distraerme o a perturbar mi concentración. Esa fue mi carrera en el culturismo: muy dura conmigo mismo. De repente apareció esta película y me dijeron: 'Actúas como una máquina'. Y encajé de inmediato en el papel. Recuerdo la primera escena que rodamos, en un garaje, donde buscaba el coche con un movimiento de cabeza, de izquierda a derecha. Después de esa toma, Jim [Cameron] se me acercó y me dijo: 'Se me ha puesto la piel de gallina'. Y yo le pregunté: '¿Por qué?'. Y él respondió: 'Esto es mucho mejor que lo que imaginé cuando lo escribí. Tú eres Terminator'.
"Pero las cosas cambian. Hace 45 años decía: 'I'll be back' ('Volveré'). Y ahora, 45 años después, digo: 'Ow, my back' ('Ay, mi espalda'). En cualquier caso, lo pasé en grande rodando 'Terminator' y fui muy feliz cuando Jim (Cameron) me dijo que iba a hacer una segunda parte. Después llegó la tercera, y siguió y siguió. Ha sido un personaje realmente extraordinario hasta el día de hoy."
"Lo que ocurre detrás de las cámaras es algo que quizá el público no conoce. Antes de ver cualquier secuencia de acción en pantalla, podéis dar por hecho que detrás ha habido un montón de problemas y accidentes. Por ejemplo, si me veis en 'Conan, el bárbaro' blandir la espada con soltura, girar con el caballo y luchar contra el enemigo, debéis saber que ese mismo día seguramente me caí cuatro o cinco veces durante la batalla y que me pisaron los caballos. Es algo normal: siempre hay algún accidente y siempre sucede algo que no estaba en el guion.
"Recuerdo que incluso en 'Terminator 2', en la escena en la que recargo el arma mientras conduzco la moto con una sola mano, la cantidad de veces que lo intentamos y no funcionaba fue enorme. Llegué a estrellarme con la moto contra una valla. Esos momentos no se ven en pantalla porque no es necesario mostrarlos. Pero es divertido recordarlos, porque te hacen ver que nada es fácil. Practicas una y otra vez."

Si no eres seguidor de la música urbana, quizás hace unos meses el nombre de Teyana Taylor no te sonaba de nada, pero después del estreno de Una batalla tras otra no paras de verla por todas partes. La anterior coreógrafa y cantante ahora triunfa como actriz y le han bastado unos años para demostrar su valía. En 2021 protagonizó El rey de Zamunda y, cuatro años después, se convirtió en una de las actrices principales de la joya de Paul Thomas Anderson, la que le ha valido varios premios. Entre ellos, el Globo de Oro que ha ganado a Mejor actriz de Reparto la noche del 11 de enero. Taylor no es una artista al uso y destaca en todo lo que hace, empezando por su incursión al mundo de la música. Era 2006 y Teyana tenía tan solo 15 años cuando fue contratada para trabajar en la coreografía de 'Ring the Alarm' de Beyoncé. Por aquella época era una figura bastante conocida en las calles de Harlem y experta en el 'Chicken Noodle Soup', algo que Beyoncé quería aprender, así que su equipo llamó a la adolescente para que se sumara al rodaje,"Recibí la llamada y, literalmente, di un salto", recuerda Taylor "Llevaba mi skate, así que entré y les dije: '¡Hola a todos!'. Y ella me respondió: 'Es una estrella".
Resulta curioso imaginar a una chica de 15 años enseñando sus pasos a Beyoncé, que por aquel entonces ya triunfaba como ex de las Destiny's Child y con su propia carrera en solitario. Después, Taylor actuó en los MTV Video Music Awards de 2006, lo que la llevó al estrellato. 
Teyana Taylor ha sido una artista que ha llegado a puestos muy altos en el Billboard y ha colaborado, entre otros, con Missy Elliott o Lauryn Hill. Ahora que se ha tomado en serio esto de la actuación ya ha recibido su primer premio gordo y muy posiblemente también reciba una nominación a los Oscar el próximo día 22.

