Jonah Hill asistió a la promoción de Outcome, la nueva película que marca su regreso al cine como protagonista.
Vestido con jeans holgados y un suéter oscuro, el actor y director de 42 años optó por un estilo más relajado que el de algunos de sus compañeros de elenco, aunque igualmente cuidado para la ocasión.
Su presencia no pasó desapercibida, pues el famoso lució una figura notablemente más delgada.
Outcome es una comedia negra de alto perfil que cuenta con un elenco destacado encabezado por Keanu Reeves, Cameron Diaz y Matt Bomer.
Hill no solo actúa y dirige el proyecto, sino que también coescribió el guion y participa como productor, consolidando su rol creativo integral detrás y delante de cámara.
La trama gira en torno a Reef, un actor de Hollywood interpretado por Reeves, cuya carrera se ve amenazada tras la aparición de un misterioso video que podría "cancelarlo" públicamente.
Jonah Hill interpreta al abogado del personaje principal, en una historia que aborda temas como la redención, la imagen pública y el impacto de los escándalos mediáticos en la industria del entretenimiento.
El regreso de Hill a un evento promocional resulta significativo, especialmente considerando su relación ambivalente con la exposición pública.
A lo largo de su carrera, el actor ha hablado abiertamente sobre sus problemas de imagen corporal, una lucha que se remonta a su adolescencia.
Según declaraciones pasadas, Jonah Hill llegó a pesar alrededor de 127 kilos en el momento más alto de su peso. Desde que inició un proceso de cambio físico en 2011, su apariencia ha fluctuado con el paso de los años.
En 2018, el actor escribió un texto para su revista Inner Child en el que relató haber sido etiquetado durante gran parte de su juventud como "grosero" y "poco atractivo", experiencias que, según explicó, dejaron una huella profunda en su autoestima.
"Todos tienen una instantánea de sí mismos de una época en la que eran jóvenes de la que se avergüenzan. Para mí, es ese chico de 14 años con sobrepeso y poco atractivo que se sentía feo ante el mundo, que escuchaba hip-hop y que quería desesperadamente ser aceptado por esta comunidad de patinadores", dijo.
En una entrevista en 2011, tras perder cerca de 18 kilos, el famoso reflexionó sobre cómo su peso estaba ligado a su identidad como actor cómico.
Allí sostuvo que el proceso de volverse más saludable fue también una señal de madurez personal, y expresó su deseo de cambiar la forma en que se trataba a sí mismo, tanto física como emocionalmente.
"Me encanta hacer películas divertidas, pero quiero madurar, literalmente, en cómo me trato a mí mismo. No vivo en una fraternidad con una pipa pegada a la mesa. Solo quiero ser un buen hombre y enorgullecer a mi familia. Y, ¿sabes?, quiero vivir muchos años", dijo.
Estas reflexiones reaparecieron con fuerza en Stutz, el documental que Hill dirigió para Netflix en 2022 junto a su terapeuta, Phil Stutz. En esa producción, el actor abordó sin filtros el impacto que tuvo crecer con sobrepeso, la presión mediática y cómo la fama intensificó sus inseguridades.
Jonah Hill reconoció que, pese al éxito profesional, continuó sintiéndose como "un adolescente no deseado", una percepción que, según dijo, aún intenta trabajar.
Tras el estreno de Stutz, Hill emitió un comunicado en el que anunció que no promovería activamente esa película ni futuros proyectos, debido a los ataques de ansiedad que le provocan las apariciones públicas.
En ese mensaje explicó que priorizaría su bienestar mental, incluso si eso implicaba alejarse de la promoción tradicional de sus trabajos.

La cineasta estadounidense Nancy Meyers prepara su regreso a la gran pantalla tras más de una década de ausencia con una nueva comedia romántica que tendrá como gran protagonista a la actriz española Penélope Cruz.
Cruz encabezará un reparto coral de primer nivel en el que también figuran Kieran Culkin, reciente ganador del Oscar por A Real Pain; Jude Law, habitual del género; Emma Mackey, conocida por Sex Education y Barbie; y Owen Wilson, veterano de la comedia romántica estadounidense.
La película, que aún no tiene título oficial y cuya sinopsis se mantiene bajo absoluto secreto, fue finalmente adquirida por Warner Bros. Pictures tras un proceso de negociación en el que también participaron otras grandes plataformas, entre ellas Netflix. El estudio ya ha fijado su estreno para el 25 de diciembre de 2027, una fecha estratégica tradicionalmente reservada para grandes apuestas comerciales y títulos con vocación de largo recorrido en taquilla.
Este proyecto supone el retorno de Nancy Meyers al cine once años después de su último largometraje.
Para Penélope Cruz, este nuevo proyecto se suma a una agenda especialmente activa en el cine internacional. La actriz acaba de participar en The Invite, la comedia dirigida por Olivia Wilde que se estrenó recientemente en el Festival de Cine de Sundance, y tiene pendiente el lanzamiento de The Bride!, uno de los títulos más esperados del catálogo de Warner Bros., dirigido por Maggie Gyllenhaal.
Con esta producción, Warner apuesta por revitalizar la comedia romántica clásica de la mano de una cineasta emblemática del género y un reparto que combina prestigio, popularidad y atractivo comercial, en lo que ya se perfila como uno de los estrenos destacados de la temporada navideña de 2027.

El fuego lo encendió Elon Musk al apuntar directamente a Christopher Nolan y poner en duda su "integridad" por un debate de casting alrededor de La Odisea. Sí, la epopeya griega más famosa vuelve al centro de la polémica y no precisamente por su tráiler.
Todo empezó con un mensaje que cuestionaba una posibilidad todavía no confirmada: que Lupita Nyong'o interprete a Helena de Troya en La Odisea. El argumento era viejo, polémico y muy de redes: cómo describió Homero a Helena y qué implica eso hoy. Musk se subió al hilo y soltó la bomba: "Chris Nolan ha perdido su integridad".
El comentario de Musk no cayó en el vacío. Al contrario, se convirtió en gasolina para una conversación que mezcla mitología, cine de autor y el ruido constante de X. Lo curioso es que el propio proyecto de La Odisea lleva meses generando expectación por motivos mucho más cinematográficos que un tuit incendiario.
Ya se había informado en noviembre de 2024 de la colaboración entre Nolan y Nyong'o, aunque en aquel momento nadie sabía que la película en cuestión sería La Odisea. No fue hasta diciembre cuando se confirmó la adaptación del poema épico de Homero, y desde entonces cada detalle se mira con lupa. Normal: Nolan no adapta cualquier cosa.
Aquí es importante subrayar que el papel de Lupita Nyong'o en La Odisea no ha sido confirmado oficialmente. Ni Helena de Troya ni ningún otro personaje. Estamos hablando de especulación, de ese deporte olímpico que Internet practica mejor que nadie. 
Más allá del ruido, el reparto de La Odisea impresiona solo con leerlo. Matt Damon lidera la historia, acompañado por Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie y Elliot Page. Es de esos elencos que parecen una alineación imposible. hasta que Nolan entra en escena.
Y por si faltaba un ingrediente inesperado, el último fichaje es Travis Scott. Su aparición se reveló en un spot emitido durante la final de la AFC de la NFL, con una escena muy teatral: subido a una mesa, reclamando atención frente a un grupo de soldados. Entre ellos, los personajes de Holland y Bernthal. Minimalista, intensa y muy Nolan.
La Odisea no es solo un título famoso. Es la historia de Odiseo (Ulises), rey de Ítaca, intentando regresar a casa tras la guerra de Troya. Un viaje que debería durar semanas se convierte en una odisea literal de diez años, llena de monstruos, dioses caprichosos y decisiones que cuestan caro.
En su camino aparecen cíclopes, sirenas, hechiceras como Circe y la constante ira de Poseidón, que no le perdona a Odiseo su arrogancia. Mientras tanto, en Ítaca, su esposa Penélope resiste la presión de decenas de pretendientes y su hijo Telémaco empieza a buscar su propio lugar en el mundo. Aventuras, tentaciones y nostalgia pura.
Lo fascinante de La Odisea es que, pese a tener casi 3.000 años, sigue funcionando como un relato muy humano. Habla del hogar, del cansancio, de la culpa y del deseo de volver a ser quien eras antes de que todo se torciera. Si alguien puede exprimir eso en imágenes gigantes y silencios incómodos, es Nolan.

