Todos tenemos un origen y ahora es momento de conocer el de John Rambo. El veterano que peleó en la guerra de Vietnam regresará a la pantalla grande el próximo año. A diferencia de sus anteriores interacciones, en esta ocasión el personaje no será interpretado por Sylvester Stallone, sino por Noah Centineo. 
Los detalles exactos de la trama siguen siendo un misterio, pero, sabiendo de dónde viene Rambo, se puede intuir de qué tratará. El personaje popularizado por Stallone en los ochentas tuvo que atravesar experiencias traumáticas durante su estadía en Vietnam. Bajo el título de John Rambo, los hechos de esta nueva cinta transcurrirán antes de lo visto en Primera Sangre y, al igual que sus antecesoras, promete estar plagada de acción y violencia. 
Noah Centineo toma el manto ensangrentado que Sylvester Stallone portó por última vez en 2019 como parte de Rambo: Last Blood. El actor dio vida al veterano de guerra durante casi cuatro décadas, protagonizando cinco largometrajes. Por su parte, Centineo asume el papel como un cambio de paradigma. Atrás quedó el chico que hacía películas románticas para adolescentes y ahora está buscando personajes con mucha más acción. Además de dar vida a Rambo, el intérprete encarna a Ken Masters en la película de Street Fighter. 
En las últimas semanas se han confirmado nuevos nombres que forman parte del elenco, donde destacan David Harbour, quien interpretará al Mayor Trautman, así como Yao y James Franco en personajes aún por conocer. Además de contar con la participación de los actores antes mencionados, la cinta también verá apariciones de Jason Tobin, Quincy Isaiah, Jefferson White y Tayme Thapthimthong. 
No es una sorpresa que Lionsgate busque seguir explorando el personaje de Rambo. A lo largo de sus cinco entregas anteriores, la franquicia ha generado más de 819 millones de dólares. En esta ocasión, la producción está comandada por Jalmari Helander, mientras Kevin King Templeton, Les Weldon, Jonathan Yunger, Angela Russo-Otstot y Michael Disco fungen como productores. A pesar de no estar involucrado como actor, Sylvester Stallone está acreditado como productor ejecutivo. 
John Rambo llegará a las salas de cine en junio de 2027. 

Llega junio, uno de los meses en los que históricamente los espectadores van más al cine. Pero este junio también comienza el Mundial de Fútbol de los Estados Unidos, Canadá y México. Y también, históricamente, cuando se juega la Copa del Mundo en los países de tradición futbolera como el nuestro la gente prefiere quedarse en su casa viendo otras imágenes en movimiento: las de los partidos de fútbol.
Así y todo, este junio que ya arranca viene lleno de tanques de Hollywood que se desentienden de fechas y pasión futbolística, y mantienen la tradición de que, junio también puede ser un mes fuerte en la afluencia de público.
Entonces, ¿qué ver? ¿La nueva de Steven Spielberg, que vuelve con su fanatismo por los extraterrestres?
¿Ir en familia a ver Toy Story 5, en la que los juguetes ven amenazada su supervivencia a los dispositivos electrónicos?
A continuación, repasamos los estrenos previstos, con sus tramas, directores e intérpretes:

4 de junio: Amos del universo
Todos, o casi todos, sabemos que He-Man es el hombre más poderoso del universo, y que debe reunir a héroes legendarios para combatir al malvado Skeletor, salvar el planeta Eternia y proteger los secretos del Castillo Grayskull. Jared Leto es Skeletor y Nicholas Galitzine es He-Man.

Scary Movie: Terroríficamente incorrecta
La saga continúa, como siempre tomándose en solfa a clásicos del cine de terror. Dos amigos se ven envueltos otra vez con asesinos, monstruos y criaturas sobrenaturales. La dirigió Michael Tiddes, el de Inactividad paranormal e ¿Y dónde está el fantasma?, y tiene en su elenco a Regina Hall y a los eternos Anna Faris y Marlon Wayans.