Continúa la carrera de los Oscar y la celebración de la gala de la 83 edición Globos de Oro en la madrugada de este lunes 12 de enero de 2026 ha sido la antesala definitiva en la temporada de premios. Los galardones entregados por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que como cada año desde su primera gala en 1944 ha reconocido la excelencia de los profesionales de cine y televisión, se han entregado en una ceremonia celebrada en el Hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, California, que ha estado conducida por la cómica estadounidense Nikki Glaser, quien ya presentase la gala el año pasado. En las categorías cinematográficas, partían como las grandes favoritas de la noche la película Una batalla tras otra, en la que Leonardo DiCaprio por fin cumplía su sueño de trabajar a las órdenes de Paul Thomas Anderson, con nueve nominaciones en total, Valor sentimental con ocho nominaciones y la película de terror Los pecadores con siete.
Finalmente, la gran ganadora de la noche ha sido Una batalla tras otra, que no solo se ha impuesto a Marty Supreme y el resto de brillantes competidoras en la categoría de Mejor película de comedia o musical, sino que también se ha hecho con los premios de Mejor guion y Mejor director para Paul Thomas Anderson y Mejor actriz de reparto para Teyana Taylor. No obstante, no ha ganado en las categorías de Mejor actor, en la que estaba nominado Leonardo DiCaprio, y Mejor actor de reparto, con Timothée Chalamet (Marty Supreme) y Stellan Skarsgard (Valor sentimental) ganando en sendas categorías respectivamente.

'Song Sung Blue - Canción para dos' cuenta con una pareja protagonista de excepción: Kate Hudson y Hugh Jackman.
La pareja formada por Mike y Claire Sardina lo tenía muy claro: querían darle un vuelco a sus vidas dedicándose a lo que más amaban, la música. Mike Sardina era un excombatiente de Vietnam cuya vida estaba marcada por el estrés postraumático y el alcohol. Su mujer Claire era madre soltera y tenía problemas mentales. Ambos se embarcaron en la titánica obra de interpretar las canciones de Neil Diamond, al que adoraban.
Mike Sardina había sido fanático de Diamond desde que era un niño y su mujer tenía un don innato para la canción. Su futuro era de todo menos próspero, así que decidieron crear un dúo musical llamado Lightning & Thunder. Mike se vestía y actuaba como lo hacía el propio Diamond y Claire hacía lo propio como su acompañante femenina. Sin embargo, la intención de Mike no era simplemente imitar a Neil Diamond sino "interpretar" sus canciones, rendirle un homenaje a través de su música. No eran solo una copia y se notaba, a través de sus interpretaciones en pequeños bares y clubes, el amor que destilaba la pareja por el trabajo del cantante. Poco a poco, el dúo fue granjeándose la categoría de culto, con una legión de fans que seguía a la pareja allá donde actuaran. Cómo acabó este dúo va a quedar, de momento, en una incógnita, porque el 9 de enero se estrena su apasionante historia real en cines: Song Sung Blue - Canción para dos, dirigida por Craig Brewer (Yo soy Dolemite) y protagonizada por Kate Hudson y Hugh Jackman.
La película ha sido muy bien recibida por la crítica internacional y se postula como una de las grandes favoritas para la próxima noche de los premios Oscar. Por ejemplo, Deadline la describe como "tan real, emocional e impredecible como a veces puede llegar a ser la vida". En The Guardian dicen de ella que es una "película reconfortante y adorable, cuyo sabor sentimental no te preparará para la forma en que la trama se retuerce". Por su parte, la Rolling Stone colombiana asegura que se trata de una película "cálida y profundamente humana, que no subraya la pobreza, la frustración".

A lo largo de sus largas carreras en Hollywood, todos los actores y actrices tienen pepeles rechazados de los que arrepentirse. Casos célebres como el de Matt Damon, que rechazó protagonizar 'Avatar' de James Cameron (incluyendo un porcentaje de la taquilla que habría supuesto una de las mayores ganancias de la historia del cine) o Will Smith, que dijo no a 'Matrix'. El actor ha explicado que fue elegido inicialmente para poner voz a Syndrome, el antagonista principal del filme dirigido por Brad Bird. Jack Black ha reconocido que una de las decisiones que más lamenta en toda su carrera fue haber rechazado participar en 'Los Increíbles', una de las películas más emblemáticas de Pixar,el actor ha explicado que fue elegido inicialmente para poner voz a Syndrome, el antagonista principal del filme dirigido por Brad Bird, pero acabó declinando la oferta por desconfianza y exigencias creativas que hoy considera un error.
"Me lo ofrecieron, y sí, lo lamento, dije que no. Me ofrecieron interpretar a Syndrome en esa fantástica película, 'Los Increíbles', que por cierto es una de mis favoritas de todos los tiempos", ha confesado Black. El actor ha explicado que en aquel momento no conocía la trayectoria de Brad Bird -cuyo único largometraje previo había sido 'El gigante de hierro'- y que percibió el personaje como demasiado plano. 
Con el paso del tiempo, el éxito y el reconocimiento de la película no hicieron sino aumentar su arrepentimiento. "Aprendí una lección valiosa, porque cuando esa película se estrenó, fue una de las mejores jamás hechas. Recuerdo pensar: ¿Por qué fui tan complicado?" finalizó.