Willem Dafoe llega a la Argentina para presentar su nueva película The Souffleur, dirigida por el argentino Gastón Solnicki. El filme que traerá nuevamente a la estrella de cine a Buenos Aires, donde ya hizo funciones de teatro y participó de festivales de cine, se presentará en la sala del MALBA en una función especial el 31 de enero. La película estrenará en el mismo museo durante el mes de febrero.
"Después de trabajar treinta años gestionando un icónico hotel en Viena, Lucius descubre que el edificio ha sido vendido a un desarrollador inmobiliario argentino que pretende demolerlo y rediseñarlo. Con la ayuda de su hija y un puñado de empleados leales, iniciará una cruzada para aferrarse a la vida que ha construido. Lo que sigue es una historia de desvíos, espionaje y lucha paranoica por preservar un mundo que se desvanece, y el único hogar que ha conocido en su vida", reza la sinopsis de The Souffleur.
Además de Willem Dafoe The Souffleur se completa con la actuaciones de Lilly Lindner, Stéphanie Argerich, Gastón Solnicki, Claus Philipp y Camille Clair como Nicolaia Yanco. La crítica especializada la valoró positivamente.
Esta no es la primera vez que Willem Dafoe viene de visita a Buenos Aires: en 2014 presentó el espectáculo teatral The Old Woman, junto a Mikhail Baryshnikov en el Teatro Ópera Orbis, en la Avenida Corrientes.

Después de más de una década desde Shrek para siempre (2010), el mundo de Muy Muy Lejano volverá a abrir sus puertas con Shrek 5, la quinta película de la franquicia animada que cambió para siempre el cine infantil y familiar. Aunque DreamWorks Animation ha mantenido bajo llave gran parte de la historia, lo poco que se sabe sugiere que esta nueva aventura explorará la vida de Shrek y Fiona como padres, enfrentados a desafíos que combinan el humor irreverente clásico con nuevas dinámicas familiares. En la película se presentarán elementos novedosos, como la introducción de su hija Felicia, que amplía el universo de la saga clásica.
El regreso del ogro más querido del cine tendrá que esperar un poco más de lo que muchos fanáticos pensaban. Originalmente anunciada para julio de 2026 y luego para diciembre de ese mismo año, Universal Pictures y DreamWorks Animation confirmaron que Shrek 5 ahora llegará a los cines en junio de 2027. Esta nueva fecha se eligió para evitar la competencia en la temporada de fin de año con otras grandes producciones animadas y de superhéroes.
La película tendrá un estreno exclusivo en salas de cine, por la tradición de las entregas anteriores, antes de eventualmente pasar a plataformas de streaming.
Uno de los grandes atractivos de Shrek 5 es el regreso de gran parte del elenco original en su versión en español. Alfonso Obregón en la voz de Shrek, Eugenio Derbez como el inseparable Burro y Dulce Guerrero en el papel de Fiona, quienes aún deben confirmar que sí participarán en la producción. En la versión en inglés participarán Mike Myers, Eddy Murphy y Cameron Diaz, a quienes se suma Zendaya, quien dará voz a la hija mayor de Shrek y Fiona, Felicia, marcando una nueva generación dentro de la familia ogro. Por ahora se desconoce quién doblará al español al personaje de Felicia.
Uno de los aspectos más esperados es saber cómo la historia explorará la vida familiar de Shrek y sus amigos más allá del "felices para siempre". Aunque los detalles de la trama final todavía no se han revelado oficialmente, los avances y filtraciones sugieren una mezcla de comedia, reflexiones sobre la paternidad y quizá alguna vuelta de tuerca creativa que mantenga el espíritu irreverente que hizo famosa a la franquicia.

Jon Bernthal es uno de los actores más reconocibles y respetados de la televisión y el cine contemporáneo. Nacido el 20 de septiembre de 1976 en Washington D. C., construyó una carrera marcada por personajes intensos, temperamentales y profundamente humanos. Su salto a la popularidad llegó con The Walking Dead, donde interpretó a Shane Walsh. Luego participó en películas como El lobo de Wall Street, Baby Driver y King Richard, hasta obtener papeles más protagónicos como el de Frank Castle en The Punisher. 
En los últimos años, Bernthal ha vuelto a ser especialmente relevante por su participación en las series El Oso, y Él y Ella. Su capacidad para transmitir violencia contenida, vulnerabilidad emocional y una energía física muy particular lo han convertido en una figura muy buscada por directores y productoras. Cada nuevo proyecto en el que participa genera cierta expectativa, incluso cuando no encabeza el elenco.
Más allá de su trabajo actoral, hay un dato que suele despertar curiosidad entre los fans: su estatura. Jon Bernthal mide aproximadamente 1.80 metros, una altura que lo ubica en el promedio-alto dentro de Hollywood, que muchas veces sorprende al público. Esto se debe a que en pantalla suele parecer imponente, en parte por su contextura física, su postura y la intensidad con la que ocupa el espacio en cada escena.
Esa percepción se refuerza en roles donde interpreta a personajes rudos, relacionados a fuerza física o figuras de autoridad, lo que lleva a muchos espectadores a verlo alto. En alfombras rojas y entrevistas, su presencia es dominante y uno de los factores que aporta a eso, es su estatura.
La obsesión por conocer la altura de los famosos es un fenómeno recurrente en internet. En el caso de Jon Bernthal, su estatura se convierte en tema de interés porque contrasta con la energía que transmite en pantalla, lo cual confirma que al momento del casting, muy probablemente Jon Bernthal puede sacar provecho de su altura.

Lo mejor del Séptimo Arte estrenado a lo largo de 2025 será condecorado en la ceremonia de los Premios Oscar 2026, que se celebrará el próximo 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, hogar permanente de la ceremonia. 
Esta será la 98.ª edición de los Premios Oscar, ceremonia con la que concluirá la temporada de premiaciones en Hollywood.
Hasta el momento, se sabe que los Oscar 2026 iniciarán a las 19.00 hs (ET) y serán transmitidos en vivo por la cadena ABC, mientras que la ceremonia será conducida por el comediante Conan O'Brien por segundo año consecutivo.
Por primera vez en la historia de la premiación, se entregará una estatuilla para la categoría Best Achievement in Casting (Mejor Dirección de Casting). Los miembros de la Academia votaron para definir a los nominados de este año del 12 al 16 de enero.
La membresía de la Academia está limitada a artistas cinematográficos que trabajan en la producción de películas estrenadas en salas de cine, de acuerdo con los Oscar.
Desde actores hasta guionistas conforman el grupo que decide a quiénes se reconoce cada año como lo mejor del Séptimo Arte. En 2026, existen más de 10.000 integrantes, algunos de ellos conocidos internacionalmente.
Los actores famosos que forman parte de la Academia son Tom Hanks, Meryl Streep, Leonardo DiCaprio, Penélope Cruz, Salma Hayek, entre otros.
Mientras que algunos de los directores de cine que votarán en las diferentes categorías de 2026 son Steven Spielberg, Martin Scorsese, Guillermo del Toro, Greta Gerwig, Jordan Peele, Alfonso Cuarón, entre otroS

Esta es la nómina completa de todas las producciones que aspiran a quedarse con los galardones:

• Mejor película

Pecadores
Hamnet
Una batalla tras otra
Frankenstein
Valor sentimental
El agente secreto
Sueños de trenes
Bugonia
FI

• Mejor director

Paul Thomas Anderson, Una batalla tras otra
Ryan Coogler, Pecadores
Chloé Zhao, Hamnet
Joachim Trier, Valor sentimental
Josh Safdie, Marty Supremo

• Mejor actor

Timothée Chalamet, Marty Supremo
Leonardo DiCaprio, Una batalla tras otra
Wagner Moura, El agente secreto
Michael B. Jordan, Pecadores
Ethan Hawke, Blue Moon

• Mejor actriz

Jessie Buckley, Hamnet
Rose Byrne, If I Had Legs I'd Kick You
Renate Reinsve, Valor sentimental
Emma Stone, Bugonia
Kate Hudson, Song Sung Blue

