El actor, productor y director Ricardo Darín, una de las figuras más importantes del cine latinoamericano y mundial, protagoniza el cartel oficial de la 74° edición del Festival de San Sebastián, que se desarrollará del 18 al 26 de septiembre de 2026. Desde hace dos décadas, el intérprete argentino es un asistente habitual del certamen español, donde en 2017 recibió el Premio Donostia, la máxima distinción honorífica del evento.
El director del festival, José Luis Rebordinos, junto a su sucesora Maialen Beloki, presentaron los diseños de este año. Darín se convirtió en la novena gran figura de la cinematografía contemporánea en prestar su imagen para el afiche oficial, siguiendo los pasos de estrellas como Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver y Cate Blanchett. El póster consiste en un collage creado por el estudio gráfico Wallijai a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.
A lo largo de medio siglo de carrera y con más de un centenar de personajes que le valieron más de 40 premios internacionales, Darín supo alternar con maestría el cine de autor con las producciones de gran éxito popular, trabajando bajo las órdenes de directores de la talla de Adolfo Aristarain, Juan José Campanella, Fabián Bielinsky y Santiago Mitre.
Su historia con San Sebastián registra visitas en nueve ediciones. En 2005 presentó El aura; en 2009 compitió con El secreto de sus ojos y El baile de la victoria; y en 2014 participó con Relatos salvajes, ganando el Premio del Público a la mejor película europea. Un año más tarde se llevó la Concha de Plata al mejor actor junto a Javier Cámara por su trabajo en Truman.
En sus últimas apariciones, Darín sumó a su faceta de actor el rol de productor, presentando en la ciudad vasca películas como El amor menos pensado (2018), La odisea de los giles (2019) y la aclamada Argentina, 1985 (2022), que obtuvo el Premio del Público. Recientemente, el actor sumó a su extensa filmografía su participación en la esperada serie de ciencia ficción El eternauta (2025).

La consagrada actriz de cine y televisión Chunchuna Villafañe murió este jueves a los 92 años. La noticia fue confirmada por su hija, la actriz y cantante Juana Molina, quien se despidió de ella con una emotiva publicación en redes sociales.
El nombre de Chunchuna Villafañe ocupa un lugar particular dentro de la historia cultural argentina. Su trayectoria atravesó distintos ámbitos artísticos y profesionales, desde las pasarelas y la publicidad hasta el cine y la televisión, convirtiéndola en una de las personalidades más reconocidas de las décadas de 1960 y 1970.
Antes de convertirse en actriz, Villafañe alcanzó notoriedad como modelo. En una época en la que la industria de la moda comenzaba a adquirir una mayor visibilidad en el país, su imagen se destacó por un estilo sofisticado y moderno que la llevó a protagonizar campañas publicitarias y producciones fotográficas de gran repercusión. Su presencia elegante y su personalidad carismática la transformaron rápidamente en un rostro familiar para el público argentino.
El salto a la actuación llegó en un contexto de renovación para el cine nacional. Durante los años sesenta comenzó a participar en diversas producciones cinematográficas, donde demostró que podía desenvolverse más allá de su fama como modelo. Su trabajo en la pantalla grande le permitió construir una carrera artística propia, participando en películas de distintos géneros y compartiendo proyectos con algunos de los nombres más importantes del espectáculo argentino de la época.
Su desembarco en el cine confirmó que detrás de aquella figura glamorosa había una intérprete de gran sensibilidad. Uno de sus primeros trabajos resonantes fue Un guapo del 900 (1971), dirigida por Lautaro Murúa, una adaptación de la clásica obra de Samuel Eichelbaum en la que compartió pantalla con algunas de las figuras más importantes del cine nacional. Aquel papel marcó el comienzo de una carrera cinematográfica que la llevaría a trabajar con realizadores fundamentales del país.
A mediados de los años setenta participó en No toquen a la nena (1976), del director Juan José Jusid, una película que abordaba con humor e ironía los cambios sociales de la época. Sin embargo, el golpe militar de 1976 alteró profundamente su vida. Junto a su entonces pareja, el cineasta y dirigente político Fernando 'Pino' Solanas, recibió amenazas y debió exiliarse primero en España y luego en Francia. Ese período la mantuvo alejada de la escena argentina, pero también reforzó su vínculo con los círculos culturales e intelectuales europeos.
Su gran consagración como actriz llegó con La historia oficial (1985), de Luis Puenzo. Aunque no interpretaba el personaje principal, su composición de Ana quedó grabada en la memoria del público gracias a una de las escenas más intensas y conmovedoras de la película. El film se convirtió en un acontecimiento histórico al ganar el Premio Óscar a la Mejor Película Extranjera y consolidó a Villafañe como una actriz de enorme prestigio. Muchos críticos consideran que ese fue el trabajo más importante de toda su trayectoria.
En los años siguientes continuó eligiendo proyectos de perfil artístico. Participó en Nunca estuve en Viena (1989), dirigida por Antonio Larreta, y más adelante trabajó bajo las órdenes de Fito Páez en Vidas privadas (2001), donde compartió elenco con Cecilia Roth y Gael García Bernal. También formó parte de Extraño (2003), del cineasta Santiago Loza, una película que se transformó en una obra de culto dentro del cine independiente argentino.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidenses ha anunciado un nuevo galardón internacional. A través de una lista de cines destacados (la Academy Marquee Theater List), la Academia de Hollywood celebrará la experiencia tradicional de ver películas en salas. "Durante generaciones, las salas de cine han reunido al público, han forjado comunidades y han creado recuerdos inolvidables", reza la publicación con la que la Academia ha dado a conocer el galardón en sus redes sociales.
El premio "reconoce a las salas que sientan las bases en cuanto a experiencias cinematográficas excepcionales y mantienen viva la magia de la gran pantalla para las generaciones futuras". La lista inaugural, prevista para la primavera de 2027, en el marco de la celebración del centenario de la Academia, incluirá 50 salas (25 estadounidenses y 25 internacionales). Los cines serán seleccionados por un comité formado por miembros de la Academia de todas las ramas y tendrán que ser aprobados por la Junta de Gobernadores.
Solo serán elegibles para el reconocimiento "los cines físicos que operen durante todo el año". Además, se podrá presentar un máximo de 10 cines gestionados por el mismo propietario o cadena. En cuanto a los criterios de evaluación, se tendrán en cuenta los siguientes factores: implicación con la comunidad; calidad visual y sonora; programación; diversidad, inclusión y accesibilidad; importancia histórica y conservación; diseño, iluminación y estado de la sala; y concesiones.

La carrera de Clint Eastwood, una de las figuras más emblemáticas de la historia de Hollywood, parece haber llegado a su fin. La revelación no surgió de un anuncio oficial del actor y director, sino de unas declaraciones realizadas por su hijo, Kyle Eastwood, durante una presentación en Francia.
El comentario se produjo en el marco del Festival Internacional de Cine de Amiens, donde el músico presentó un espectáculo dedicado a las bandas sonoras de algunas de las películas más reconocidas de su padre. Durante una entrevista, recordó las experiencias compartidas en distintos proyectos cinematográficos y dejó una frase que rápidamente generó repercusión.
"Tengo muchos buenos recuerdos de haber trabajado con él. Ahora está retirado, tiene 95 años. Tuve mucha suerte de poder colaborar con él en varias películas. Fue una experiencia maravillosa para mí", expresó Kyle.
Las palabras del músico fueron interpretadas por numerosos observadores como la confirmación más contundente hasta el momento sobre el retiro del realizador.
Aunque Clint Eastwood nunca anunció públicamente el final de su carrera, desde hace tiempo existían especulaciones en torno a esa posibilidad. La situación tomó fuerza tras el estreno de Juror #2 en 2024, película que varios medios especializados señalaron como una posible despedida del director.
A pesar de esos rumores, tampoco faltaron versiones que indicaban que Eastwood todavía analizaba la posibilidad de dirigir un último proyecto antes de abandonar definitivamente la actividad. Otro elemento que alimentó las especulaciones fue su ausencia durante la promoción de Juror #2, ya que no brindó entrevistas ni participó del estreno organizado por el American Film Institute (AFI).
A lo largo de más de seis décadas de carrera, Clint Eastwood construyó una de las filmografías más influyentes del cine contemporáneo. Como director estuvo detrás de películas que se transformaron en clásicos, entre ellas Million Dollar Baby, Gran Torino, Mystic River y Los imperdonables. Como actor, dejó una huella imborrable con títulos como Harry el sucio, El bueno, el malo y el feo, Por un puñado de dólares y Fuga de Alcatraz.
Incluso en los últimos años mantuvo una intensa actividad artística con producciones como La mula, Richard Jewell y la mencionada Juror #2, considerada por numerosos críticos como una obra que resume gran parte de los temas presentes en su trayectoria.
Mientras el director permanece alejado de la escena pública, su legado sigue presente gracias al trabajo de Kyle Eastwood, quien recorre distintos escenarios con un espectáculo que reinterpreta en clave jazz las bandas sonoras asociadas a la carrera cinematográfica de su padre.
El repertorio incluye composiciones de reconocidos autores como Ennio Morricone y John Williams, además de obras en las que el propio Kyle participó junto al cineasta.
Aunque no existe una confirmación oficial de parte de Clint Eastwood, las declaraciones de su hijo reforzaron la percepción de que Juror #2 podría haber sido la última película dirigida por una de las grandes leyendas vivas de Hollywood.