Madres jóvenes
Los hermanos belgas, que forman el selecto grupo de ganadores de 2 Palmas de Oro en Cannes, obtuvieron el año pasado el premio al mejor guion en el prestigioso festival de la Costa Azul. Lo suyo sigue siendo el cine social: cinco madres jóvenes viven en un refugio, y luchan por un mejor futuro para ellas y sus hijos, a pesar de sus difíciles orígenes.

11 de junio: El día de la revelación
Poco o nada se sabe de la trama de la nueva película del director. Sí que tiene que ver con un tema que a Spielberg le fascina desde niño: los extraterrestres. En el trailer se ve que la meteoróloga que encarna Emily Blunt le sucede algo extraño, parece poseída, y en vez de hablar emite sonidos raros. También se ve que el personaje de Josh O'Connor está del lado de los buenos, pero no el de Colin Firth. Estrena el mismo día de la inauguración del Mundial de fútbol.

Las 100 noches del deseo
La película reinterpreta el clásico Las mil y una noches con una mirada feminista. Dos mujeres casadas, Cherry y Hero idean un ingenioso plan para frustrar al lascivo Manfred de seducir a Cherry después de apostar con el esposo de ella. Hero intenta cautivar a Manfred con relatos durante 100 noches.

Letras robadas
Esta comedia musical sigue a Rick, un cantante de bodas en problemas, y a Danny, exestrella de una boy band en decadencia. Se conocen en una improvisada sesión nocturna, y se dan cuenta que tienen mucho en común, y no solamente el deseo de volver a brillar. Del director de Once, pasó por el Bafici.

18 de junio: Toy Story 5
Sí, muchos creímos que el mejor final de la historia de Woody y Buzz Lightyear era con la tercera película de la saga, pero la saga continúa. La trama se mantiene en secreto, pero por lo que se ve en el trailer irrumpe una tablet en el universo de los chicos, por lo que Bonnie (la nueva dueña de los juguetes) capaz que los deje de lado por el nuevo dispositivo. Al director Andrew Stanton le debemos Wall-E, Buscando a Nemo y Buscando a Dory.

25 de junio: Supergirl
Milly Alcock es Kara Zor-El. ¿Cómo quién? La prima biológica de Kal-El, o sea Superman, conocido como Clark Kent en la Tierra. La película contaría el origen del personaje antes de llegar a nuestro planeta. Sí: Supergirl tenía un cameo en la Superman (2025) de James Gunn. El director Craig Gillespie fue el de Cruella y de Yo soy Tonya.

Jackass: La última y nos vamos
La serie de televisión de comedia y slapstick, que nació en la MTV, fue creciendo. Y se supone que el equipo de Jackass realiza su serie final de bromas pesadas y acrobacias peligrosas por última vez, por lo que ésta sería el final de la franquicia. Pero nunca se sabe.

El afinador
Niki White es un talentoso afinador de pianos, que descubre que su oído impecable le permitiría también abrir cajas fuertes. El director Daniel Roher ganó el Oscar por el documental Navalny (2023) y el documental Blink, en el que los padres llevaban a sus hijos en un viaje global para disfrutar de los paisajes antes de que una enfermedad los dejara ciegos. 

La invitación
Joe y Angela ven cómo su matrimonio se ha vuelto con los años rutinario. E invitan a sus vecinos de arriba, una rubia Penélope Cruz y Edward Norton, e inesperadamente descubren cómo la pareja podría estar organizando orgías semanales. Basada en la obra de teatro y la película de Cesc Gay que aquí se llamó Sentimental, en la que Griselda Siciliani era la mujer de la pareja aburrida.

Miércoles 1º de julio: Minions & Monstruos
Todas las películas de la saga y los spin-offs de Mi villano favorito fueron un éxito en la Argentina. Esta película sigue a los Minions en el Hollywood de los años '20, cuando buscan criaturas aterradoras para su película de monstruos. Y terminan uniéndose a una criatura verde y deben salvar el planeta. Es la primera película de los Minions que no incluye a Gru, o sea a la voz de Steve Carell. El director Pierre Coffin es quien le pone la voz a los Minions.