• Mejor actor de reparto

Stellan Skarsgard, Valor sentimental
Sean Penn, Una batalla tras otra
Benicio Del Toro, Una batalla tras otra
Jacob Elordi, Frankenstein
Delroy Lindo, Pecadores

• Mejor actriz de reparto

Teyana Taylor, Una batalla tras otra
Amy Madigan, La hora de la desaparición
Inga Ibsdotter Lilleaas, Valor sentimental
Elle Fanning, Valor sentimental
Wunmi Mosaku, Pecadores

• Mejor guion original

Pecadores
Valor sentimental
Marty Supremo
Fue solo un accidente
Blue Moon

• Mejor guion adaptado

Una batalla tras otra
Hamnet
Bugonia
Sueños de trenes
Frankenstein

• Mejor película animada

Las guerreras k-pop
Zootopia 2
Arco
Elio
Amélie y los secretos de la lluvia

• Mejor diseño de producción

Frankenstein
Pecadores
Hamnet
Marty Supremo
Una batalla tras otra

• Mejor diseño de vestuario

Avatar: Fuego y cenizas
Frankenstein
Pecadores
Hamnet
Marty Supremo

• Mejor fotografía

Frankenstein
Marty Supremo
Una batalla tras otra
Sueños de trenes
Pecadores

• Mejor edición

Una batalla tras otra
Pecadores
Marty Supremo
F1
Valor sentimental

• Mejor maquillaje y peluquería

Frankenstein
Kokuho
Pecadores
The Smashing Machine
La hermanastra fea

• Mejor sonido

F1
Frankenstein
Una batalla tras otra
Pecadores
Sirat. Trance en el desierto

• Mejores efectos visuales

Avatar: Fuego y cenizas
F1
Jurassic World: Renace
The Lost Bus
Pecadores

• Mejor banda sonora original

Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Una batalla tras otra
Pecadores

• Mejor canción original

"Dear Me" (Diane Warren: Relentless)
"Golden" (Las guerreras k-pop)
"I Lied To You" (Pecadores)
"Sweet Dreams Of Joy" (Viva Verdi!)
"Train Dreams" (Sueños de trenes)

• Mejor largometraje documental

Abrázame en la luz
The Alabama Solution
Cutting through Rocks
Mr. Nobody against Putin
The Perfect Neighbor

• Mejor película internacional

El agente secreto, Brasil
Fue solo un accidente, Francia
Valor sentimental, Noruega
Sirat. Trance en el desierto, España
La voz de Hind Rajab, Túnez

• Mejor cortometraje animado

Butterfly
Forevergreen
The Girl Who Cried Pearls
Retirement Plan
The Three Sisters

• Mejor cortometraje documental

All the Empty Rooms
Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
Children No More: "Were and Are Gone"
The Devil Is Busy
Perfectly a Strangeness

• Mejor cortometraje

Butcher's Stain
A Friend of Dorothy
Jane Austen's Period Drama
The Singers
Two People Exchanging Saliva

• Mejor casting

Hamnet
Marty Supremo
Una batalla tras otra
El agente secreto
Pecadores

El Gobierno de Javier Milei aprobó una nueva reglamentación en relación al régimen de calificación de películas cinematográficas y en ese contexto redefinió el rol del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) durante ese proceso. La nueva medida entrará en vigencia dentro de 60 días. 
Con esta nueva norma se derogó el Decreto 828/84 que regía desde hace cuatro décadas, por considerar que sus categorías y criterios estaban desactualizados frente a los nuevos cambios de la industria audiovisual. A partir de esta modificación se definió que el INCAA va a tener la competencia exclusiva en materia de calificación de películas, en el ámbito de la Secretaría de Cultura
El sistema de calificación de películas tiene como objetivo brindar información clara al público sobre el tipo de película, si puede ser vista por menores de edad, si contiene lenguaje violento o imágenes sensibles y más. A partir de la nueva reglamentación se eliminará la intervención obligatoria de la Comisión Asesora de Exhibiciones Cinematográficas, por una supuesta falta de actualización de criterios que demoraban el correcto funcionamiento del sector.
Otro de los grandes cambios es la posibilidad del organismo de homologar las calificaciones emitidas por organismos públicos o privados del exterior, sobre todo en el caso de filmes extranjeros. A partir de ahora, el INCAA reconocerá las calificaciones emitidas por organismos del país de origen de la producción y solo intervendrá en caso de que haya que adecuarlas cuando existan razones de orden público,
El decreto que lleva las firmas del Presidente Javier Milei y del Jefe de Gabinete Manuel Adorni, contiene un Anexo en el que se redefine el sistema de calificación de películas asegurando que se realizará bajo el criterio de no censura.

¿A dónde vamos? Al cine. ¿Qué vamos a ver? La de Tom Cruise. O la de Brad Pitt. O la de Francella. A lo mejor vamos a ver la de Tarantino o la de Spielberg. Nombres, personas que funcionan como un sello de calidad, como una marca registrada. Como la aspirina, sabemos de qué se trata cuando esos nombres aparecen en el póster o en el tráiler, y allá vamos. A la hora de invertir lo que vale una entrada de cine, solemos apostar por lo seguro y esos nombres brillantes le proveen cierta posibilidad al retorno de tal inversión.
Sí, es una lástima, pero la curiosidad ha sido cada vez más desplazada por la necesidad de alguna ganancia. Al menos salir empatados con algo que vemos en la pantalla, ahora que las plataformas incentivan nuestra fiaca para dejar el living. Pero el star system, absolutamente imprescindible para que exista una verdadera industria, tambalea. En nuestro país, las dos películas locales más vistas fueron Homo Argentum y Mazel Tov. La primera, con casi dos millones de espectadores; la segunda, con 400.000. Guillermo Francella y Adrián Suar, respectivamente, encabezaban los elencos. Tampoco son fantasías multimillonarias que apelan a la sensación, sino que su fuerte está en las historias y los personajes. Pero una es "la de Francella" y la otra, "la de Suar". Estrellas, nombres propios, personas a las que el espectador ve tan distantes -porque forman parte del cine- como próximas, porque estos actores tienen la llave para que se identifiquen con ellos.
No estamos ya en la época clásica de Hollywood, cuando el cine convertía en estrella a una figura; hoy es al revés, y el cine requiere de estrellas ya no para hacer dinero, sino para sostenerse, aquíen nuestro pais,tenemos un gran problema. ¿Darín o Francella? Quizás entre los directores se podrían sumar Campanella y la dupla Cohn-Duprat. Dicho en criollo, hay muy pocas estrellas. No es que todo el cine las necesite, pero para que funcionen las películas más personales y arriesgadas, se necesita también que el gran público vaya a las salas. Es notable, de paso, que haya pocas estrellas femeninas. Algo sucedió en todos estos años que disolvió el poder de los grandes nombres. Hubo un tiempo en el que Pablo Echarri o Leonardo Sbaraglia (recordemos Plata quemada, el mejor film de Marcelo Piñeyro) llevaban público por estar en la película. Hoy, no. ¿La sobrepolitización, quizás? Puede ser: nunca pasaron por una crisis más severa las estrellas de Hollywood como durante el macartismo, e incluso hoy, con los discursos anti-Trump.
la Argentina basó durante muchos años el star system en la televisión, pero ya no funciona. ¿Dónde están las estrellas de mañana, que puedan atraer al público? ¿Dónde hay que mirar, buscar ese carisma, ese aura -término vuelto a poner de moda- que nos lleva a comprar una entrada? Sin ese desarrollo, es bastante difícil para un cine no basado en franquicias o fantasías desarrollarse.

El próximo 15 de marzo la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entregará 25 galardones, 24 premios en competición y uno honorífico, en la 98ª edición de los Premios Oscar. Con tanta estatuilla, discurso, monólogos y sketches, la cosa se suele alargar más de la cuenta y este año la organización ha decidido que solo dos de las canciones nominadas tendrán espacio durante la celebración.
Solo el tema 'Golden' de 'Las guerreras k-pop' y 'I Lied to You' de 'Los pecadores' contarán con actuaciones en vivo, por lo que no escucharemos ni Dear Me' de 'Diane Warren: Relentless' ni 'Train Dreams' de 'Sueños de trenes' ni 'Sweet Dreams of Joy' de 'Viva Verdi!'.
Durante la gala, todos los temas se podrán escuchar en vídeos promocionales de cada una de las películas, porque si se interpretasen las cinco canciones nominadas eso supondría aumentar el tiempo de la ceremonia en unos 25 minutos y pretenden que toda la retransmisión no supere las 3 horas y media.