Según informan dmedios especializados, los actores Callum Turner ('Los amos del aire') y Jacob Elordi ('Cumbres Borrascosas') se encuentran entre los candidatos a interpretar al agente 007 en la próxima película de Denis Villeneuve.
Con Turner las casas de apuestas van incluso más allá, pues lo sitúan como el favorito indiscutible para protagonizar 'Bond 26'. Al respecto, World of Reel recuerda que Villeneuve todavía no ha profundizado en la próxima entrega de Bond, y que no lo hará hasta que su labor en 'Dune: Part Three' esté completamente terminada.
Actualmente poco sabemos sobre la próxima película de James Bond. Tan solo que será escrita por Steven Knight, creador de entre otras 'Peaky Blinders', y será la primera realizada desde que Amazon MGM Studios obtuvo el control total de la franquicia.

De hecho, gano el Óscar por esta aparición tan corta... que le valió el reconocimiento de toda la industria, aplausos y que elevó 'El silencio de los corderos' a la categoría de mito.  todo el mundo le encanto la mítica interpretación de Anthony Hopkins. Fue para tanto, que aquel año no solo se llevó sin ningún problema en Óscar a mejor actor, sino que fue la tercera película de la historia en llevarse los 5 premios mayores: película, dirección, actor, actriz y guion. Casi nada. Lo cierto es que Hopkins no tuvo que trabajar tanto para ganar el premio, porque realmente aparece unos 16 minutos a lo largo de toda la película (25 si tenemos en cuenta las escenas donde sale pero no aparece en cámara y solo se le escucha). De hecho, es el actor ganador del Óscar a la categoría principal que menos tiempo ha aparecido en pantalla. Eso sí, modela un personaje mítico, fantástico y único al que se ha homenajeado una y mil veces... Y no es que los Óscar tradicionalmente hayan hecho de menos las actuaciones cortas.La historia nos cuenta que, Beatrice Straight, que ganó el premio a Mejor actriz de reparto por Network allá por 1976, lo hizo con un récord... ¡De 5 minutos y 40 segundos en pantalla! Cerca de ella están Judi Dench (8 minutos en Shakespeare enamorado) y Anthony Quinn (otros 8 en El loco del pelo rojo). Eso sí, nadie superará la nominación de Hermione Baddeley por Un lugar en la cumbre: 2 minutos y 19 segundos que le valieron competir por el Óscar allá por 1960.
Después de su éxito, Hopkins repitió el papel de Hannibal Lecter en Hannibal y El dragón rojo, aunque aquí ya nadie le quiso dar el Óscar.

Era una mera cuestión de tiempo que 'Avatar: Fuego y ceniza' superase los 1.000 millones de dólares de recaudación mundial y acaba de conseguirlo. Eso la convierte además en la cuarta película de James Cameron en superar esa cifra, pero todavía hay dos largometrajes de 2025 con unas cifras de recaudación superiores a los 1.083 que acumula ya 'Avatar 3', De esta forma, 'Avatar 3' se suma a 'Titanic', 'Avatar' y 'Avatar: El sentido del agua' como el cuatro largometraje de Cameron que supera los 1.000 millones. Eso sí, los otros tres títulos se fueron por encima de los 2.000 millones y ahora mismo se espera que 'Fuego y ceniza' no llegue a esa cifra. Las estimaciones apuntan a que se quedará alrededor de los 1.700 millones.
Todo ello la convierte también en la cuarta película de 2025 que alcanza los 1.000 millones de recaudación mundial, superando ya los 1.038 millones conseguidos por la versión en imagen real de 'Lilo y Stitch'. Eso sí, todavía está lejos de los 1.588 millones que lleva 'Zootrópolis 2' y aún más de los 2.244 millones que acumula 'Ne Zha 2'.Lo que también deja claro el éxito de 'Avatar: Fuego y ceniza' es que Disney es la productora de Hollywood con los mayores bombazos en taquilla del año, pues también le pertenecen tanto 'Lilo y Stitch' como 'Zootrópolis 2'. 
 