Todos tenemos un origen y ahora es momento de conocer el de John Rambo. El veterano que peleó en la guerra de Vietnam regresará a la pantalla grande el próximo año. A diferencia de sus anteriores interacciones, en esta ocasión el personaje no será interpretado por Sylvester Stallone, sino por Noah Centineo. 
Los detalles exactos de la trama siguen siendo un misterio, pero, sabiendo de dónde viene Rambo, se puede intuir de qué tratará. El personaje popularizado por Stallone en los ochentas tuvo que atravesar experiencias traumáticas durante su estadía en Vietnam. Bajo el título de John Rambo, los hechos de esta nueva cinta transcurrirán antes de lo visto en Primera Sangre y, al igual que sus antecesoras, promete estar plagada de acción y violencia. 
Noah Centineo toma el manto ensangrentado que Sylvester Stallone portó por última vez en 2019 como parte de Rambo: Last Blood. El actor dio vida al veterano de guerra durante casi cuatro décadas, protagonizando cinco largometrajes. Por su parte, Centineo asume el papel como un cambio de paradigma. Atrás quedó el chico que hacía películas románticas para adolescentes y ahora está buscando personajes con mucha más acción. Además de dar vida a Rambo, el intérprete encarna a Ken Masters en la película de Street Fighter. 
En las últimas semanas se han confirmado nuevos nombres que forman parte del elenco, donde destacan David Harbour, quien interpretará al Mayor Trautman, así como Yao y James Franco en personajes aún por conocer. Además de contar con la participación de los actores antes mencionados, la cinta también verá apariciones de Jason Tobin, Quincy Isaiah, Jefferson White y Tayme Thapthimthong. 
No es una sorpresa que Lionsgate busque seguir explorando el personaje de Rambo. A lo largo de sus cinco entregas anteriores, la franquicia ha generado más de 819 millones de dólares. En esta ocasión, la producción está comandada por Jalmari Helander, mientras Kevin King Templeton, Les Weldon, Jonathan Yunger, Angela Russo-Otstot y Michael Disco fungen como productores. A pesar de no estar involucrado como actor, Sylvester Stallone está acreditado como productor ejecutivo. 
John Rambo llegará a las salas de cine en junio de 2027. 

Llega junio, uno de los meses en los que históricamente los espectadores van más al cine. Pero este junio también comienza el Mundial de Fútbol de los Estados Unidos, Canadá y México. Y también, históricamente, cuando se juega la Copa del Mundo en los países de tradición futbolera como el nuestro la gente prefiere quedarse en su casa viendo otras imágenes en movimiento: las de los partidos de fútbol.
Así y todo, este junio que ya arranca viene lleno de tanques de Hollywood que se desentienden de fechas y pasión futbolística, y mantienen la tradición de que, junio también puede ser un mes fuerte en la afluencia de público.
Entonces, ¿qué ver? ¿La nueva de Steven Spielberg, que vuelve con su fanatismo por los extraterrestres?
¿Ir en familia a ver Toy Story 5, en la que los juguetes ven amenazada su supervivencia a los dispositivos electrónicos?
A continuación, repasamos los estrenos previstos, con sus tramas, directores e intérpretes:

4 de junio: Amos del universo
Todos, o casi todos, sabemos que He-Man es el hombre más poderoso del universo, y que debe reunir a héroes legendarios para combatir al malvado Skeletor, salvar el planeta Eternia y proteger los secretos del Castillo Grayskull. Jared Leto es Skeletor y Nicholas Galitzine es He-Man.

Scary Movie: Terroríficamente incorrecta
La saga continúa, como siempre tomándose en solfa a clásicos del cine de terror. Dos amigos se ven envueltos otra vez con asesinos, monstruos y criaturas sobrenaturales. La dirigió Michael Tiddes, el de Inactividad paranormal e ¿Y dónde está el fantasma?, y tiene en su elenco a Regina Hall y a los eternos Anna Faris y Marlon Wayans.

Madres jóvenes
Los hermanos belgas, que forman el selecto grupo de ganadores de 2 Palmas de Oro en Cannes, obtuvieron el año pasado el premio al mejor guion en el prestigioso festival de la Costa Azul. Lo suyo sigue siendo el cine social: cinco madres jóvenes viven en un refugio, y luchan por un mejor futuro para ellas y sus hijos, a pesar de sus difíciles orígenes.

11 de junio: El día de la revelación
Poco o nada se sabe de la trama de la nueva película del director. Sí que tiene que ver con un tema que a Spielberg le fascina desde niño: los extraterrestres. En el trailer se ve que la meteoróloga que encarna Emily Blunt le sucede algo extraño, parece poseída, y en vez de hablar emite sonidos raros. También se ve que el personaje de Josh O'Connor está del lado de los buenos, pero no el de Colin Firth. Estrena el mismo día de la inauguración del Mundial de fútbol.

Las 100 noches del deseo
La película reinterpreta el clásico Las mil y una noches con una mirada feminista. Dos mujeres casadas, Cherry y Hero idean un ingenioso plan para frustrar al lascivo Manfred de seducir a Cherry después de apostar con el esposo de ella. Hero intenta cautivar a Manfred con relatos durante 100 noches.

Letras robadas
Esta comedia musical sigue a Rick, un cantante de bodas en problemas, y a Danny, exestrella de una boy band en decadencia. Se conocen en una improvisada sesión nocturna, y se dan cuenta que tienen mucho en común, y no solamente el deseo de volver a brillar. Del director de Once, pasó por el Bafici.

18 de junio: Toy Story 5
Sí, muchos creímos que el mejor final de la historia de Woody y Buzz Lightyear era con la tercera película de la saga, pero la saga continúa. La trama se mantiene en secreto, pero por lo que se ve en el trailer irrumpe una tablet en el universo de los chicos, por lo que Bonnie (la nueva dueña de los juguetes) capaz que los deje de lado por el nuevo dispositivo. Al director Andrew Stanton le debemos Wall-E, Buscando a Nemo y Buscando a Dory.

25 de junio: Supergirl
Milly Alcock es Kara Zor-El. ¿Cómo quién? La prima biológica de Kal-El, o sea Superman, conocido como Clark Kent en la Tierra. La película contaría el origen del personaje antes de llegar a nuestro planeta. Sí: Supergirl tenía un cameo en la Superman (2025) de James Gunn. El director Craig Gillespie fue el de Cruella y de Yo soy Tonya.

Jackass: La última y nos vamos
La serie de televisión de comedia y slapstick, que nació en la MTV, fue creciendo. Y se supone que el equipo de Jackass realiza su serie final de bromas pesadas y acrobacias peligrosas por última vez, por lo que ésta sería el final de la franquicia. Pero nunca se sabe.

El afinador
Niki White es un talentoso afinador de pianos, que descubre que su oído impecable le permitiría también abrir cajas fuertes. El director Daniel Roher ganó el Oscar por el documental Navalny (2023) y el documental Blink, en el que los padres llevaban a sus hijos en un viaje global para disfrutar de los paisajes antes de que una enfermedad los dejara ciegos. 

La invitación
Joe y Angela ven cómo su matrimonio se ha vuelto con los años rutinario. E invitan a sus vecinos de arriba, una rubia Penélope Cruz y Edward Norton, e inesperadamente descubren cómo la pareja podría estar organizando orgías semanales. Basada en la obra de teatro y la película de Cesc Gay que aquí se llamó Sentimental, en la que Griselda Siciliani era la mujer de la pareja aburrida.