Melania, el documental de Melania Trump en el que han gastado 75 millones de dólares, no está vendiendo entradas. El filme, dirigido por Brett Ratner, sigue, desde el punto de vista de la Primera dama, los 20 días previos a la investidura presidencial en 2025 de Donald Trump. Se estreno en cines el 30 de enero.
Melania solo ha vendido una entrada en un cine de Reino Unido. Así lo recoge The Guardian, que señala que, en el país, su venta ha sido "escasa". Según señala Tim Richards, director ejecutivo de Vue, uno de los mayores operadores de cine del país, solo se ha vendido una entrada para la primera proyección de las 15:10 horas del viernes en su sede principal de Islington, Londres. Dos más están reservadas para la la sesión de las 18:00 horas.  Reino Unido, el medio antes citado indica que un analista de la industria sospecha que la estrategia que han llevado a cabo con Melania y la razón por la que los cines la proyectan es que los distribuidores han pagado una tarifa fija a cada cine por aceptar reproducir determinados títulos. Esto explicaría que algunos exhibidos hayan aceptado añadir a su cartelera un filme con perspectivas financieras tan modestas en el momento en el que arranca la temporada de premios. "Me sorprendería mucho que se informara sobre la taquilla de este título", señala el experto.
Melania tuvo su premiere en la Casa Blanca el pasado sábado y al evento acudieron personalidades como Georgina Rodríguez, la esposa de Cristiano Ronaldo. El estreno oficial de la película tendrá lugar en el Kennedy Center de Washington, rebautizado por Trump como Trump-Kennedy Center, este jueves antes de que se estrene en 27 países.Argentina es uno de ellos.

La trayectoria de Ryan Reynolds en Hollywood es uno de esos relatos de caída y resurrección que la industria adora contar. Tras el tropiezo que supuso Linterna Verde, una película que estuvo cerca de descarrilar su carrera como protagonista, el actor canadiense encontró en 'Deadpool' el papel que redefinió su imagen pública y lo convirtió no solo en una estrella de primer nivel, sino también en un astuto empresario multimillonario.
Ese regreso triunfal alcanzó un nuevo pico en 2024 con el estreno de 'Deadpool y Lobezno', uno de los mayores éxitos comerciales del año. El futuro inmediato de Reynolds dentro del Universo Cinematográfico Marvel parece asegurado, con su regreso como Wade Wilson previsto para 'Vengadores: Doomsday', que llegará a los cines en diciembre. La agenda de Reynolds está cargada. El actor participa como productor ejecutivo y actor de voz en 'Animal Friends', una producción de Warner y Legendary con estreno previsto para finales de mayo, y se encuentra inmerso en el rodaje de 'Eloise', un nuevo proyecto para Netflix. Todo ello sin perder de vista la que sigue siendo su marca personal más poderosa dentro del cine comercial.
De hecho, las mismas fuentes señalan que Reynolds está centrando buena parte de sus energías en el próximo movimiento de 'Deadpool', consciente de que es el personaje con el que el público mejor conecta. Ya en mayo del año pasado trascendió que el actor se encontraba en una fase temprana de escritura de una nueva película del Mercenario Bocazas, en la que compartiría protagonismo con "tres o cuatro" personajes de los X-Men, aunque no como figura central de la historia.
La idea que se manejaba entonces era integrar a Wade Wilson como secundario de lujo en un proyecto independiente del reboot mutante que prepara Marvel Studios bajo la dirección de Jake Schreier. En ese momento, el desarrollo se estaba llevando a cabo al margen del estudio y sin luz verde oficial, aunque el éxito de 'Deadpool y Lobezno' hacía pensar que una nueva entrega era solo cuestión de tiempo.
A esto se suman los rumores surgidos en redes sobre un posible proyecto centrado en X-Force, un equipo con el que 'Deadpool' tiene una relación bien conocida en los cómics y que Reynolds ya quiso llevar al cine cuando los derechos de los X-Men aún pertenecían a Fox. Sea cual sea la forma final, todo apunta a que, tras su regreso en 'Vengadores: Doomsday', el siguiente gran paso del actor volverá a pasar por el universo de 'Deadpool', su refugio creativo más seguro en un momento especialmente delicado.

Nunca fue un director que considerase medias tintas, y sus producciones tienden a extremos.
James Cameron no suele entender de medias tintas y de no recurrir a medidas extremas para cualquier aspecto de su vida creativa (y quien sabe si personal). Es imposible tener cierta contención y luego acabar haciendo las películas que hace, tan descomunales en su escala como arrolladoras en su éxito, De Terminator a Avatar pasando, como no, por Titanic, todo debe realizarse como si fuese a cambiar el mundo para siempre. Al menos, son películas tan inmensas que dejan la impresión de que está haciendo algo nunca visto. Hacer la misma Titanic no fue una experiencia realmente fácil o cómoda. Desde construir una réplica del barco 10% más pequeña para luego destruirla, hasta tener al reparto en tanques de agua a temperaturas bajo cero, todo se realizó con una intensidad que luego se termina reflejando en un espectáculo grandioso y límite, Pero era tal la inversión que podría haber sido realmente catastrófico de no salir. Durante largo tiempo, antes de cimentarse el éxito, se hacía la broma de que Titanic iba a ser su La puerta del cielo, un fracaso histórico dentro de Hollywood. El director claramente quería demostrar que se equivocaba, pero no iba a estar seguro hasta que terminase de montar la película.
Durante tiempo circulo el rumor de que al lado en la sala de montaje Cameron tenía siempre a la vista una cuchilla de afeitar. Esta iba acompañada de una nota que decía "Usar sólo si la película apesta". Si se refería a cortar el propio celuloide de la cinta o autolesionarse es algo que queda en la imaginación del espectador, pero James confirmó la leyenda en una ronda rápida de preguntas de verdadero o falso para el New York Times. Nadie tenía la certeza de esto hasta ahora, aunque tampoco es que hubiese mucho espacio a la duda.

Corrían los años 90 y el actor comenzaba a despuntar en Hollywood con algunos de sus trabajos. Ídolo juvenil y uno de los intérpretes más atractivos del momento, Pitt tuvo claro que era su gran oportunidad para demostrar que tenía más potencial. La trayectoria interpretativa de Brad Pitt no puede ponerse en cuestión y, aunque tiene algunas películas que no han tenido muy buena taquilla -ahí está, por ejemplo Babylon de Damien Chazelle, aunque es una joya-, a lo largo de su carrera el famoso actor tiene una larga lista de películas y papeles para el recuerdo. Solo uno de ellos le ha brindado el Oscar, el que intérpretó a las órdenes de Quentin Tarantino en Érase una vez en... Hollywood, pero es ampliamente recordado por muchos de sus personajes. Desde el atractivo ladrón que conquistó al personaje de Geena Davis en Thelma & Louise hasta Rusty Ryan de la saga Ocean's, pasando, cómo no, por El Curioso caso de Benjamin Buttom, ¿Quién ama a Joe Black?, El Sr. y la Sra. Smith, Entrevista con el vampiro, Doce años de esclavitud, El club de la lucha y un largo etcétera pero más importante sería 1995, en el que, tras sus papeles del vampiro Louis y Tristan, Brad Pitt consiguió reencauzar su carrera hacia dónde realmente quería llevarla. Huyendo, como él mismo reconocería abiertamente, del encasillamiento como un personaje principal de películas románticas. Seven fue su gran oportunidad.Dirigida por David Fincher, quien al mismo tiempo logró con ella quitarse el mal sabor de boca de su largometraje debut con Alien 3, Seven es considerada a día de hoy como una película de culto que ha influído en un sinfín de 'thrillers' criminales a lo largo de la historia del cine y que, hoy por hoy, sigue teniendo el honor de que su final sea considerado como uno de los mejores y más impactantes desenlaces jamás vistos en pantalla grande.
Sin embargo, Brad Pitt pudo no haberla protagonizado. De hecho, solo lo hizo porque otro actor decidió rechazar el papel: Denzel Washington. Se dice que Sylvester Stallone tampoco estuvo interesado en el joven detective, pero el primer elegido por Fincher para meterse en la piel de Mills fue Washington, quien no estuvo para nada interesado. El intérprete, quien por entonces ya había ganado su primer Oscar por Tiempos de gloria (1989), consideró que Se7en era "oscura y malvada", aunque posteriormente se arrepentiría, Brad Pitt, por su parte, venía de rechazar algunos papeles huyendo del encasillamiento y quedó encandilado por la película de Fincher, quien, por su parte, al principio no había considerado a Pitt para el papel. "Cuando lo conocí, pensé 'Este tipo es tan simpático que puede salirse con la suya con un asesinato, puede hacer cualquier cosa y la gente lo perdonaría por ello", comentó Fincher sobre el que luego se convertiría en su colaborador habitual.