Su papel como Nikki Freeman, la joven atrapada en una historia de deseo, terror y control, la colocó de golpe entre los nombres más comentados del cine de horror reciente. No por una campaña publicitaria ni por una etiqueta fabricada: su actuación es de esas que se quedan en la cabeza porque logra una mezcla muy precisa de vulnerabilidad y amenaza.
Inde Navarrette nació en Tucson, Arizona, el 3 de marzo de 2001, con el nombre de Danielle Fabiola Navarrette. Su madre es australiana y su padre es mexicano. Durante su infancia se mudó varias veces porque su papá trabajaba para el ejército de EE.UE; para cuando cumplió 15 años, ya había pasado por 11 escuelas distintas.
Su nombre artístico viene de una anécdota familiar. De acuerdo con lo que la actriz contó "Inde" viene de "independent", apodo que su madre empezó a usar porque desde niña la veía como alguien muy independiente. El nombre quedó, y ahora acompaña el momento más visible de su carrera.
Aunque para buena parte del público 'Obsession' fue su presentación formal, Inde Navarrette ya tenía trabajo previo en televisión. Participó en la sitcom 'Denton's Death Date', apareció en '13 Reasons Why' como Estela de la Cruz y después llegó a 'Superman & Lois', donde interpretó a Sarah durante varias temporadas. Ese papel le dio una base reconocible entre espectadores de series juveniles y de superhéroes, pero Nikki la llevó a otro terreno.
La relación de Inde Navarrette con el horror no nació en el set de 'Obsession'. En una entrevista, la actriz contó que el lado mexicano de su familia la acercó al género desde niña. Según relató, en casa de sus familiares había muñecos de Chucky en el baño y una fascinación bastante abierta por las películas de terror.
El contraste con el lado australiano de su madre era grande. Ahí el ambiente estaba más cerca de las comedias románticas y de actrices como Audrey Hepburn y Sandra Bullock, además de películas como '10 Cosas que odio de ti' o 'Cómo perder a un hombre en 10 días'. Vista desde ahí, su llegada a 'Obsession' tiene algo curioso: la película empieza rozando el terreno romántico, pero pronto se ensucia con algo mucho más oscuro.
Inde Navarrette resumió ese giro con una frase muy clara: "Esto empieza como una historia de amor y se convierte en algo completamente oscuro". En la película interpreta a Nikki, la mejor amiga de Bear, personaje de Michael Johnston, cuya vida se quiebra después de un deseo aparentemente inocente.
Nikki no es solo "la chica" dentro de una película de terror. Inde Navarrette tenía que construir primero a una persona reconocible, divertida, cercana, con amigos, deseos y una identidad propia. Luego debía llevarla hacia una transformación perturbadora sin convertirla en caricatura.
La actriz explicó que esa primera capa era esencial para que todo lo demás doliera más: "Para mí, Nikki es alguien increíblemente viva, divertida, muy atenta. Es una escritora, ama a sus amigos. y eso es lo que hace que todo lo que viene después sea aún más trágico".
Ese enfoque ayuda a entender por qué su actuación ha llamado tanto la atención. Nikki no da miedo solo por lo que hace, sino por lo que le ocurre. La película trabaja con la línea entre el amor y la obsesión, y Navarrette lo explicó así: "Creo que hay una obsesión saludable hasta cierto punto, pero la línea se cruza cuando empiezas a alejarte de quién eres". En 'Obsession', esa línea no solo se cruza: se rompe.
El rodaje también tuvo un desgaste fuerte para Inde Navarrette. La actriz contó que hubo escenas en las que terminó asustándose a sí misma al verse en los monitores, sobre todo durante una secuencia nocturna en la que Nikki habla con Bear mientras él despierta de madrugada. "Creo que hay algo muy aterrador en asustarte a ti misma", dijo.
También recordó que hubo días muy intensos por el trabajo vocal. Según contó, gritaban tanto mientras probaban distintas voces que le sorprendía que nadie hubiera llamado a la policía. A eso se sumaron escenas físicamente incómodas, como una toma de vómito cuyo efecto falló varias veces y terminó siendo caótica para el equipo.
El trabajo de Inde Navarrette en 'Obsession' ya recibió comentarios muy positivos por parte de la crítica, y su actuación ha sido calificada como digna de atención en temporada de premios, e incluso "brillante".
Su siguiente proyecto será 'Invertigo', un thriller sobre un grupo de adolescentes que entra ilegalmente a una atracción de parque de diversiones antes de su apertura y queda atrapado cuando todo sale mal. La película fue filmada en Tailandia y se encuentra en postproducción.