El cineasta húngaro ha muerto como consecuencia de "una larga y seria enfermedad", según ha confirmado la Academia del Cine Europeo.En un comunicado, la organización -de la que Tarr era miembro desde 1997- ha destacado (vía Variety): "Lamentamos la pérdida de un director excepcional y una personalidad con una fuerte voz política, profundamente respetado por sus colegas y celebrado por el público mundial. La familia solicita la comprensión de la prensa y el público, y que no se les solicite una declaración en estos difíciles días"
Tarr, nacido en Hungría en 1955, comenzó su carrera en el cine a los 16 años como un director 'amateur'. Pronto, su trabajo llamó la atención de los estudios Béla Balázs, que le ayudaron a iniciar su carrera como director. Nido familiar (1979) fue su primera película. Después de graduarse en la academia de cine de Budapest en 1982, fundó su propio estudio: Társulás Stúdió. Allí trabajó hasta hasta su cierre en 1985. Los filmes El intruso (1981), Gente prefabricada (1982) y Almanaque de otoño (1984) nacieron durante ese periodo de tiempo. Más tarde dirigió La condena (1988), la primera película húngara independiente.
Uno de sus proyectos más populares fue Sátántangó, un filme de siete horas y media de duración, que muestra la lucha de un pequeño pueblo húngaro tras la caída del comunismo. Este proyecto es el que mejor refleja una de las características de la obra de Tarr: el 'slow cinema'. Se trata de un cine caracterizado por imágenes en blanco y negro, tomas largas e ininterrumpidas, pocos diálogos, un rechazo a la narrativa tradicional y representaciones sombrías y mundanas de la vida cotidiana en Europa del Este. Tras El caballo de Turín, el cineasta se dedicó a la enseñanza de jóvenes directores y fundó el programa Film.Factory en Sarajevo en 2012.

Cuando el clásico de Steven Spielberg E.T. el extraterrestre celebró su 20 aniversario lo hizo con un reestreno en cines. Sin embargo, los fans que fueron a verla en pantalla grande se encontraron con una gran sorpresa. En una de las escenas del final, cuando Elliot y su amigo alienígena huyen de la policía, los perseguidores de repente tienen walkie-talkies en vez de las armas que portaron en el rodaje real de los años 80. La versión original para cines se incluyó de nuevo en el lanzamiento posterior en Blu-ray, que conmemoró el 30.º aniversario de la película en 2002.
Spielberg no quiso mostrar el posible uso de estas armas contra unos niños, pero tiempo después se arrepintió de su cambio. En un discurso en abril de 2023 que se celebró dentro de la Time 100 Summit en Nueva York, el cineasta explicó esta modificación.
"Fue un error. Nunca debí haberlo hecho. 'E.T.' es un producto de su tiempo. Ninguna película debería ser reelaborada, ni voluntariamente ni por la fuerza, desde la perspectiva desde la que vemos las cosas ahora"
Continuó argumentando que "todas nuestras películas son una especie de mapa de dónde estábamos cuando las hicimos, cómo era el mundo y con qué resonaba el mundo cuando publicamos estas historias" y añadió que "lamenta profundamente que [esta otra versión] ya esté disponible".
No solo las armas sufrieron la censura. También se cambió la palabra "terrorista" por "hippie". Quizás aprendió la técnica de George Lucas, un fanático de mejorar sus antiguos trabajos utilizando la tecnología actual, pero no pasó mucho tiempo hasta que empezó a sentir remordimientos.
Pocos cineastas a la altura de Spielberg admiten sus errores, especialmente si sus nuevas declaraciones van en contra de la sociedad actual, pero no todos son Spielberg. El director sentó un precedente contra la tendencia moderna de editar contenidos del pasado para adaptarlos a las sensibilidades actuales.