La película protagonizada por Ana Mena y Óscar Casas ya se puede ver en las salas de cine. Una cita ineludible para los fans del motociclismo, ya que lleva el rugir de los circuitos de MotoGP a la gran pantalla. 
Hay películas que te dejan con ganas de más cuando llegan a su final, ya que necesitas descubrir cuáles serán los siguientes pasos de los protagonistas. Esto fue lo que me ocurrió al ver Ídolos, la película protagonizada por Ana Mena y Óscar Casas que ya puedes disfrutar en los cines. Y es que el filme dirigido por Mat Whitecross tiene todos los ingredientes para engancharte frente a la pantalla: romance, drama y la adrenalina de MotoGP.Ídolos lleva el rugir de las motos en los circuitos a la gran pantalla por lo que, como dice su director en declaraciones a SensaCine, "es una película que se tiene que ver y escuchar en el cine". Y es que les aseguro que, cuando veas al protagonista competir en Montmeló o Misano -se rodaron las escenas a escasos minutos de competir los pilotos oficiales- vas a sentir esa misma sensación de ver una carrera en cualquier pista de motociclismo.
Por ello, como en todo proyecto en el que se forma un buen equipo y el ambiente acompaña, el director no descarta una segunda parte. "Cuando terminamos el proyecto, aunque estábamos agotados por un rodaje difícil, queríamos continuar. Hay más cuentos para contar y Jordi [el guionista] tiene una idea muy fuerte de lo que pasa después", explica Whitecross."Sería un sueño continuar; de momento tengo los dedos cruzados y dependerá de si el proyecto tiene éxito. La historia realmente empieza justo cuando termina la película. Yo también tengo ganas de saber qué pasa después con Edu", añade director, quien admite que hay Ídolos va más allá del espectáculo de MotoGP.

Con permiso de 'La Odisea' y de 'Vengadores: Doomsday', 'El día de la revelación' promete ser el evento cinematográfico del año!
Es el director más taquillero de todos los tiempos y a él le debemos blockbusters tan disfrutables como Tiburón, Indiana Jones, Jurassic Park o La guerra de los mundos, pero en los últimos años Steven Spielberg había estado centrado en otro tipo de proyectos más alejados de su faceta película evento, probando suerte con el género musical por primera vez en su vida con West Side Story (2021) o con uno de los largometrajes más personales de su carrera, Los Fabelman (2022),Sin embargo, en 2024 supimos que Steven Spielberg estaba trabajando en su próxima película como director y que sería todo un regreso a sus orígenes: una película evento de ciencia ficción relacionada con los alienígenas y que estaría escrita por nada más y nada menos que David Koepp, uno de sus colaboradores habituales y guionista de Parque Jurásico.
Los detalles sobre la nueva película se mantuvieron en secreto durante bastante tiempo, aunque pronto supimos que estaría protagonizada por Emily Blunt en el papel principal. Más tarde se confirmaron los fichajes de Colin Firth, Eve Hewson, Colman Domingo, Wyatt Russell, y Josh O'Connor, entre otros.
Ahora, no solo sabemos que la nueva película con la que Steven Spielberg regresa al género de la ciencia ficción siete años después de Ready Player One se llama El día de la revelación, sino que será uno de los grandes eventos cinematográficos de este 2026.El día de la revelación es una de esas películas que nos recuerdan que el cine está hecho para disfrutarlo en pantalla grande.

Kevin Costner es un actor y director estadounidense que se hizo famoso por encarnar a tipos rudos con una veta sensible. Nacido en Lynwood, California, el 18 de enero de 1955, convirtió títulos como The Untouchables, Bull Durham y Field of Dreams en éxitos de una carrera que alternó el estrellato con proyectos autorales importantes.
Fue con Dances with Wolves que dio el salto definitivo: produjo, dirigió y protagonizó una epopeya sobre un soldado de la Guerra Civil que se integra a una comunidad sioux. Esa película le valió el Oscar a mejor película y a mejor director, además de consolidar su perfil como cineasta de gran alcance.
En los años 80 y 90 se transformó en protagonista solicitadísimo: participó en Silverado, The Untouchables y No Way Out, y cosechó éxitos populares con Bull Durham y Field of Dreams. También protagonizó éxitos comerciales como Robin Hood y The Bodyguard, alternando con filmes personales y de gran riesgo financiero.
En el siglo XXI volvió a mezclarse entre Hollywood y la televisión: dirigió Open Range y estuvo en películas como Thirteen Days o Man of Steel. En 2012 protagonizó Hatfields & McCoys y ganó un Emmy; luego alternó papeles dramáticos, comedias y personajes de carácter, manteniendo presencia constante en grandes producciones.
En 2018 recuperó popularidad en la TV con Yellowstone, interpretando al patriarca de una familia de rancheros; su participación terminó en 2023 y anunció en 2024 que no volvería al personaje. Además encaró Horizon, una saga sobre el Oeste cuya primera parte salió en 2024 y que financió en parte con su propio dinero.
Según registros, Costner puso cerca de 38 millones de dólares de su bolsillo para producir Horizon, un esfuerzo ambicioso pensado como cuatro películas. Paralelamente siguió actuando en títulos como Hidden Figures, The Highwaymen y The Art of Racing in the Rain, demostrando que combina trabajo actoral con tareas de dirección y producción.
La trayectoria de Kevin Costner incluye premios importantes: dos Oscars por Dances with Wolves, además de Globos de Oro y un Emmy. Su carrera combina éxitos masivos, proyectos personales y riesgos financieros. Hoy es visto como un referente del cine y la televisión norteamericana, capaz de alternar el star system con apuestas creativas propias.