La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA (FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.
El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. 
Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.
La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com
La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. 
El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar
Competencia Internacional de Largometrajes.
2. Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.
3. Competencia de Cortometrajes U.B.A.
4. Competencia de Largos Graduados DIS
5. Competencia de Cortos Graduados DIS
Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.
En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:
Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.
2. Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.

Cuando el cuerpo de periodistas del Festival de Cannes soltaban una risotada ante una pregunta divertida acerca de Donald Trump, el actor los mandó a callar: "Sinceramente, el tema no tiene ninguna gracia; la situación en la que estamos es muy complicada". 
"Salta a la vista lo que está pasando", continúa el actor, "cuando ves cómo se concentran los medios, la censura, las amenazas y ese bucle de demandas que no van a ningún lado". "Con la película nos tocó lidiar de lleno con todo esto, hasta el punto de que, a sólo tres días del festival, ni sabíamos si nos iban a dejar proyectarla".
Recordemos los problemas de distribución y de visibilidad que cayeron sobre 'The Apprentice', el biopic donde Sebastian Stan interpretaba al presidente de los Estados Unidos en su juventud, junto a Jeremy Strong. La película tenía el perfil para competir en la primera línea de la temporada de premios, pero pasaron muchos meses antes de que ninguna distribuidora quisiera adquirirla para territorio norteamericano. Por ende, Stan no se ríe. "Pero bueno", continúa, "creo que precisamente por eso [por resultar incómoda] esta película aguantará bien el paso del tiempo. Y de todas formas, nosotros ya nos estábamos lidiando con esta situación mucho antes de que se volviera un chiste de los late nights de Stephen Colbert y compañía. De verdad, ojalá las cosas no fueran así".