Miércoles 1º de julio: Minions & Monstruos
Todas las películas de la saga y los spin-offs de Mi villano favorito fueron un éxito en la Argentina. Esta película sigue a los Minions en el Hollywood de los años '20, cuando buscan criaturas aterradoras para su película de monstruos. Y terminan uniéndose a una criatura verde y deben salvar el planeta. Es la primera película de los Minions que no incluye a Gru, o sea a la voz de Steve Carell. El director Pierre Coffin es quien le pone la voz a los Minions.

Su papel como Nikki Freeman, la joven atrapada en una historia de deseo, terror y control, la colocó de golpe entre los nombres más comentados del cine de horror reciente. No por una campaña publicitaria ni por una etiqueta fabricada: su actuación es de esas que se quedan en la cabeza porque logra una mezcla muy precisa de vulnerabilidad y amenaza.
Inde Navarrette nació en Tucson, Arizona, el 3 de marzo de 2001, con el nombre de Danielle Fabiola Navarrette. Su madre es australiana y su padre es mexicano. Durante su infancia se mudó varias veces porque su papá trabajaba para el ejército de EE.UE; para cuando cumplió 15 años, ya había pasado por 11 escuelas distintas.
Su nombre artístico viene de una anécdota familiar. De acuerdo con lo que la actriz contó "Inde" viene de "independent", apodo que su madre empezó a usar porque desde niña la veía como alguien muy independiente. El nombre quedó, y ahora acompaña el momento más visible de su carrera.
Aunque para buena parte del público 'Obsession' fue su presentación formal, Inde Navarrette ya tenía trabajo previo en televisión. Participó en la sitcom 'Denton's Death Date', apareció en '13 Reasons Why' como Estela de la Cruz y después llegó a 'Superman & Lois', donde interpretó a Sarah durante varias temporadas. Ese papel le dio una base reconocible entre espectadores de series juveniles y de superhéroes, pero Nikki la llevó a otro terreno.
La relación de Inde Navarrette con el horror no nació en el set de 'Obsession'. En una entrevista, la actriz contó que el lado mexicano de su familia la acercó al género desde niña. Según relató, en casa de sus familiares había muñecos de Chucky en el baño y una fascinación bastante abierta por las películas de terror.
El contraste con el lado australiano de su madre era grande. Ahí el ambiente estaba más cerca de las comedias románticas y de actrices como Audrey Hepburn y Sandra Bullock, además de películas como '10 Cosas que odio de ti' o 'Cómo perder a un hombre en 10 días'. Vista desde ahí, su llegada a 'Obsession' tiene algo curioso: la película empieza rozando el terreno romántico, pero pronto se ensucia con algo mucho más oscuro.
Inde Navarrette resumió ese giro con una frase muy clara: "Esto empieza como una historia de amor y se convierte en algo completamente oscuro". En la película interpreta a Nikki, la mejor amiga de Bear, personaje de Michael Johnston, cuya vida se quiebra después de un deseo aparentemente inocente.
Nikki no es solo "la chica" dentro de una película de terror. Inde Navarrette tenía que construir primero a una persona reconocible, divertida, cercana, con amigos, deseos y una identidad propia. Luego debía llevarla hacia una transformación perturbadora sin convertirla en caricatura.
La actriz explicó que esa primera capa era esencial para que todo lo demás doliera más: "Para mí, Nikki es alguien increíblemente viva, divertida, muy atenta. Es una escritora, ama a sus amigos. y eso es lo que hace que todo lo que viene después sea aún más trágico".
Ese enfoque ayuda a entender por qué su actuación ha llamado tanto la atención. Nikki no da miedo solo por lo que hace, sino por lo que le ocurre. La película trabaja con la línea entre el amor y la obsesión, y Navarrette lo explicó así: "Creo que hay una obsesión saludable hasta cierto punto, pero la línea se cruza cuando empiezas a alejarte de quién eres". En 'Obsession', esa línea no solo se cruza: se rompe.
El rodaje también tuvo un desgaste fuerte para Inde Navarrette. La actriz contó que hubo escenas en las que terminó asustándose a sí misma al verse en los monitores, sobre todo durante una secuencia nocturna en la que Nikki habla con Bear mientras él despierta de madrugada. "Creo que hay algo muy aterrador en asustarte a ti misma", dijo.
También recordó que hubo días muy intensos por el trabajo vocal. Según contó, gritaban tanto mientras probaban distintas voces que le sorprendía que nadie hubiera llamado a la policía. A eso se sumaron escenas físicamente incómodas, como una toma de vómito cuyo efecto falló varias veces y terminó siendo caótica para el equipo.
El trabajo de Inde Navarrette en 'Obsession' ya recibió comentarios muy positivos por parte de la crítica, y su actuación ha sido calificada como digna de atención en temporada de premios, e incluso "brillante".
Su siguiente proyecto será 'Invertigo', un thriller sobre un grupo de adolescentes que entra ilegalmente a una atracción de parque de diversiones antes de su apertura y queda atrapado cuando todo sale mal. La película fue filmada en Tailandia y se encuentra en postproducción.

La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.
El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. 
Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.
La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com
La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. 
El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar
Competencia Internacional de Largometrajes.
2. Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.
3. Competencia de Cortometrajes U.B.A.
4. Competencia de Largos Graduados DIS
5. Competencia de Cortos Graduados DIS
Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.
En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:
Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.
2. Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.

Cuando el cuerpo de periodistas del Festival de Cannes soltaban una risotada ante una pregunta divertida acerca de Donald Trump, el actor los mandó a callar: "Sinceramente, el tema no tiene ninguna gracia; la situación en la que estamos es muy complicada". 
"Salta a la vista lo que está pasando", continúa el actor, "cuando ves cómo se concentran los medios, la censura, las amenazas y ese bucle de demandas que no van a ningún lado". "Con la película nos tocó lidiar de lleno con todo esto, hasta el punto de que, a sólo tres días del festival, ni sabíamos si nos iban a dejar proyectarla".
Recordemos los problemas de distribución y de visibilidad que cayeron sobre 'The Apprentice', el biopic donde Sebastian Stan interpretaba al presidente de los Estados Unidos en su juventud, junto a Jeremy Strong. La película tenía el perfil para competir en la primera línea de la temporada de premios, pero pasaron muchos meses antes de que ninguna distribuidora quisiera adquirirla para territorio norteamericano. Por ende, Stan no se ríe. "Pero bueno", continúa, "creo que precisamente por eso [por resultar incómoda] esta película aguantará bien el paso del tiempo. Y de todas formas, nosotros ya nos estábamos lidiando con esta situación mucho antes de que se volviera un chiste de los late nights de Stephen Colbert y compañía. De verdad, ojalá las cosas no fueran así".