No es raro que un futbolista haga sus pinitos en el mundo de la actuación. Desde Pelé hasta Diego Armando Maradona, pasando por David Beckham o Alfredo Di Stéfano, muchos deportistas se han visto deslumbrados por el celuloide y han accedido a participar en alguna que otra película. Eso sí, que su carrera se prolongara en el tiempo, eso es más complicado. 
Vinnie Jones debutó en el cine en 1998, cuando estaba en el ocaso de su carrera como futbolista, de la mano de Guy Ritchie y su Lock & Stock. Ambos quedaron tan satisfechos con su trabajo que repitieron dos años después en Snatch. Cerdos y diamantes, donde llegó a ganar el Premio Empire como mejor actor británico.La ambición de Jones era mayor y su próximo objetivo era Hollywood. En el 2000 participó en la película 60 segundos y, al año siguiente, en Operación Swordfish. Desde ese momento, comenzó a incrementar su participación tanto en cine como en TV a ambos lados del charco.
Apareció en X-Men: The Last Stand interpretando a Juggernaut y en 2010 en Kill the Irishman, trabajo que compaginó con su participación en el Gran Hermano de las Islas Británicas, donde llegó a quedar en tercera posición. Actualmente, Jones es comentarista de partidos de fútbol de la Premier League en el canal norteamericano FOX Sports. Su último trabajo como actor ha sido, nuevamente, a las órdenes de Guy Ritchie en la adaptación a serie televisiva de la película The Gentlemen, que podemos ver en Netflix y que cuenta en la actualidad con ocho episodios.
A Jones siempre se le recordará como un tipo muy duro, considerado como uno de los futbolistas más agresivos de la historia del fútbol inglés, llegando, por ejemplo, a lesionar a un jugador, Gary Stevens, hasta tal punto de que se vio obligado a retirarse a los 30 años. Sin duda, Jones supo sacarle muy buen partido a esa faceta de agresivo y violento en su trabajo como actor, junto a ese físico de rasgos muy marcados.

Con su barba blanca de ermitaño, sus posturas siempre fuera del coro y una visión muscular y grandiosa del cine tanto como actor como director, ha encontrado en Italia su nueva tierra prometida,es allí donde se rueda su nueva Pasión de Cristo, dedicada a la Resurrección, prevista para llegar a los cines -quizás en dos partes- en 2027. Precisamente su patria es el primer número a tener en cuenta: el cuatro. Hijo de irlandeses estadounidenses, posee doble pasaporte estadounidense e irlandés, pero también la ciudadanía australiana, país en el que vivió desde los 12 años, y declara que hoy su corazón late en Italia.
El segundo número se refiere a su carrera: ha obtenido 30 nominaciones entre los Oscar y los Globos de Oro y ganó en ocho ocasiones el máximo galardón. En 1995 logró un auténtico récord con "Braveheart", premiada cinco veces, incluidos el Oscar a la mejor película y a la mejor dirección; en 2016 repitió con dos estatuillas por "Hacksaw Ridge".
El tercer número concierne a su familia, en el marco de una vida privada turbulenta y a menudo marcada por controversias: sexto de once hermanos (incluido su gemelo Donal), padre de nueve hijos de tres parejas distintas, con dos de las cuales terminó de manera abrupta. En el primer caso, tras treinta años (y siete hijos) con la ex enfermera Robyn Moore, que obtuvo US$420 millones en el divorcio de 2011; con la música rusa Oksana Grigorieva acabó en los tribunales tras tres años, con acusaciones de malos tratos y una sentencia desfavorable; con su tercera pareja, la guionista televisiva Rosalind Ross, vive -al parecer- en paz desde 2014 y con ella tuvo en 2017 a su último hijo, Lars.
La numerología ideal de Mel Gibson incluye finalmente su cotización como actor: desde los 400 dólares australianos cobrados por su debut en "Summer City" (1977), los 9.000 del primer "Mad Max" (1979), hasta los US$25 millones obtenidos en 2000 como protagonista de "The Patriot". Aún hoy resulta difícil definir a Mel actor y a Gibson director: macho, musculoso, testosterónico e irreverente en sus películas de mayor éxito (la trilogía de Mad Max con George Miller, la serie de "Lethal Weapon" junto a Danny Glover), al punto de que recientemente Donald Trump lo nombró su embajador en el mundo del cine junto a Sylvester Stallone y John Voight.
Hasta ahora actuó en 60 películas, produjo diez (incluido un raro documental sobre Leonard Cohen) y dirigió siete,En definitiva, sigue siendo un artista en lucha consigo mismo y quizás por eso resulta tan carismático como polémico. Así será también cuando termine "The Resurrection": las controversias lo esperan y, tal vez, ya lo atraen.