Existe una estirpe de cineastas para los que la denuncia social opera como una razón de ser. Algunos trabajan desde el drama empático, los hay que prefieren utilizar el humor más ácido, y luego están los que se decantan por adoptar una perspectiva fría y quirúrgica. 
En esta última familia de observadores implacables de la realidad cabría situar como figura totémica al austriaco Michael Haneke, y como uno de sus alumnos más aventajados al rumano Cristian Mungiu. Ganador de la Palma de Oro en el año 2007 por '4 meses, 3 semanas, 2 días' (un drama sobre el aborto en el contexto del régimen comunista de Ceau?escu) Mungiu ha construido su flamante carrera a partir de la mirada directa hacia zonas sensibles de la realidad rumana y europea. 
A sus 58 años, el cineasta ha denunciado la corrupción del estado rumano (en 'Los exámenes'), el odio al inmigrante (en 'R.M.N.') y las tensiones que generadas en torno a los dogmas de fe (en 'Más allá de las colinas'). Algunos de estos temas reemergen en 'Fjord', con la que Mungiu ha ganado su segunda Palma de Oro con la complicidad de Sebastian Stan y Renate Reinsve, que protagonizan el film.
'Fjord' transcurre en Noruega, un país que simboliza un ideal de progreso y bienestar en el contexto europeo. Allí llega a vivir la familia Gheorghiu, cuyo padre, Mihai (de origen rumano), es un ingeniero aeronáutico, mientras que la madre, Lisbet (de origen sueco), es enfermera. La pareja tiene cinco hijos -dos adolescentes, dos pequeños y un bebé-, a los que educan de una forma rígida y disciplinada en los valores de la fe cristiana. En un principio, los Gheorghiu son bienvenidos en su nueva comunidad, que los recibe con los brazos abiertos, haciendo gala de un civismo ejemplar. Pero, cuando en el colegio sospechan que los hijos del clan podrían estar recibiendo castigos físicos en el ámbito doméstico, se desata una investigación que desembocarán en la intervención de la unidad de Protección al Menor, que separará a los hijos de sus padres. A través de este drama, que adopta como punto de vista principal el de Mihai y Lisbet, pero que también se fija en los docentes del colegio y en la abogada de la familia, Mungiu pone el dedo en varias lacras sociales.
Sin llegar a casarse con ninguna de las partes enfrentadas en su película, el cineasta rumano pone en el centro de su diana la superioridad moral con la que la Europa más occidental, y supuestamente más "avanzada", mira a la otra Europa, la oriental. Por el hecho de ser rumanos y cristianos, los Gheorghiu sufren un fuerte escrutinio por parte de las autoridades noruegas, una supervisión de corte paternalista que exhibirá su cara más salvaje y xenófoba durante el proceso judicial al que se verán abocados Mihai y Lisbet. Mungiu lanza una mirada crítica a una sociedad que supuestamente aboga por la libertad -en los ámbitos de la expresión, la sexualidad y el credo-, pero que luego impone el laicismo como una forma de dogma infranqueable.
Mungiu vuelve a demostrar su talento para señalar las contradicciones e inconsistencias de las realidades que retrata, y no cabe duda de que 'Fjord' generará interesantes debates públicos. 
'Fjord', una película que tiene todas las papeletas para aparecer en el palmarés del Festival de Cannes y en la temporada de premios que arrancará a finales de este año y que tendrá como objetivo final los Oscar de Hollywood.

'La bola negra' de Javier Calvo y Javier Ambrossi no ha podido hacerse con la palma de oro del Festival de Cannes 2026, pero han sido galardonados con el premio al mejor director del certamen, ex aequo con el director polaco Pawel Pawlikowski.
La prestigiosa palma de oro ha sido en su lugar para 'Fjord', de Christian Mungiu. Se trata de la segunda palma de oro para Mungiu tras '4 meses, 3 semanas, 2 días', con la que conquistó el certamen en 2007. En esta ocasión 'Fjord' narra cómo un pequeño pueblo de Noruega trata a una familia de origen rumano donde sospechan del maltrato a sus hijos. Está rodada en inglés y protagonizada por Renate Reinsve y Sebastian Stan.
Por otra parte, el gran premio de esta edición ha ido a parar a 'Minotaur' del director ruso Andreï Zvyagintsev. La película muestra la caída de un empresario local ruso acosado por la guerra, la corrupción y hasta la infidelidad de su esposa. Un retrato de la descomposición moral de la sociedad rusa.
El resto de premios del Festival de Cannes de este año han estado muy repartidos. Tanto que han tenido dos ganadores en su mayoría. Los Javis se han alzado con el premio al mejor director por su aclamado segundo largometraje, 'La bola negra', que compartirán con Pawel Pawlikowski.
Los galardones de mejor actor y mejor actriz también han estado compartidos, en esta ocasión por intérpretes de la misma película en ambos casos.
El Festival de Cannes también ha reconocido la trayectoria de Barbra Streisand con una Palma de oro honorífica. Streisand, que no ha podido acudir hasta Francia por un problema de rodilla, ha intervenido por videoconferencia mientras ha encargado a la actriz gala Isabelle Huppert que acudiese hasta Cannes para repasar su carrera en homenaje.
Tanto 'Amarga Navidad' de Almodóvar como 'El ser querido' de Sorogoyen, que también estaban nominadas, se han vuelto con las manos vacías.
El director Park Chan-Wook era el presidente del jurado del Festival de Cannes de este año, que se completaba con Demi Moore, Ruth Negga, Laura Wandel, Diego Céspedes, Isaach De Bankolé, Paul Laverty, Chloé Zhao y Stellan Skarsgård.