Nació bajo el foco de dos linternas potentes de la cultura pop, pero construyó su propio sendero en la industria del entretenimiento. Brandon Thomas Lee, hijo mayor de Pamela Anderson y Tommy Lee, se ha convertido en una figura relevante en Hollywood y, a sus 29 años, su recorrido profesional y personal genera interés por la forma en la que conjuga legado familiar, reinvención y superación.
Su historia no solo llama la atención por el apellido, sino por la determinación con la que busca resignificar el relato mediático de su madre y dejar una huella propia en el espectáculo estadounidense.
Brandon Thomas Lee nació el 5 de junio de 1996 en California, en el seno de una familia que acaparó titulares durante la década de los noventa. Lejos de limitarse al rol de heredero, Lee dio sus primeros pasos en la actuación con participaciones en películas como "Baywatch" (2017), "Sierra Burgess Is a Loser" (2018) y "Cosmic Sin" (2021). Su presencia en la pantalla se amplió cuando integró el reparto del reality "The Hills: New Beginnings", que lo acercó al público joven y a la cultura pop contemporánea.
El salto más destacado llegó detrás de cámara. En 2023, asumió el rol de productor ejecutivo del documental de Netflix "Pamela: A Love Story", trabajo que permitió a su madre narrar en primera persona los episodios centrales de su vida y su carrera.
Además de su trabajo como actor y productor, Brandon Thomas Lee se destacó en el mundo del modelaje. Ha desfilado para marcas de alta gama como Dolce & Gabbana y ha participado en campañas internacionales, aspecto que suma versatilidad a su carrera y lo posiciona como un referente multifacético dentro y fuera de la pantalla.
Este documental recibió dos nominaciones al Emmy y funcionó como una plataforma para que la actriz canadiense pudiera presentarse al mundo desde un nuevo lugar, lejos de los estereotipos que la acompañaron durante años.
Un año después, en 2025, Lee volvió a apostar por la producción y lideró "The Last Showgirl", dirigida por Gia Coppola y protagonizada por Anderson, quien obtuvo su primera nominación al Globo de Oro como actriz dramática gracias a este film.
El propósito del joven trasciende la búsqueda de éxito individual. De acuerdo con lo que le dijo a People, su "misión personal" es darle a su madre las oportunidades que recibió de niño y cambiar la mirada que el público tiene sobre ella. El propio Lee declaró: "El objetivo de esos proyectos era que la gente comprendiera y conociera a Pamela, ya que había muchos conceptos erróneos sobre ella y sobre quién era".
En el plano privado, Brandon Thomas Lee mantiene desde 2021 una relación con la modelo australiana Lily Easton. 
En mayo de 2025, Lee acudió junto a Anderson y Easton a la Met Gala, donde la actriz reafirmó su decisión de no usar maquillaje, una elección que se ha vuelto símbolo de autenticidad y libertad personal.
Aunque mantiene un perfil bajo en redes sociales, Brandon cuenta con cerca de 500 mil seguidores en Instagram. Sus publicaciones suelen centrarse en sus proyectos profesionales y en momentos familiares, y se lo ha visto en eventos de moda y en presentaciones junto a su madre y su pareja, siempre priorizando la discreción sobre la exposición.
El joven también ha abordado en público su proceso de recuperación tras enfrentar problemas de adicción al alcohol. Expresó también que la sobriedad se transformó en un motor para su crecimiento profesional y personal. El apoyo de su madre y de su círculo familiar resultó clave para atravesar los momentos difíciles y enfocarse en sus objetivos.
Más allá de su labor artística, incursionó en el mundo empresarial al fundar la marca de ropa Swingers Club en colaboración con Local Authority, una propuesta inspirada en la cultura del golf que muestra su interés por diversificar su carrera.

Brendan Fraser es una de esas figuras que la industria estadounidense abandonó hace un tiempo. Tras ser un héroe de acción icónico a principios de siglo, pasó dos décadas prácticamente olvidado, hasta que Hollywood volvió a abrirle las puertas con el estreno de La ballena (2022), película por la que posteriormente logró el Oscar a Mejor Actor.
Desde entonces ha aparecido en varios proyectos, pero a decir verdad ninguno de ellos ha logrado el impacto que muchos esperaban. Al menos hasta ahora, y es que se acaba de estrenar en cines Rental Family (Familia de alquiler), su nueva película, la cual francamente ha conseguido llamar la atención.
Empezando por los antecedentes, Rental Family (Familia de alquiler) se centra en una figura común en Japón y otros países asiáticos, pero que en el resto del mundo vemos como algo raro: una persona que puedes contratar para que haga de tu familia o tu amigo. Es una forma que han buscado las sociedades asiáticas de paliar la soledad de muchas personas, pero que tiene ciertas implicaciones que precisamente son abordadas en esta película.
En concreto, Brendan Fraser interpreta a uno de estos, y la verdad es que ha sido bastante aclamado como un casting perfecto. Si se piensa en este actor probablemente va a la mente una producción americana, pero en este caso toda la trama se traslada a Japón. Es una figura de este tipo, pero con ascendencia occidental, y que debe cuadrar su vida en cierto sentido.
Esta película trata de forma directa el tema de la soledad y el abandono, pero no al 100% de la manera que cabría esperar. En lugar de centrarse solo en la soledad de los clientes, también acaba teniendo un gran impacto la del propio personaje interpretado por Brendan Fraser. Por mucho que seas un profesional, es imposible que no te afecte tener una familia diferente cada cierto tiempo, y esto es algo que se aborda directamente en Rental Family.
Por supuesto, la película en general es realmente sólida según la mayoría de reseñas, pero uno de los elementos que más destaca es la actuación del propio Brendan Fraser. De esta manera, se vuelve a situar en cierta medida en la carrera para volver a ganar un Oscar a Mejor Actor, y es que esta especie de redención que vive en los últimos años sigue adelante, e incluso ha llevado a que vaya a volver a trabajar en la clásica La Momia.

La adaptación de la novela superventas de Maggie O'Farrell sobre William Shakespeare, con Paul Mescal y Jessie Buckley, se estrena en salas el 23 de enero.
Hamnet, que se estrena en los cines el 23 de enero y que adapta la novela superventas homónima de Maggie O'Farrell, se postula desde ya mismo como una de las favoritas para los Oscar y como un triunfo artístico; no solo de su directora, Zhao, sino también de su pareja protagonista, Paul Mescal (Aftersun) y Jessie Buckley (Estoy pensando en dejarlo). Su carrera de premios no ha hecho más que comenzar: se ha llevado a casa dos Globos de Oro de los gordos, el de Mejor película de Drama y el de Mejor actriz de Drama para Buckley, además del Premio del Público en Toronto y en la Semana de Cine de Valladolid y el de Mejor actriz, de nuevo para Buckley, en los últimos Critics' Choice Movie Awards.La crítica, como no podía ser de otro modo, se ha rendido a los pies de este drama histórico. Por ejemplo, Luis Martínez la califica de "obra maestra sin más" y destaca "el irrefutable trabajo de la actriz Jessie Buckley".
The Hollywood Reporter tampoco duda en calificarla de obra maestra "preciosa y catártica, una película que te romperá el corazón con unas interpretaciones maravillosas". Por su parte, el prestigioso crítico David Ehrlich asegura que Hamnet "se siente como enamorarse o convertirse en padre". Y desde Vulture advierten de algo que debe tener claro el espectador: "Es devastadora, quizá la película más emocionalmente demoledora que he visto en años [...] No me esperaba llorar tanto".
Hamnet es una experiencia definitivamente para ver en cine.

Guillermo del Toro fue nominado a la categoría mejor dirección de una película en los Premios DGA, galardones otorgados por el Sindicato de Directores de Hollywood, gracias a su trabajo en Frankenstein.
El realizador mexicano competirá por el reconocimiento junto con Paul Thomas Anderson, nominado por One Battle After Another; Chloé Zhao por Hamnet; Ryan Coogler por Sinners; y Josh Safdie por Marty Supreme.
Los premios DGA son considerados un termómetro clave dentro de la temporada de galardones, ya que suelen anticipar lo que ocurre posteriormente en los Óscar. En 2018, Del Toro fue nominado en esta misma categoría por The Shape of Water, película con la que obtuvo su primer Óscar como mejor director y que, además, ganó el premio a la mejor cinta en esa misma edición.
A lo largo de la historia de los premios DGA, únicamente ocho ganadores de la categoría mejor dirección no han logrado repetir su triunfo en los Óscar, y solo dos películas que se llevaron el Óscar a la mejor película no habían ganado previamente el reconocimiento del Sindicato de Directores.
Por otro lado, en la categoría mejor ópera prima competirán Hasan Hadi por The President's Cake; Harry Lighton por Pillion; Alex Russell por Lurker; Charlie Polinger por The Plague; y Eva Victor por Sorry, Baby.
La 78. edición de los premios DGA dará a conocer a sus ganadores el próximo 7 de febrero en una ceremonia que se realizará en Los Ángeles. 

La diseñadora de producción contó que agotaron el pigmento Rosco "Pink Fluro", el mismo que se usa en cine y teatro, porque querían recrear el rosa exacto de las Barbies clásicas, sin usar casi nada de CGI(imágenes generadas por computadora).
Muchos decorados de la pelicula (la Casa Barbie, la playa, las calles) son reales, no digitales. 
Margot Robbie pidió que todo se viera "artificial pero tangible", como un juguete. 
El color rosa no es casual: estudios dicen que ese color estimula dopamina, o sea, literalmente te hace sentir mejor!