Existe una estirpe de cineastas para los que la denuncia social opera como una razón de ser. Algunos trabajan desde el drama empático, los hay que prefieren utilizar el humor más ácido, y luego están los que se decantan por adoptar una perspectiva fría y quirúrgica. 
En esta última familia de observadores implacables de la realidad cabría situar como figura totémica al austriaco Michael Haneke, y como uno de sus alumnos más aventajados al rumano Cristian Mungiu. Ganador de la Palma de Oro en el año 2007 por '4 meses, 3 semanas, 2 días' (un drama sobre el aborto en el contexto del régimen comunista de Ceau?escu) Mungiu ha construido su flamante carrera a partir de la mirada directa hacia zonas sensibles de la realidad rumana y europea. 
A sus 58 años, el cineasta ha denunciado la corrupción del estado rumano (en 'Los exámenes'), el odio al inmigrante (en 'R.M.N.') y las tensiones que generadas en torno a los dogmas de fe (en 'Más allá de las colinas'). Algunos de estos temas reemergen en 'Fjord', con la que Mungiu ha ganado su segunda Palma de Oro con la complicidad de Sebastian Stan y Renate Reinsve, que protagonizan el film.
'Fjord' transcurre en Noruega, un país que simboliza un ideal de progreso y bienestar en el contexto europeo. Allí llega a vivir la familia Gheorghiu, cuyo padre, Mihai (de origen rumano), es un ingeniero aeronáutico, mientras que la madre, Lisbet (de origen sueco), es enfermera. La pareja tiene cinco hijos -dos adolescentes, dos pequeños y un bebé-, a los que educan de una forma rígida y disciplinada en los valores de la fe cristiana. En un principio, los Gheorghiu son bienvenidos en su nueva comunidad, que los recibe con los brazos abiertos, haciendo gala de un civismo ejemplar. Pero, cuando en el colegio sospechan que los hijos del clan podrían estar recibiendo castigos físicos en el ámbito doméstico, se desata una investigación que desembocarán en la intervención de la unidad de Protección al Menor, que separará a los hijos de sus padres. A través de este drama, que adopta como punto de vista principal el de Mihai y Lisbet, pero que también se fija en los docentes del colegio y en la abogada de la familia, Mungiu pone el dedo en varias lacras sociales.
Sin llegar a casarse con ninguna de las partes enfrentadas en su película, el cineasta rumano pone en el centro de su diana la superioridad moral con la que la Europa más occidental, y supuestamente más "avanzada", mira a la otra Europa, la oriental. Por el hecho de ser rumanos y cristianos, los Gheorghiu sufren un fuerte escrutinio por parte de las autoridades noruegas, una supervisión de corte paternalista que exhibirá su cara más salvaje y xenófoba durante el proceso judicial al que se verán abocados Mihai y Lisbet. Mungiu lanza una mirada crítica a una sociedad que supuestamente aboga por la libertad -en los ámbitos de la expresión, la sexualidad y el credo-, pero que luego impone el laicismo como una forma de dogma infranqueable.
Mungiu vuelve a demostrar su talento para señalar las contradicciones e inconsistencias de las realidades que retrata, y no cabe duda de que 'Fjord' generará interesantes debates públicos. 
'Fjord', una película que tiene todas las papeletas para aparecer en el palmarés del Festival de Cannes y en la temporada de premios que arrancará a finales de este año y que tendrá como objetivo final los Oscar de Hollywood.

'La bola negra' de Javier Calvo y Javier Ambrossi no ha podido hacerse con la palma de oro del Festival de Cannes 2026, pero han sido galardonados con el premio al mejor director del certamen, ex aequo con el director polaco Pawel Pawlikowski.
La prestigiosa palma de oro ha sido en su lugar para 'Fjord', de Christian Mungiu. Se trata de la segunda palma de oro para Mungiu tras '4 meses, 3 semanas, 2 días', con la que conquistó el certamen en 2007. En esta ocasión 'Fjord' narra cómo un pequeño pueblo de Noruega trata a una familia de origen rumano donde sospechan del maltrato a sus hijos. Está rodada en inglés y protagonizada por Renate Reinsve y Sebastian Stan.
Por otra parte, el gran premio de esta edición ha ido a parar a 'Minotaur' del director ruso Andreï Zvyagintsev. La película muestra la caída de un empresario local ruso acosado por la guerra, la corrupción y hasta la infidelidad de su esposa. Un retrato de la descomposición moral de la sociedad rusa.
El resto de premios del Festival de Cannes de este año han estado muy repartidos. Tanto que han tenido dos ganadores en su mayoría. Los Javis se han alzado con el premio al mejor director por su aclamado segundo largometraje, 'La bola negra', que compartirán con Pawel Pawlikowski.
Los galardones de mejor actor y mejor actriz también han estado compartidos, en esta ocasión por intérpretes de la misma película en ambos casos.
El Festival de Cannes también ha reconocido la trayectoria de Barbra Streisand con una Palma de oro honorífica. Streisand, que no ha podido acudir hasta Francia por un problema de rodilla, ha intervenido por videoconferencia mientras ha encargado a la actriz gala Isabelle Huppert que acudiese hasta Cannes para repasar su carrera en homenaje.
Tanto 'Amarga Navidad' de Almodóvar como 'El ser querido' de Sorogoyen, que también estaban nominadas, se han vuelto con las manos vacías.
El director Park Chan-Wook era el presidente del jurado del Festival de Cannes de este año, que se completaba con Demi Moore, Ruth Negga, Laura Wandel, Diego Céspedes, Isaach De Bankolé, Paul Laverty, Chloé Zhao y Stellan Skarsgård.

Palmarés del Festival de Cannes 2026

Palma de oro: 'Fjord' de Christian Mungiu
Gran Premio: 'Minotaur' de Andreï Zvyagintsev
Premio del jurado: 'The Dreamed Adventure' de Valeska Grisebach
Mejor director: Javier Calvo y Javier Ambrossi por 'La bola negra' y Pawel Pawlikowski por 'Fatherland'
Mejor guion: Emmanuel Marre por 'A Man of His Time'
Mejor actriz: Virginie Efira y Tao Okamoto por 'All of a Sudden'
Mejor actor: Emmanuel Macchia, Valentin Campagne por 'Coward'

Lupita Nyong'o interpreta a Helena de Troya en 'La odisea', lo cual ha generado algunas críticas y seguramente sea el principal motivo de que el último tráiler sea el peor valorado de toda la filmografía de Christopher Nolan. Pero la actriz ha decidido romper su silencio al respecto.
La ganadora de un Óscar por '12 años de esclavitud' ha respondido a las quejas sobre el hecho de que ella no debería interpretar a "la mujer más bella del mundo", a lo que ella ha recordado que "esta es una historia mitológica", por lo que nadie debería esperar que 'La odisea' sea un simple drama histórico.
Nyong'o continúa señalando que "apoyo plenamente la intención de Chris y la versión de esta historia que está contando. Nuestro elenco es representativo del mundo. No voy a perder el tiempo defendiéndome. Las críticas existirán, las aborde o no. Es algo extraordinario formar parte de La Odisea, porque es una obra grandiosa. Abarca mundos. Por eso el reparto es el que es. Estamos inmersos en la narrativa épica de nuestro tiempo".
"Me sentí profundamente honrada de que me confiaran este papel", quiere dejar claro la actriz, quien además incide en cuál fue su enfoque a la hora de abordar el personaje en 'La odisea':
"La belleza no se puede representar. Quiero saber quién es un personaje. ¿Qué hay más allá de la belleza? ¿Qué hay más allá de la apariencia? Esa es la clave al trabajar con un texto tan conocido, que ha sido estudiado, interpretado y del que se han derivado muchas ideas. La investigación podría ser interminable. Lo bueno de trabajar con un escritor como Chris es que todo está plasmado en la página. La investigación comienza con las páginas que te dan. En eso me basé".
Veremos si toda la polémica acaba afectando a una película que se ha convertido en la más cara de toda la carrera de Nolan al contar con un presupuesto de 250 millones de dólares. En breve se resolverán las dudas, ya que el estreno exclusivo en cines de 'La odisea' está previsto para julio de 2026.

'Érase una vez en Hollywood' (2019) es una de las películas más celebradas de toda la filmografía de Quentin Tarantino, por lo que desde que se anunció su spin-off centrado en Cliff Booth -el personaje de Brad Pitt en la original-, los fans continúan expectantes ante cualquier nueva información que surja sobre el nuevo filme. Netflix financia este proyecto dirigido por David Fincher con guion de Tarantino y ha confirmado su fecha de estreno: estará disponible a finales de año. ¿Lo mejor de todo?  tendrá una ventana de estreno en cines.
Mediante una publicación en sus distintos perfiles de redes sociales, Netflix ha confirmado la fecha de estreno de 'The Adventures of Cliff Booth', la película spin-off y a la vez secuela de 'Érase una vez en Hollywood'. Según anuncia la plataforma, se estrenará primero en cines de todo el mundo el próximo 25 de noviembre de 2026: se trata de una ventana de estreno limitada y exclusiva de dos semanas en salas de cine. 
'The Adventures of Cliff Booth' está dirigida por David Fincher y cuenta con un guion de Quentin Tarantino. Además de Brad Pitt, esta película contará con otros intérpretes como Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II, Peter Weller, Matt Groove, JB Tadena, Corey Fogelmanis y Karren Karagulian. 
Por lo pronto, no se conocen detalles concretos de la trama, aunque el propio título de esta nueva historia apunta a que seguirá las andanzas de Cliff Booth, un especialista de cine, en el Hollywood de los 70 tras separar su camino profesional del de Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y sobrevivir al brutal ataque de los Manson en su domicilio.
'The Adventures of Cliff Booth' supondrá la tercera vez que Pitt colabora con Tarantino después de 'Malditos bastardos' (2009) y la propia 'Érase una vez en Hollywood' (2019), por lo que esta nueva película ha conseguido captar el interés de los fans tanto del actor como de su director (Fincher) y su guionista. Solo el tiempo dirá qué nuevas aventuras deparan a Cliff y cómo sobrevive en el cambiante y salvaje Hollywood de los años 70.