Palmarés del Festival de Cannes 2026

Palma de oro: 'Fjord' de Christian Mungiu
Gran Premio: 'Minotaur' de Andreï Zvyagintsev
Premio del jurado: 'The Dreamed Adventure' de Valeska Grisebach
Mejor director: Javier Calvo y Javier Ambrossi por 'La bola negra' y Pawel Pawlikowski por 'Fatherland'
Mejor guion: Emmanuel Marre por 'A Man of His Time'
Mejor actriz: Virginie Efira y Tao Okamoto por 'All of a Sudden'
Mejor actor: Emmanuel Macchia, Valentin Campagne por 'Coward'

Lupita Nyong'o interpreta a Helena de Troya en 'La odisea', lo cual ha generado algunas críticas y seguramente sea el principal motivo de que el último tráiler sea el peor valorado de toda la filmografía de Christopher Nolan. Pero la actriz ha decidido romper su silencio al respecto.
La ganadora de un Óscar por '12 años de esclavitud' ha respondido a las quejas sobre el hecho de que ella no debería interpretar a "la mujer más bella del mundo", a lo que ella ha recordado que "esta es una historia mitológica", por lo que nadie debería esperar que 'La odisea' sea un simple drama histórico.
Nyong'o continúa señalando que "apoyo plenamente la intención de Chris y la versión de esta historia que está contando. Nuestro elenco es representativo del mundo. No voy a perder el tiempo defendiéndome. Las críticas existirán, las aborde o no. Es algo extraordinario formar parte de La Odisea, porque es una obra grandiosa. Abarca mundos. Por eso el reparto es el que es. Estamos inmersos en la narrativa épica de nuestro tiempo".
"Me sentí profundamente honrada de que me confiaran este papel", quiere dejar claro la actriz, quien además incide en cuál fue su enfoque a la hora de abordar el personaje en 'La odisea':
"La belleza no se puede representar. Quiero saber quién es un personaje. ¿Qué hay más allá de la belleza? ¿Qué hay más allá de la apariencia? Esa es la clave al trabajar con un texto tan conocido, que ha sido estudiado, interpretado y del que se han derivado muchas ideas. La investigación podría ser interminable. Lo bueno de trabajar con un escritor como Chris es que todo está plasmado en la página. La investigación comienza con las páginas que te dan. En eso me basé".
Veremos si toda la polémica acaba afectando a una película que se ha convertido en la más cara de toda la carrera de Nolan al contar con un presupuesto de 250 millones de dólares. En breve se resolverán las dudas, ya que el estreno exclusivo en cines de 'La odisea' está previsto para julio de 2026.