Antes del rodaje de 'La clave del éxito', Tom Cruise solo había hecho una película conocida. Sin embargo, cuando se metió al instituto infiltrado como uno mas, no duró ni un día.
Tom Cruise participó en su primer rodaje al poco de haber cumplido la mayoría de edad (en la película Amor sin fin), y pronto empezó a labrarse una carrera más que interesante. Sin embargo, nadie parece acordarse de La clave del éxito, un drama estudiantil tan deportivo como romántico donde compartió escenas con una muy joven Lea Thompson. De hecho, ella estuvo a punto de no aceptar el papel porque exigía un desnudo íntegro, y Cruise, para no perderla, se ofreció a desnudarse también en la misma escena. Acabó aceptando, y a día de hoy aún le agradece al actor que diera ese paso hacia delante, Para que la película saliera bien, su director, Michael Chapman (que había sido operador de cámara en Tiburón o El Padrino), insistió en que ambos actores debían poder pasar por estudiantes de instituto. Ambos pasaban ya de los 20 años, pero no tuvieron problema en tratar de infiltrarse en uno: mandaron a cada uno a un instituto distinto y, durante una semana, debían pasar desapercibidos. No salió bien del todo.En el caso de Thompson, el experimento fue un éxito: en esos cuatro días que estuvo en el instituto se convirtió en una de las chicas populares, varios chicos le pidieron una cita e incluso la pillaron fumando en el baño. La experiencia estudiantil de los 80 absoluta, vaya. Sin embargo, Cruise apenas puso un pie en la puerta antes de que un chico le reconociera de inmediato: solo había estrenado tres películas, y aunque dos de ellas fueron tan desconocidas como Amor sin fin o Ir a perderlo... y perderse, su presencia en Taps fue demasiado icónica, ¡como para olvidarse de su cara!
Por cierto, aunque a día de hoy no la recordemos, La clave del éxito triunfó en taquilla (ganó 15 millones frente a los 5 de su presupuesto), pero quedó opacada en 1983 por otros dos éxitos de Cruise que, esta vez sí, marcaron el resto de su carrera: Rebeldes y Risky Business. Y después ni siquiera volvió a intentar pasar desapercibido.

La película de Dolores Fonzi busca el premio a la mejor película íberoamericana; Minujín, candidato a mejor actor de reparto.
El cine argentino volverá a ser protagonista de la gala internacional que más se acostumbró a ganar. La Academia del Cine de España nominó este martes a Belén como una de las cinco candidatas al Goya como mejor película iberoamericana. Y nuestro compatriota Juan Minujín fue elegido como candidato a mejor actor de reparto por Los domingos, producción realizada en el País Vasco y ganadora del último Festival de San Sebastián.
Belén continúa con esta nominación sumando reconocimientos en una carrera internacional que también la tiene entre las 15 películas preseleccionadas al Oscar internacional por la Academia de Hollywood. De acuerdo con el veredicto de los casi 1800 miembros de la Academia del Cine de España, la película dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi competirá por el Goya a la mejor película iberoamericana con La misteriosa mirada del flamenco (Chile), La piel del agua (Costa Rica), Un poeta (Colombia) y Manas (Brasil). partir de esta nominación, Belén se suma a la larga lista de títulos del cine nacional de las últimas décadas consagrados por el Goya a la mejor película iberoamericana, entre los cuales aparecen Un lugar en el mundo, Cenizas del paraíso, La odisea de los giles, Plata quemada, El secreto de sus ojos, Relatos salvajes, Un cuento chino, El ciudadano ilustre, Sol de otoño, El faro, XXY y El Clan. El último triunfo de la pantalla nacional en esta categoría fue en 2023, gracias a Argentina, 1985.
Nuestro cine conquistó este premio en 19 de las 39 entregas de la historia del Goya, la celebración más importante del calendario anual para el cine de habla hispana, valorada al mismo tiempo por toda la industria cinematográfica como el equivalente al Oscar en ese terreno.

Será difícil encontrar una sustituta, El éxito de 'La empleada', el thriller exagerado y sangriento dirigido por Paul Feig que se basa en la novela de Freida McFadden no ha sorprendido, teniendo en cuenta la trayectoria de la saga.La película, que combina humor negro, tensión y un ritmo vertiginoso, ha conquistado tanto a la taquilla como a la crítica, pero también es cierto que el hecho de que se haya confirmado la secuela trae cierta preocupación a los que conocemos la historia y cómo continúa. La trama original continúa en 'El secreto de la criada', pero Nina Winchester, el personaje interpretado por Amanda Seyfried, no aparece en esta novela, por lo que quedará fuera la química central que hizo que fuera tan icónica la primera película.
La secuela cinematográfica contará con Paul Feig y Sydney Sweeney de vuelta, pero también es cierto que la ausencia de Seyfried podría dejar un vacío importante.
Tanto en el libro como en la película, Millie Calloway (Sydney Sweeney) sale de prisión por homicidio involuntario y se encuentra con un trabajo aparentemente perfecto como criada para Nina Winchester (Amanda Seyfried) y su esposo Andrew (Brandon Sklenar). La tensión aumenta, presentando a Andrew como un hombre abusivo y controlador, y a Nina, que siendo consciente del pasado de Millie, la manipula para deshacerse de su marido. El resultado es una historia llena de giros y que alcanza un equilibrio perfecto entre la comedia negra y el thriller,Al final de la película, tras el enfrentamiento con Andrew y la liberación de Nina y su hija, Millie se prepara para un nuevo capítulo, visitando a una amiga de Nina que se enfrenta a un abuso similar. Esto conecta con la línea argumental de los libros, donde Millie termina ayudando a otra mujer adinerada en problemas, mudándose a Nueva York. Sin embargo, la secuela no incluye a Nina, por lo que habrá que ver cómo se compensa su ausencia en la siguiente película. Desde la perspectiva cinematográfica, la idea de un universo basado únicamente en Millie Calloway tiene sentido en teoría, pero en la práctica puede resultar complicado, porque uno de los grandes pilares de la primera película estaba en la química entre Sweeney y Seyfried. Y aunque es cierto que Paul Feig podría elegir a otra actriz para el siguiente personaje, la ausencia de Seyfried dejará un hueco difícil de llenar. 

Arnold Schwarzenegger, el ex-Gobernator, también estrella de títulos míticos como 'Terminator', 'Depredador', 'Perseguido' o 'Desafío total', mantuvo una animada entrevista,m y entre anécdotas y recuerdos de sus cintas más icónicas como 'Terminator 2: El juicio final', 'Conan: El bárbaro' o 'Comando', el actor austríaco también quiso recordar sus películas favoritas y los secretos detrás de las cámaras de sus rodajes.
"Las películas que más me gustan probablemente sean algún western o, por supuesto, las película de James Cameron", confesaba Arnold. "Pienso en 'Avatar' o en 'Titanic'. Son películas que te entretienen y que también te inspiran. Y que, además, te hacen llorar. Te llevan a una montaña rusa emocional. Y, como sabéis, para un director eso es muy difícil de conseguir. Jim Cameron lo logra siempre en sus películas. Soy un gran admirador de su cine y disfruto muchísimo viéndolo. También disfruto viendo 'E.T., El Extraterrestre', que es una película fantástica. Y 'El Padrino', que me resultó muy inspiradora. Recuerdo incluso los Globos de Oro que ganó esa película, y todo lo que supuso. En definitiva, hay muchos tipos de películas que me gustan. Y también, en mis ratos libres, me gusta cocinar."
"Me identifico con 'Terminator' porque yo siempre sentí que era como una máquina sin emociones. Entrenaba cada día entre cinco y seis horas, dos veces al día. No pensaba en lo que comía, simplemente comía lo correcto. Y no dejaba que nada externo entrara a distraerme o a perturbar mi concentración. Esa fue mi carrera en el culturismo: muy dura conmigo mismo. De repente apareció esta película y me dijeron: 'Actúas como una máquina'. Y encajé de inmediato en el papel. Recuerdo la primera escena que rodamos, en un garaje, donde buscaba el coche con un movimiento de cabeza, de izquierda a derecha. Después de esa toma, Jim [Cameron] se me acercó y me dijo: 'Se me ha puesto la piel de gallina'. Y yo le pregunté: '¿Por qué?'. Y él respondió: 'Esto es mucho mejor que lo que imaginé cuando lo escribí. Tú eres Terminator'.
"Pero las cosas cambian. Hace 45 años decía: 'I'll be back' ('Volveré'). Y ahora, 45 años después, digo: 'Ow, my back' ('Ay, mi espalda'). En cualquier caso, lo pasé en grande rodando 'Terminator' y fui muy feliz cuando Jim (Cameron) me dijo que iba a hacer una segunda parte. Después llegó la tercera, y siguió y siguió. Ha sido un personaje realmente extraordinario hasta el día de hoy."
"Lo que ocurre detrás de las cámaras es algo que quizá el público no conoce. Antes de ver cualquier secuencia de acción en pantalla, podéis dar por hecho que detrás ha habido un montón de problemas y accidentes. Por ejemplo, si me veis en 'Conan, el bárbaro' blandir la espada con soltura, girar con el caballo y luchar contra el enemigo, debéis saber que ese mismo día seguramente me caí cuatro o cinco veces durante la batalla y que me pisaron los caballos. Es algo normal: siempre hay algún accidente y siempre sucede algo que no estaba en el guion.
"Recuerdo que incluso en 'Terminator 2', en la escena en la que recargo el arma mientras conduzco la moto con una sola mano, la cantidad de veces que lo intentamos y no funcionaba fue enorme. Llegué a estrellarme con la moto contra una valla. Esos momentos no se ven en pantalla porque no es necesario mostrarlos. Pero es divertido recordarlos, porque te hacen ver que nada es fácil. Practicas una y otra vez."