Después de meses de rumores, por fin es un hecho que Scarlett Johansson y Sebastian Stan serán parte de la secuela de The Batman. Matt Reeves confirmó la noticia a través de su cuenta de X. El director de la cinta compartió videos de algunos de los integrantes del elenco, que compartirán pantalla con Robert Pattinson, quien interpreta a Bruce Wayne. 
"Siguiente parada: Ciudad Gótica. Bienvenida", escribió el cineasta al publicar una imagen de Scarlett Johansson en la película Under the Skin. Poco más de una hora después, Reeves compartió una imagen de Sebastian Stan para quien escribió, "En un estado mental a lo Ciudad Gótica. Bienvenido". El director también compartió imágenes para darle la bienvenida a Charles Dance, Bryan Tyree Henry y Sebastian Koch. 
Los rumores de que Johansson formaría parte de The Batman: Parte 2 surgieron por primera vez en diciembre mediante. De acuerdo a versiones, si bien no asumiría el mismo papel, la actriz asumiría el rol que tenía la gatúbela de Zoë Kravitz, quien no regresará en esta segunda entrega. Por el momento, el personaje que interpretará sigue siendo un misterio. 
En el caso de Sebastian Stan -que compartirá pantalla con Ana de Armas en Impunidad-, se supo por primera vez de la intención de Reeves de sumarlo al elenco a inicios de enero. En aquel entonces, se reportó que el actor estaba negociando su participación. Algunos medios indicaban que podría interpretar a Harvey Dent, también conocido como Dos Caras, pero nunca se confirmó la información. Con su incorporación al reparto confirmada, Stan volverá a compartir pantalla con Robert Pattinson. La última vez que trabajaron juntos fue en 2020 como parte de la cinta El diablo a todas horas. 
Con su participación en The Batman: Parte 2, ambas figuras se suman a una pequeña lista de actores que han sido parte tanto de las películas de Marvel como de DC Comics. Johansson es conocida por haber interpretado a Natasha Romanoff, también conocida como Viuda Negra, quien fue pieza clave del Universo Cinematográfico de Marvel desde su primera fase. Por su parte, Stan interpreta a Bucky Barnes, conocido como el Soldado del Invierno, quien comenzó siendo un villano y luego se convirtió en un miembro de los Vengadores. Hoy es parte de los Thunderbolts. 
Las filmaciones de la secuela de The Batman ya comenzaron en Londres. Además de contar con Robert Pattinson interpretando nuevamente al superhéroe murciélago, la cinta verá a Colin Farrell retomando el papel del Pingüino. Jeffrey Wright y Andy Serkis también estarán de vuelta como el Comisionado James Gordon y Alfred respectivamente. 
Si bien los detalles de la trama aún permanecen en secreto, Matt Reeves ha comentado que será una cinta enfocada más en Bruce Wayne que en Batman. Pattinson alabó el guion durante la alfombra roja de The Drama, su más reciente producción, donde comparte pantalla con Zendaya. "El guion es extraordinario. Creo que será una película muy, muy especial y muy diferente", dijo el actor. 
Después de muchos retrasos, The Batman: Parte 2 llegará a las salas de cine en octubre de 2027. 

Cate Blanchett y Selena Gomez protagonizarán la nueva película de Brady Corbet, director de The Brutalist. El proyecto todavía no tiene título oficial, pero ya comenzó a generar expectativa por el elenco y por las primeras pistas sobre su historia.
La noticia se confirmó durante el Festival de Cannes, donde Blanchett mencionó en una masterclass que está por trabajar con Corbet. Poco después se confirmó que la actriz compartirá pantalla con Gomez y Michael Fassbender en la próxima película del director nominado al Oscar.
Aunque los detalles de la trama siguen en secreto, Corbet ha adelantado que será una película ambientada principalmente en los años setenta. También explicó que la historia abarcará distintas épocas, desde el siglo XIX hasta la actualidad, y que tendrá un enfoque poco convencional.
"El proyecto desafía completamente los géneros", dijo el director en una entrevista previa con The Hollywood Reporter. Además, la producción utilizará cámaras 65 mm de ocho perforaciones, un formato poco común en el cine actual.
El guión tendría alrededor de 200 páginas, lo que apunta a una película de gran duración. La cinta será producida por Andrew Morrison y marcará el cuarto largometraje de Corbet, después de The Childhood of a Leader, Vox Lux y The Brutalist.

La fiebre por Hello Kitty está lejos de terminar. Después de décadas dominando el mundo del merchandising, la moda y la cultura pop, el icónico personaje japonés finalmente llegará a Hollywood con su primera gran película oficial para la pantalla grande.
El proyecto será desarrollado por Warner Bros. Pictures junto a Sanrio y ya tiene fecha confirmada de estreno global: 21 de julio de 2028.
La noticia ha generado expectativa entre fanáticos de distintas generaciones, especialmente porque se trata de la primera adaptación cinematográfica en inglés autorizada oficialmente por Sanrio para uno de sus personajes más famosos.
Aunque todavía no se han revelado demasiados detalles sobre la trama, el estudio confirmó que la película buscará mantener los valores clásicos de Hello Kitty: amistad, amabilidad y conexión emocional.
Además, la producción contará con nombres importantes dentro de la animación contemporánea. Entre los directores anunciados están David Derrick Jr., quien trabajó en 'Moana 2', y John Aoshima, conocido por proyectos animados como 'Ultraman: Rising'.
El personaje fue creado en 1974 por Sanrio y se convirtió en un fenómeno global. Durante años ha protagonizado videojuegos, series animadas, cafeterías temáticas y colaboraciones con marcas de lujo, pero nunca había tenido una gran película producida en Hollywood.
Parte de la expectativa también gira alrededor de cómo será adaptado el personaje al cine. Durante décadas, Hello Kitty ha sido reconocida por no tener boca, un detalle que incluso ha generado debates virales en internet sobre cómo expresa emociones.
Por ahora, Warner Bros. mantiene en secreto varios aspectos de la producción, pero el anuncio ya convirtió a la película en uno de los estrenos familiares más comentados de los próximos años.

La actriz y cantante Barbra Streisand no acudirá, como estaba previsto, el próximo día 23 a Cannes para recoger una Palma de Oro de honor que le ha concedido el festival, por decisión de sus médicos para que continúe su convalecencia por una lesión en la rodilla.
"Lamentablemente no podré asistir al Festival de Cannes este año", señala Streisand en un comunicado enviado este domingo a los medios por la organización del certamen francés.
La cantante asegura que se siente "profundamente honrada" por recibir la Palma de Oro honorífica y que estaba deseando "celebrar las extraordinarias películas de la 79 edición" del festival.
"También tenía muchas ganas de compartir tiempo con artistas a quienes admiro y, por supuesto, de regresar a Francia, un país que siempre he amado", apunta.
Y aunque lamenta no poder estar presente, felicita "efusivamente a todos los cineastas del mundo cuyo extraordinario talento y visión creativa se celebran este año".
Estaba previsto que tras las palmas de honor entregadas a Peter Jackson y a John Travolta, la edición de este año se cerrará con el anuncio del palmarés y con la entrega de un tercer reconocimiento de honor a la cantante, actriz, directora, productora, compositora y guionista, de 83 años.
Aunque ella no pueda viajar a Cannes, el festival ha decidido mantener el homenaje que estaba programado para la gala de clausura, en reconocimiento a su trayectoria artística y por ser "una estrella mundial que es ante todo una artista que impulsa proyectos que reflejan quién es, que le son propios y que comparte con el mundo entero", en palabras del delegado general del certamen, Thierry Frémaux, cuando se anunció el galardón.
La presidenta del festival, Iris Knobloch, señaló por su parte que este año querían "rendir homenaje a una artista que ha dejado huella por la fuerza de su arte y por su búsqueda intransigente de la libertad. Como mujer, me alegra poder expresar nuestra admiración por esta creadora consumada y ciudadana valiente".
Cannes afirmó que Streisand "es un modelo para todas las mujeres", sobre todo "porque nunca ha permitido que las dificultades la frenen". 
Streisand tiene en su haber títulos como actriz como 'Funny Girl' (1968), 'Hello, Dolly!' (1969), 'What's Up, Doc?' ('¿Qué me pasa, doctor?', 1972) o 'The Way We Were' ('Tal como éramos', 1973), 'Funny Lady' (1975) 'A Star is Born' ('Ha nacido una estrella', 1976) o 'The Prince of Tides' ('El príncipe de las mareas', 1991).
Entre sus reconocimientos en el mundo del cine, ha ganado dos Óscar, a mejor actriz por 'Funny Girl' y a mejor canción original por 'Evergreen', del filme 'A Star is Born', y ocho Globos de Oro.