Las discusiones públicas y también íntimas que produjo Homo Argentum pertenecen a un tipo de efecto que nuestras películas provocan desde hace tiempo: polémica, discusión, ofendidos, fanáticos e interpretaciones disparatadas. Ya nos había pasado con El hombre de al lado (2010), cuando el gobierno de entonces la interpretó como una reivindicación del peronismo, encarnada en el personaje de Daniel Aráoz, en disputa con el personaje de Rafael Spregelburd, que representaría al arquetipo del "gorila elitista". Fue tan apasionada esa interpretación de Estado que, desde Casa de Gobierno, nos pidieron 300 copias en DVD para regalar.Con El Encargado (2022) se nos vino encima el sindicato de trabajadores de edificios, el Poder Ejecutivo y el Inadi, presuntamente por "estigmatizar" a los porteros. Y con Nada (2023). Por sus efectos, Homo Argentum ya no es solo una película. Es la película más el fenómeno que generó. Es una película viva, a diferencia de las películas-monumento, que generalmente mueren por algún ataque de solemnidad.A nosotros también nos acusaron de "apátridas" o "antiargentinos", y una agrupación política perdió su precioso tiempo para demandarle a la Justicia que nos saque la nacionalidad, lo que da un bonus track de Homo Argentum. Son conductas de comedia psicótica y encubren una tendencia insólita: la de darle a las discusiones de ideas o de formas el peso de lo sagrado.
Muchísimas películas europeas o norteamericanas critican duramente a la sociedad sin recibir semejantes ráfagas de oscurantismo. Homo Argentum es solo una película, una sátira que bucea en nuestros defectos y codicias, y en el doble discurso de los argentinos (que no es un invento argentino). Pero también en la honestidad, en la ternura y en la ingenuidad.Encapsular la película bajo un rótulo ideológico es muy rudimentario. En nuestra obra hay una visión sarcástica de cierto mundo, que es, en definitiva, al que pertenecemos. Por eso usamos nuestro derecho a ponerlo en entredicho y analizarlo de cerca (diríamos que muy de cerca). ¿Qué ideas vamos a cuestionar sino las de nuestro propio universo? ¿De quiénes nos vamos a burlar sino de nosotros? La triste alternativa sería tomarnos en serio.

El histórico cambio se producirá en 2029 tras el festejo, un año antes, del centenario del premio máximo de la industria del cine.
La Academia de Hollywood acaba de dar un paso gigantesco hacia la configuración global de una nueva era mediática dominada por el streaming al otorgarle a YouTube los derechos absolutos y exclusivos de todas las transmisiones del Oscar a partir de 2029.Esto quiere decir que a partir de la ceremonia número 101 de su historia, el Oscar se despedirá para siempre de una de sus grandes tradiciones, propia de todo el ecosistema mediático del siglo XX (y también, aunque en un margen cada vez más exiguo, del XXI): la transmisión en vivo por televisión de la entrega de premios más vista de todo el mundo.
Con la decisión tomada por la Academia, la fiesta máxima de Hollywood estará disponible en tiempo real y con acceso gratuito desde cualquier lugar del planeta. una vez entrado en vigor el acuerdo con YouTube.El nuevo protagonista de esta película será el streaming. Es todo un cambio de época para el Oscar (y para todo el inmenso mundo audiovisual y mediático que identificamos con las pantallas) que se pondrá en marcha en 2029, primer año del segundo siglo de existencia del premio máximo de Hollywood. El acuerdo firmado entre la Academia y YouTube se extenderá al menos hasta 2033. Esta histórica medida pone fin al larguísimo plazo que dejó en manos de la poderosa cadena televisiva estadounidense ABC (perteneciente a Disney) el manejo de los derechos exclusivos de transmisión, extendidos a su vez hacia el resto del mundo a través de otras emisoras o cadenas encargadas en cada región de retransmitir la ceremonia. En 2028 tendremos la última oportunidad (nada menos que con las celebraciones del centenario) de seguir el Oscar desde la Argentina a través de las tradicionales imágenes y comentarios de TNT. 
A partir de 2029 estará disponibles en la plataforma (dentro del canal propio de la Academia de Hollywood) una cantidad enorme de material complementario y adicional: la entrega de los premios honorarios (Governors Awards), el tradicional almuerzo que comparten cada año los nominados al Oscar de todas las categorías, el detrás de la escena previo y posterior a la ceremonia principal, el anuncio de las nominaciones, las celebraciones paralelas (premios científicos y técnicos; premios estudiantiles) y hasta emisiones especiales desde espacios poco conocidos para el gran público ajeno a Hollywood, como el espléndido Museo de la Academia.