Si no eres seguidor de la música urbana, quizás hace unos meses el nombre de Teyana Taylor no te sonaba de nada, pero después del estreno de Una batalla tras otra no paras de verla por todas partes. La anterior coreógrafa y cantante ahora triunfa como actriz y le han bastado unos años para demostrar su valía. En 2021 protagonizó El rey de Zamunda y, cuatro años después, se convirtió en una de las actrices principales de la joya de Paul Thomas Anderson, la que le ha valido varios premios. Entre ellos, el Globo de Oro que ha ganado a Mejor actriz de Reparto la noche del 11 de enero. Taylor no es una artista al uso y destaca en todo lo que hace, empezando por su incursión al mundo de la música. Era 2006 y Teyana tenía tan solo 15 años cuando fue contratada para trabajar en la coreografía de 'Ring the Alarm' de Beyoncé. Por aquella época era una figura bastante conocida en las calles de Harlem y experta en el 'Chicken Noodle Soup', algo que Beyoncé quería aprender, así que su equipo llamó a la adolescente para que se sumara al rodaje,"Recibí la llamada y, literalmente, di un salto", recuerda Taylor "Llevaba mi skate, así que entré y les dije: '¡Hola a todos!'. Y ella me respondió: 'Es una estrella".
Resulta curioso imaginar a una chica de 15 años enseñando sus pasos a Beyoncé, que por aquel entonces ya triunfaba como ex de las Destiny's Child y con su propia carrera en solitario. Después, Taylor actuó en los MTV Video Music Awards de 2006, lo que la llevó al estrellato. 
Teyana Taylor ha sido una artista que ha llegado a puestos muy altos en el Billboard y ha colaborado, entre otros, con Missy Elliott o Lauryn Hill. Ahora que se ha tomado en serio esto de la actuación ya ha recibido su primer premio gordo y muy posiblemente también reciba una nominación a los Oscar el próximo día 22.

Continúa la carrera de los Oscar y la celebración de la gala de la 83 edición Globos de Oro en la madrugada de este lunes 12 de enero de 2026 ha sido la antesala definitiva en la temporada de premios. Los galardones entregados por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, que como cada año desde su primera gala en 1944 ha reconocido la excelencia de los profesionales de cine y televisión, se han entregado en una ceremonia celebrada en el Hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, California, que ha estado conducida por la cómica estadounidense Nikki Glaser, quien ya presentase la gala el año pasado. En las categorías cinematográficas, partían como las grandes favoritas de la noche la película Una batalla tras otra, en la que Leonardo DiCaprio por fin cumplía su sueño de trabajar a las órdenes de Paul Thomas Anderson, con nueve nominaciones en total, Valor sentimental con ocho nominaciones y la película de terror Los pecadores con siete.
Finalmente, la gran ganadora de la noche ha sido Una batalla tras otra, que no solo se ha impuesto a Marty Supreme y el resto de brillantes competidoras en la categoría de Mejor película de comedia o musical, sino que también se ha hecho con los premios de Mejor guion y Mejor director para Paul Thomas Anderson y Mejor actriz de reparto para Teyana Taylor. No obstante, no ha ganado en las categorías de Mejor actor, en la que estaba nominado Leonardo DiCaprio, y Mejor actor de reparto, con Timothée Chalamet (Marty Supreme) y Stellan Skarsgard (Valor sentimental) ganando en sendas categorías respectivamente.

'Song Sung Blue - Canción para dos' cuenta con una pareja protagonista de excepción: Kate Hudson y Hugh Jackman.
La pareja formada por Mike y Claire Sardina lo tenía muy claro: querían darle un vuelco a sus vidas dedicándose a lo que más amaban, la música. Mike Sardina era un excombatiente de Vietnam cuya vida estaba marcada por el estrés postraumático y el alcohol. Su mujer Claire era madre soltera y tenía problemas mentales. Ambos se embarcaron en la titánica obra de interpretar las canciones de Neil Diamond, al que adoraban.
Mike Sardina había sido fanático de Diamond desde que era un niño y su mujer tenía un don innato para la canción. Su futuro era de todo menos próspero, así que decidieron crear un dúo musical llamado Lightning & Thunder. Mike se vestía y actuaba como lo hacía el propio Diamond y Claire hacía lo propio como su acompañante femenina. Sin embargo, la intención de Mike no era simplemente imitar a Neil Diamond sino "interpretar" sus canciones, rendirle un homenaje a través de su música. No eran solo una copia y se notaba, a través de sus interpretaciones en pequeños bares y clubes, el amor que destilaba la pareja por el trabajo del cantante. Poco a poco, el dúo fue granjeándose la categoría de culto, con una legión de fans que seguía a la pareja allá donde actuaran. Cómo acabó este dúo va a quedar, de momento, en una incógnita, porque el 9 de enero se estrena su apasionante historia real en cines: Song Sung Blue - Canción para dos, dirigida por Craig Brewer (Yo soy Dolemite) y protagonizada por Kate Hudson y Hugh Jackman.
La película ha sido muy bien recibida por la crítica internacional y se postula como una de las grandes favoritas para la próxima noche de los premios Oscar. Por ejemplo, Deadline la describe como "tan real, emocional e impredecible como a veces puede llegar a ser la vida". En The Guardian dicen de ella que es una "película reconfortante y adorable, cuyo sabor sentimental no te preparará para la forma en que la trama se retuerce". Por su parte, la Rolling Stone colombiana asegura que se trata de una película "cálida y profundamente humana, que no subraya la pobreza, la frustración".

A lo largo de sus largas carreras en Hollywood, todos los actores y actrices tienen pepeles rechazados de los que arrepentirse. Casos célebres como el de Matt Damon, que rechazó protagonizar 'Avatar' de James Cameron (incluyendo un porcentaje de la taquilla que habría supuesto una de las mayores ganancias de la historia del cine) o Will Smith, que dijo no a 'Matrix'. El actor ha explicado que fue elegido inicialmente para poner voz a Syndrome, el antagonista principal del filme dirigido por Brad Bird. Jack Black ha reconocido que una de las decisiones que más lamenta en toda su carrera fue haber rechazado participar en 'Los Increíbles', una de las películas más emblemáticas de Pixar,el actor ha explicado que fue elegido inicialmente para poner voz a Syndrome, el antagonista principal del filme dirigido por Brad Bird, pero acabó declinando la oferta por desconfianza y exigencias creativas que hoy considera un error.
"Me lo ofrecieron, y sí, lo lamento, dije que no. Me ofrecieron interpretar a Syndrome en esa fantástica película, 'Los Increíbles', que por cierto es una de mis favoritas de todos los tiempos", ha confesado Black. El actor ha explicado que en aquel momento no conocía la trayectoria de Brad Bird -cuyo único largometraje previo había sido 'El gigante de hierro'- y que percibió el personaje como demasiado plano. 
Con el paso del tiempo, el éxito y el reconocimiento de la película no hicieron sino aumentar su arrepentimiento. "Aprendí una lección valiosa, porque cuando esa película se estrenó, fue una de las mejores jamás hechas. Recuerdo pensar: ¿Por qué fui tan complicado?" finalizó.