El Festival de Cannes otorgó una Palma de Oro honorífica al actor estadounidense John Travolta, en un reconocimiento sorpresa que no había sido anunciado previamente y que se entregó antes del estreno de su debut como director.
"Mis películas favoritas en mi vida siempre fueron las ganadoras de la Palma de Oro. No puedo creerlo, esto es más que un Óscar", dijo el protagonista de Grease y Pulp Fiction al recibir el homenaje.
Travolta presentó su primer largometraje como director, una cinta inspirada en una historia escrita décadas atrás, en la que también participa su hija, Ella Bleu Travolta.
"Este es el proyecto de mi vida. Y todas las personas que aparecen en la película están aquí, mi familia", expresó el actor durante la presentación en el festival.
El intérprete también confesó que no esperaba que su película fuera seleccionada por Cannes, considerado el festival de cine más importante del mundo.
"Cuando me dijeron que sería aceptada con tanta antelación, me puse a llorar como un niño", relató.
La cinta cuenta la historia de un niño que viaja en avión para seguir a su madre actriz rumbo a Hollywood, donde vive diversas aventuras a bordo.
Travolta, piloto profesional desde los 22 años, recordó además su vínculo con la aviación y su larga trayectoria en la industria del cine, donde alcanzó fama mundial en los años 70 con Fiebre del sábado por la noche.
El actor ya había participado en varias ediciones del Festival de Cannes, incluyendo la Palma de Oro obtenida en 1994 por Pulp Fiction.

Después de años marcados por la polémica, el silencio mediático y un regreso gradual a Hollywood, Will Smith volverá a liderar una gran apuesta del cine de acción. El actor será el protagonista de Supermax, un nuevo thriller cargado de tensión y misterio que promete devolverlo al centro de las grandes producciones internacionales.
La película estará dirigida por David Gordon Green, cineasta conocido por películas como Halloween y The Exorcist: Believer.
La cinta ha sido descrita como un "trepidante thriller de acción lleno de giros inesperados". La trama seguirá a dos agentes del FBI que investigan un asesinato dentro de la prisión más segura del mundo. Smith interpretará a Rex, uno de los protagonistas de la historia.
El resto del elenco todavía se encuentra en proceso de selección y se prevé que la producción inicie a mediados de agosto.
El proyecto marca además el regreso de Will Smith a una gran producción fuera de franquicias establecidas. Su última aparición en el cine fue en Bad Boys: Ride or Die -estrenada en Latinoamérica como Bad Boys: Hasta la Muerte-, cinta que representó su regreso oficial a Hollywood tras la controversia de los Óscar de 2022, cuando golpeó al comediante Chris Rock durante la ceremonia.
Desde el incidente en los premios, el actor había mantenido un perfil más discreto en el cine. Sin embargo, en los últimos meses su compañía de entretenimiento, Westbrook -fundada junto a Jada Pinkett Smith-, también firmó un acuerdo de preferencia con Paramount Pictures para desarrollar nuevas películas y proyectos relacionados con franquicias.
El guion de Supermax fue escrito por David Weil y David J. Rosen, reconocidos por trabajos televisivos como Hunters e Invasion. Ambos también participarán como productores ejecutivos junto a Natalie Weil.
La producción estará a cargo de Alex Heineman y Andrew Rona, de The Picture Company, mientras que Smith y Adam Fishbach producirán el filme a través de Westbrook.
Supermax también se convertirá en la película más costosa de la carrera de David Gordon Green, consolidando el interés de los estudios por apostar nuevamente por Will Smith como figura principal de grandes producciones de acción.

Pese a ser el artífice de una galaxia muy lejana y el padre de criaturas que habitan los confines de la imaginación, su origen fue más terrenal. George Lucas nació en Modesto, California (Estados Unidos), el 14 de mayo de 1944. De su mente surgió la chispa que encendería una saga destinada a cambiar el curso del cine y a transformar, para siempre, el universo del entretenimiento audiovisual.
Es que el estreno de Star Wars impulsó el desarrollo de tecnologías que hoy dominan Hollywood y sentó nuevas bases para la forma de producir películas. Sin embargo, no fue la única saga de la cual es responsable.
A más de ocho décadas de su nacimiento, el impacto de Lucas sigue creciendo.
George Walton Lucas Jr. cursó estudios en la University of Southern California (USC), donde se destacó en el campo de la cinematografía. Desde esa etapa, Lucas manifestaba una inclinación por la innovación técnica y la narrativa visual.
Su dedicación a cortometrajes experimentales y la interacción con otros cineastas emergentes en Los Ángeles marcaron su aproximación al cine como un auténtico laboratorio creativo.
En 1977, Star Wars irrumpió en los cines y modificó el rumbo de la industria. La saga de Lucas no solo redefinió el concepto de franquicia, sino que estableció nuevos estándares de producción, efectos visuales y comercialización.
El estreno de Star Wars impulsó el desarrollo de tecnologías que hoy dominan Hollywood. En ese universo en expansión, Lucas supo que los detalles pueden construir mitos. Entre todos los personajes surgidos de su imaginación, Yoda ocupa un lugar de privilegio. El pequeño maestro Jedi, introducido en El Imperio contraataca en 1980 con la voz de Frank Oz, conquistó a generaciones con su figura enigmática y sentencias cargadas de sabiduría ancestral. Su peculiar manera de hablar -una sintaxis invertida que convertía cada frase en un enigma- intrigó a fanáticos y estudiosos durante décadas.
Durante la celebración por el 45° aniversario de la película, Lucas reveló el secreto detrás de ese estilo: eligió que Yoda hablara de forma tan singular porque, según explicó, "si usara un inglés normal, la gente no lo escucharía tanto. Pero si tiene un acento o resulta difícil de entender, entonces la gente presta atención a lo que dice".
Más allá del artificio, Yoda encarna la esencia del filósofo de Star Wars: un guía que desafía a héroes y espectadores a detenerse en el sentido profundo de cada lección. Así, Lucas dotó a uno de sus personajes emblemáticos de una humanidad insospechada, convirtiéndolo en símbolo universal de paciencia, humildad y sabiduría.
Aunque suele asociarse a Steven Spielberg la dirección y el pulso de aventura de Indiana Jones, fue George Lucas quien imaginó al arqueólogo intrépido y sentó las bases de la saga.
La idea surgió a principios de los años setenta, en paralelo al desarrollo de Star Wars, según explicó el propio Lucas en una entrevista. Inspirado en los seriales clásicos de su infancia, concibió al personaje como un héroe moderno enfrentado a enigmas y peligros extraídos de mitos y leyendas universales. Su visión definió el tono único de la serie: cada película gira en torno a la búsqueda de un objeto sobrenatural cargado de misterio -lo que Lucas denominaba el MacGuffin-, lo que aporta ese realismo fantástico y la atmósfera de aventura que distingue a Indiana Jones en la pantalla.
Lucas no solo fue el creador conceptual, sino también el arquitecto narrativo y productor central de la saga. Desde la elección de Harrison Ford hasta el diseño de los artefactos y el desarrollo de la trama, supervisó los elementos esenciales que darían forma a la franquicia. 
Incluso cuando Spielberg tomó la dirección, Lucas se mantuvo presente en las decisiones fundamentales para preservar el espíritu original. "Tratamos de mantener un sentido de realismo inmaculado en la película, aunque sea predecible", declaró. Su empeño en mezclar acción, credibilidad y humor, y su decisión de producir la saga fuera de los grandes estudios, aseguraron que Indiana Jones conservara esa impronta única capaz de atravesar generaciones.
La influencia de George Lucas se extiende más allá del cine. La saga Star Wars fue fuente de inspiración para generaciones de cineastas, artistas y fanáticos.
El universo creado por Lucas fue objeto de análisis académico y cultural en revistas especializadas. La figura de Lucas recibió homenajes de instituciones como la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y diversos festivales internacionales.
Lucas expuso la importancia de la innovación y la libertad creativa: "Siempre pensé que la tecnología debía estar al servicio de la historia", valoran sus colegas y críticos en medios especializados.
El legado de George Lucas se mantiene vigente en cada nueva generación que descubre sus películas y en la constante evolución del sector audiovisual.