Algunos conocen a Oona Chaplin por su nombre y apellido famoso. La nieta de Charlie Chaplin y Oona O'Neill Chaplin e hija de Geraldine forma parte de una dinastía que es sinónimo de arte, de cine; una familia con un patriarca que ayudó a definir el siglo 20 como lo conocemos. Para otros, la actriz nacida en Madrid, España, será siempre Talisa Stark, la primera víctima de "la boda roja", una de las secuencias más sangrientas y memorables de Game of Thrones y de la TV de la última década. Sin embargo, es probable que desde hoy, tras el estreno de Avatar: fuego y cenizas, la tercera entrega de la saga creada por James Cameron, gran parte del público piense en Chaplin como Varang, la inolvidable villana del film.
"Mi abuela era del sur de Chile, de una zona cerca de Temuco. Ella fue prácticamente a pata pelada a Santiago a ser abogado. Como que dejó el sur y dejó la raíz y se fue a vivir su vida a su manera, en la forma que era lo correcto para ella en aquel entonces, pero a mí siempre me llamó más la atención el sur. Mi abuela era mapuche y aimara, pero solo de sangre, de cultura no; entonces yo pensé mucho en ella, en lo que había vivido, en el racismo que sufrió y también en lo que habrán vivido sus padres y lo que yo he vivido yendo a visitar comunidades mapuche en el sur de Chile Y eso es lo que de alguna manera atraviesa Varang, mi personaje en Avatar: fuego y cenizas. Verme en la pelicula fue una experiencia tan extraña... Primero porque me hicieron mucho más cool de lo que yo soy en mi vida real y porque sentí mucho orgullo por el resultado de todo el trabajo hecho. Lo cierto es que a veces, en medio del rodaje, me sentía como medio loca con lo que hacía en el set, todo el tiempo intentando cosas para el personaje muy lejos de mí forma de ser. Pero al ver la película quedé muy feliz.

No es noticia que Cruise, pese a no ser guionista ni director, siempre se mete en el proceso de creación de las películas que hace. Y en Misión Imposible no iba a ser menos: el actor quería una escena grande, que pudiera poner en los tráilers, que fuera vistosa de primeras, y se le ocurrió una que ocurriera en un restaurante con las paredes de cristal en el que hubiera varios tanques de peces colgados del techo, con un total de 16 toneladas de agua que debían detonar en el momento exacto. Para asegurarse de que los cristales que volaran por los aires no harían daño a nadie y que la estrella de la película no acabara ahogada, De Palma probó la escena con un doble de acción, pero el resultado no fue convincente en absoluto. Entonces, al director no le quedó otra que pedirle ayuda al propio Cruise, a pesar de la posibilidad muy real de acabar ahogado. Al final, todo se reducía a un segundo más o menos a la hora de empezar a correr. Un segundo que podía decidir no solo una escena que no podía volver a repetirse, sino quizá hasta su propio bienestar.De hecho, tuvo un problema con el coordinador de escenas de acción, porque le dijo que corriera después de tres, y empezó a decir "Tres, dos, uno". Cruise lo paró todo, a las dos de la mañana, para preguntarle "¿Me voy? ¿En el uno? ¿Cuándo me voy? ¿Vas a pulsar el botón? ¿Vas a pulsar cuando digas uno?". La respuesta que le dieron fue desangeladora: cuando escuches la explosión, echa a correr. Al final, la escena acabó siendo mítica y una auténtica maravilla del cine de acción, pero podría haber acabado en tragedia... Y, obviamente, Cruise no aprendió del riesgo y siguió haciendo sus escenas hasta Sentencia Final, estrenada este mismo año. Genio, figura y ganas de morir.