Cannes se ha convertido esta semana en la capital mundial del cine durante doce días, con su habitual mezcla de cine y estrellas y con una alfombra roja por la que pasarán Scarlett Johansson, Adam Driver, Peter Jackson, Cate Blanchett, Barbra Streisand, Gillian Anderson o Demi Moore.
La actriz que dio vida a la mítica Dana Scully en Expediente X presenta en el Festival de Cannes Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, dirigida por Jane Schoenbrun, un título divertido que avanza lo que ofrece un filme del que se está hablando mucho y que promete terror, sangre y risas.
Anderson participó este miércoles en la alfombra roja del estreno de la película francesa La Vie d'une femme, donde dio una lección de estilo y demostró una vez más que es una de las mujeres más deseadas de Hollywood a sus 57 años. La actriz escogió un vestido blanco customizado de Miu Miu con ribetes de cristales.
Otra leyenda de la meca del cine, Demi Moore, forma parte del jurado oficial junto a la actriz Ruth Negga, la directora Chloé Zhao, el actor Stellan Skarsgård o el director chileno Diego Céspedes. Moore, nominada al Oscar y productora, ya vio cómo la película La sustancia, en la que era protagonista, se hizo con el premio al mejor guion en Cannes en 2024.
En la jornada del miércoles volvió a captar la atención de los fotógrafos posando con un vestido vaporoso de manga larga y una espectacular cola. La estrella de Ghost lució piernas con una atrevida abertura hasta el muslo y realzó su figura con un par de altísimos tacones de aguja a juego.
La actriz habló el primer día de la "maravillosa experiencia" que supone estar en Cannes y que conoce de visitas anteriores al festival. "Estar rodeada de cine, del amor por el cine, de la alegría de sumergirme en él y de estar con quienes comparten esa pasión es una verdadera alegría (...) Me siento tremendamente honrada y muy emocionada. Me siento como un niño pequeño jugando a ser adulto", agregó.

El Festival de Cannes se sabe importante, capital, y disfruta desplegándose como historia viva del cine. Incluso en ediciones como la presente, que ha sido cuestionada por rechazar a la industria americana, en favor de una parrilla de producciones europeas de lo más potente. Pasarán por la Croisette cineastas de la talla de Cristian Mungiu, Pawel Pawlikowski, Ira Sachs, László Nemes, o los japoneses Hirokazu Kore-eda y Ryusuke Hamaguchi, ambos coproduciendo con Francia.
Al subir al escenario para declarar la 79ª edición del Festival junto a Gong Li, Jane Fonda apelaba a la urgencia de las voces políticas, también desde el cine: "Creo en el poder de las voces. Voces en la pantalla, voces fuera de ella y, definitivamente, voces en la calle; sobre todo ahora. El cine siempre ha sido un acto de resistencia porque contamos historias, y las historias son lo que conforma una civilización: historias que despiertan empatía por los marginados, que nos permiten sentir más allá de nuestras diferencias".
Unas horas antes, Park Chan-wook seguía a su compañera de Jurado, Demi Moore, con una defensa férrea -tan férrea como dejaba intuir el traductor del coreano del cineasta tras No hay otra opción- de lo indisociable de la ética y la estética a través de la escritura personal: "El arte y la política no son conceptos que entren en conflicto; siempre que haya una expresión artística, ambos tienen valor".
Un alegato de la primera persona como la solución última a todos los debates arte-política, que la protagonista de Algunos hombres buenos o La sustancia luego remataba opinando sobre la actualidad tecnológica, no sin dudar. "La inteligencia artificial ya está aquí, así que intentar combatirla es librar una batalla perdida. Por eso, creo que buscar formas de colaborar con ella es un camino mucho más útil".
Y continuaba: "No hay nada que temer, porque lo que la tecnología nunca podrá reemplazar es el origen del verdadero arte: este no nace de lo físico, sino del alma". Después Paul Laverty, sentado en la misma mesa pero mucho más a la izquierda -literal y figurada- recordaba la necesidad de parar los pies a los "tech bros, magnates multimillonarios y que, en su mayoría, son libertarios de derechas" que las controlan.
El tiroteo de declaraciones a bocajarro de la tarde cubría fantasmal la gala inaugural, como siempre en Cannes marcada por un guion repleto de pullitas a las redes sociales y a los "peros" de la prensa acreditada. Incluso la justificación de la Palma de Oro de Honor se vivió como una suerte de posicionamiento político.
Del homenajeado Peter Jackson se subrayaba, antes que nada, cómo hizo su primera película -Mal gusto, en 1987- con una camarita barata y secuestrando el horno de sus padres para fabricar máscaras de alienígena caseras. "Artesano" y "con mucho corazón" a pesar de la envergadura que tomaría su carrera posterior, Jackson parece el premiado perfecto para acallar cualquier sospecha de colaboracionismo con la IA o las big tech, a pesar de que ayer tarde pasearon por delante de la alfombra roja dos robots de la firma francesa ERM.
En cualquier caso, el encuentro entre Jackson y el Frodo de la saga del Anillo, Elijah Wood, fue de lo más divertido de la velada. El director apeló a los 27 años de amistad con Wood, durante los cuales el actor prácticamente no ha cambiado físicamente, aunque bromeaba: "Se ha dejado crecer un poco de bigotito. Si alguien hace una nueva versión de Lo que el viento se llevó, ese podría ser tu papel".
Jackson, quien reconocía la sorpresa cuando le comunicaron el premio honorífico ("Mi cine no ha sido nunca muy de Cannes"), aprovechó para recordar sus dos visitas al evento. La primera sirvió para vender Mal Gusto en el Marché du Film, donde consiguió venderla a quince países ("Entré siendo un cinéfilo y salí siendo un cineasta"), y durante la segunda, en 2001, fue para proyectar los veinte primeros minutos de La comunidad del anillo ante la crítica.
"Habíamos rodado El Señor de los Anillos durante tres años, y rodamos las tres películas al mismo tiempo. Y la prensa estaba un poco rara; fue una época extraña porque Warner estaba en proceso de venta. Sí, todo lo que va, vuelve. Así que todos los periodistas hablaban de 'esta gran locura'. '¿Qué pasa si la primera película fracasa? ¿Qué van a hacer con la segunda y la tercera si ya están terminadas?'", explicaba. "Todos los medios decían que esa apuesta iba a salir mal". "El resto", confesaba entre dientes, "es historia".

Nadie duda que Meryl Streep es astuta. La legendaria actriz de Hollywood ha asegurado una carrera impecable a lo largo de sus muchos años como actriz, y con ello su sola presencia es capaz de hacer resonar cualquier película en la que aparezca. Bien lo sabía de cara a 'El diablo viste de Prada 2', para la cual tuvo una condición especial si el estudio quería que regresase: negociar el salario con sus compañeras presentes.
Por mucho que en la película Miranda Prestley sea la reina absoluta de la moda, la actriz no iba a dejar que sus subordinadas se quedaran como tal en la vida real. En un artículo reciente, varias fuentes relacionadas con Streep han revelado que exigió que Anne Hathaway y Emily Blunt estuvieran con ella en la sala de reuniones cuando 20th Century negoció el precio de su vuelta. Así podría asegurar que recibirían el mismo trato que ella en las negociaciones.
Así es como logró cerrar un trato de 12,5 millones de dólares a modo de cheque para cada una de las tres actrices protagonistas. Un trato redondo para todas las partes implicadas, pero esto es sólo el salario inicial. La negociación incluyó un bonus en relación al éxito de la película en taquilla, con lo que cada una de ellas podría recibir fácilmente 20 millones de dólares, según la estimación de algunas de las fuentes.
Es un trato que parece que va a cumplirse. La secuela conquistó la taquilla de EEUU durante su semana de estreno, demostrando el hambre que había por parte de la audiencia de continuar la historia del mundo de la moda veinte años después de la original.
Con semejantes cheques garantizados, cualquiera de las tres actrices podría retirarse tras la película. No significa, ni de lejos, que vayan a hacerlo. Sin ir más lejos, Hathaway prepara para el futuro una tercera entrega de 'Princesa por sorpresa'. Eso sí, no será pronto: la secuela tiene luz verde, pero las cosas de palacio van siempre despacio. Podría ser su siguiente gran papel, pero a falta de una fecha de estreno en el horizonte, tendremos que exprimir su vuelta como Andrea Sachs.

Matt Shakman, el cineasta detrás de Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, podría no repetir en la secuela. Y la razón tiene nombre propio: El Planeta de los simios.
Cuando Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos llegó a los cines, el debate sobre si había funcionado o no se instaló rápido en el fandom. La película recaudó 521 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que sobre el papel suena bien, pero que pierde brillo cuando se pone junto a su presupuesto: 220 millones de dólares.
No es un fracaso, pero tampoco es la explosión que Marvel esperaba para su Primera Familia. Aun así, el estudio no ha tirado la toalla con la saga, y ya hay planes en marcha para seguir adelante. El problema es que esos planes podrían quedarse sin el arquitecto que construyó el primer capítulo.
Esta semana se confirmó que Matt Shakman será el director de la próxima entrega de El Planeta de los Simios para 20th Century Studios. Una oportunidad enorme, un proyecto de peso, y una señal que muchos han leído entre líneas.
Porque aunque los comunicados oficiales no decían nada concreto sobre su futuro con Marvel, Jeff Sneider, periodista con un historial fiable en este tipo de filtraciones, ha dejado caer que Shakman no estará detrás de la cámara en la secuela de Los Cuatro Fantásticos.
"Marvel Studios no ha confirmado ninguna secuela, ningún director y ningún calendario. Lo que sí se sabe es que el estudio confiaba en que Shakman volviera, y que hubo conversaciones en esa dirección. La teoría interna era que, tras la aparición de los Cuatro Fantásticos en Vengadores: Doomsday, el público generalista conectaría más con los personajes y la segunda película tendría más recorrido comercial".
Un plan que tiene su lógica, pero que ahora se complica si el director que dio vida a ese universo retro-futurista de los años 60 decide seguir su camino por otro lado
Mientras se resuelve el puzzle de la dirección, los cuatro héroes de Marvel tienen compromisos firmados. Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm volverán a la pantalla grande en Vengadores: Doomsday, que llegará a los cines en diciembre de 2026. Y si todo va según lo previsto, también estarán presentes en Vengadores: Secret Wars, cuyo estreno está fijado para diciembre de 2027.
Dos apariciones en eventos masivos del MCU que, en teoría, deberían preparar el terreno para que una hipotética secuela propia tenga más fuerza. El elenco, eso sí, no cambia: Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm.
Uno de los grandes aciertos de Primeros Pasos fue precisamente su casting. Pascal lleva dos años siendo el favorito de medio internet gracias a The Last of Us y The Mandalorian, y verlo como Mr. Fantástico resultó más natural de lo que muchos esperaban. Kirby aportó una Sue Storm con peso dramático real, Quinn trajo la energía caótica perfecta para la Antorcha Humana, y Moss-Bachrach convenció como La Cosa tras años demostrando su valía en The Bear. Ese cuarteto funciona. La pregunta es quién les dirigirá la próxima vez.
Shakman llegó al proyecto con un currículum que incluía episodios de WandaVision de Disney+, lo que le convertía en alguien que ya entendía el tono particular que Marvel quería para esta familia. La apuesta por una estética de los 60, el retrofuturismo como lenguaje visual, la amenaza cósmica de Galactus interpretado por Ralph Ineson, y la enigmática Surfista de Plata de Julia Garner fueron decisiones que dieron a Primeros Pasos una personalidad diferente dentro del MCU. Perder esa visión en la secuela no es un detalle menor.
Buscar un nuevo director para Los Cuatro Fantásticos 2 no es como fichar a alguien para una película de acción genérica. Quien tome el relevo tendrá que entender el tono retro, mantener la coherencia con lo establecido, y al mismo tiempo aportar algo fresco que justifique su presencia. Es un encargo complicado, y Marvel lo sabe.
De momento, ni nombres ni rumores sólidos. El estudio tiene tiempo, una secuela, si se confirma, difícilmente llegaría antes de 2028 o 2029, pero la incertidumbre en torno a la dirección creativa de la saga no ayuda a generar expectativas. Los fans que disfrutaron del primer filme tienen razones para estar algo inquietos, y los escépticos tienen nuevos argumentos para seguir siéndolo.

La Riviera Maya volvió a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la industria audiovisual iberoamericana con la realización de la 13° edición de los Premios Platino. La ceremonia se desarrolló en el Teatro Gran Tlachco, dentro del Parque Xcaret, en México. Allí se reunieron figuras destacadas del cine, la televisión y la música de habla hispana y portuguesa.
Carlos Torres y Cayetana Guillén Cuervo condujeron una gala marcada por los homenajes, la música en vivo y las premiaciones a las producciones más destacadas del último año.
El momento más importante de la noche llegó cuando Enrique Cerezo entregó el Premio de Honor a Guillermo Francella. El reconocimiento destacó su extensa trayectoria y su influencia dentro de la industria audiovisual latinoamericana.
Los presentes ovacionaron a Francella por una carrera que atravesó distintas generaciones y géneros. El actor logró destacarse tanto en la comedia popular como en producciones dramáticas de proyección internacional. Entre sus trabajos más reconocidos aparecen El secreto de sus ojos y la serie El encargado, uno de los mayores éxitos recientes de la televisión argentina.
La ceremonia también tuvo una fuerte presencia musical. María Becerra fue una de las artistas destacadas de la noche y compartió escenario con Camilo y el español Manuel Carrasco.
Con representantes de distintos países y estilos musicales, los Premios Platino volvieron a consolidarse como uno de los principales espacios de encuentro cultural entre España, Portugal y América Latina.

Aunque no tiene "pruebas", Javier Bardem está convencido de que ha perdido varios proyectos en Hollywood por apoyar a Palestina. Una postura que, además de en sucesivas declaraciones, el actor español puso de manifiesto de forma contundente en la última gala de los Oscar. Y lo hizo pese a ser consciente de que, como ha sucedido con otros colegas de profesión, su denuncia del "genocidio" perpetrado por Israel en Gaza, podría acarrearle consecuencias negativas para su carrera. "Eso te dice lo mal que está el sistema", denuncia.
"Siempre he sentido que tengo micrófonos y grabadoras registrando mi voz, y tengo derecho a denunciar lo que considero incorrecto", ha afirmado el actor en una entrevista en la que ha reflexionado sobre las posibles repercusiones en Hollywood por alzar la voz en apoyo a Palestina.
En este punto se ha referido específicamente al caso de Susan Sarandon, que fue despedida por su agente tras criticar la ofensiva israelí en Gaza. "Eso te dice lo mal que está el sistema. Ella fue una de las primeras en hacerlo. Y luego recibió ese castigo profesional", ha afirmado en relación al caso de la también oscarizada actriz de Thelma y Louise.
Bardem también dice haber sido objeto de ese veto profesional por mostrar su apoyo a Gaza. "Sí. He escuchado cosas: 'Te iban a llamar para ese proyecto, pero ya no'. 'Esta marca te iba a pedir una campaña, pero ya no pueden'", ha revelado. "Está bien. Vivo en España. Los estudios estadounidenses no son lo único que hay", añade el actor.
"Algunas personas pueden ponerte en una lista negra. No puedo decirte si eso es verdad o no. No tengo pruebas. Lo que sí sé con certeza es que hay gente nueva que te llama porque quiere contar contigo en sus proyectos", ha afirmado Bardem que cree que esto es una señala de que "la narrativa que han estado usando durante tanto tiempo está cambiando".
Después de todo, dice, esperaba ser abucheado en los Premios Oscar 2026 pero, destaca, en lugar de eso "la reacción en el teatro fue una ovación". En la gala, el actor de No es país para viejos volvió a reafirmar su postura sobre el conflicto en Oriente Medio cuando subió al escenario con la actriz Priyanka Chopra para entregar el galardón a mejor película internacional a Valor sentimental. Lo hizo luciendo una chapa con el lema "no a la guerra" y otra con el dibujo de Handala, un niño que simboliza la lucha del pueblo palestino contra la ocupación israelí.
A pesar de poder haber perdido algunos papeles debido a su carácter activista, Bardem sigue ligado a proyectos muy potentes en Hollywood y volverá a interpretar a Stilgar, el líder de la tribu fremen de la saga Dune. Un papel que retomará en la tercera entrega, Dune: Messiah, que, de nuevo dirigida por Denis Villeneuve, llegará a los cines en diciembre.