'Érase una vez en Hollywood' (2019) es una de las películas más celebradas de toda la filmografía de Quentin Tarantino, por lo que desde que se anunció su spin-off centrado en Cliff Booth -el personaje de Brad Pitt en la original-, los fans continúan expectantes ante cualquier nueva información que surja sobre el nuevo filme. Netflix financia este proyecto dirigido por David Fincher con guion de Tarantino y ha confirmado su fecha de estreno: estará disponible a finales de año. ¿Lo mejor de todo?  tendrá una ventana de estreno en cines.
Mediante una publicación en sus distintos perfiles de redes sociales, Netflix ha confirmado la fecha de estreno de 'The Adventures of Cliff Booth', la película spin-off y a la vez secuela de 'Érase una vez en Hollywood'. Según anuncia la plataforma, se estrenará primero en cines de todo el mundo el próximo 25 de noviembre de 2026: se trata de una ventana de estreno limitada y exclusiva de dos semanas en salas de cine. 
'The Adventures of Cliff Booth' está dirigida por David Fincher y cuenta con un guion de Quentin Tarantino. Además de Brad Pitt, esta película contará con otros intérpretes como Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II, Peter Weller, Matt Groove, JB Tadena, Corey Fogelmanis y Karren Karagulian. 
Por lo pronto, no se conocen detalles concretos de la trama, aunque el propio título de esta nueva historia apunta a que seguirá las andanzas de Cliff Booth, un especialista de cine, en el Hollywood de los 70 tras separar su camino profesional del de Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y sobrevivir al brutal ataque de los Manson en su domicilio.
'The Adventures of Cliff Booth' supondrá la tercera vez que Pitt colabora con Tarantino después de 'Malditos bastardos' (2009) y la propia 'Érase una vez en Hollywood' (2019), por lo que esta nueva película ha conseguido captar el interés de los fans tanto del actor como de su director (Fincher) y su guionista. Solo el tiempo dirá qué nuevas aventuras deparan a Cliff y cómo sobrevive en el cambiante y salvaje Hollywood de los años 70.

Después de meses de rumores, por fin es un hecho que Scarlett Johansson y Sebastian Stan serán parte de la secuela de The Batman. Matt Reeves confirmó la noticia a través de su cuenta de X. El director de la cinta compartió videos de algunos de los integrantes del elenco, que compartirán pantalla con Robert Pattinson, quien interpreta a Bruce Wayne. 
"Siguiente parada: Ciudad Gótica. Bienvenida", escribió el cineasta al publicar una imagen de Scarlett Johansson en la película Under the Skin. Poco más de una hora después, Reeves compartió una imagen de Sebastian Stan para quien escribió, "En un estado mental a lo Ciudad Gótica. Bienvenido". El director también compartió imágenes para darle la bienvenida a Charles Dance, Bryan Tyree Henry y Sebastian Koch. 
Los rumores de que Johansson formaría parte de The Batman: Parte 2 surgieron por primera vez en diciembre mediante. De acuerdo a versiones, si bien no asumiría el mismo papel, la actriz asumiría el rol que tenía la gatúbela de Zoë Kravitz, quien no regresará en esta segunda entrega. Por el momento, el personaje que interpretará sigue siendo un misterio. 
En el caso de Sebastian Stan -que compartirá pantalla con Ana de Armas en Impunidad-, se supo por primera vez de la intención de Reeves de sumarlo al elenco a inicios de enero. En aquel entonces, se reportó que el actor estaba negociando su participación. Algunos medios indicaban que podría interpretar a Harvey Dent, también conocido como Dos Caras, pero nunca se confirmó la información. Con su incorporación al reparto confirmada, Stan volverá a compartir pantalla con Robert Pattinson. La última vez que trabajaron juntos fue en 2020 como parte de la cinta El diablo a todas horas. 
Con su participación en The Batman: Parte 2, ambas figuras se suman a una pequeña lista de actores que han sido parte tanto de las películas de Marvel como de DC Comics. Johansson es conocida por haber interpretado a Natasha Romanoff, también conocida como Viuda Negra, quien fue pieza clave del Universo Cinematográfico de Marvel desde su primera fase. Por su parte, Stan interpreta a Bucky Barnes, conocido como el Soldado del Invierno, quien comenzó siendo un villano y luego se convirtió en un miembro de los Vengadores. Hoy es parte de los Thunderbolts. 
Las filmaciones de la secuela de The Batman ya comenzaron en Londres. Además de contar con Robert Pattinson interpretando nuevamente al superhéroe murciélago, la cinta verá a Colin Farrell retomando el papel del Pingüino. Jeffrey Wright y Andy Serkis también estarán de vuelta como el Comisionado James Gordon y Alfred respectivamente. 
Si bien los detalles de la trama aún permanecen en secreto, Matt Reeves ha comentado que será una cinta enfocada más en Bruce Wayne que en Batman. Pattinson alabó el guion durante la alfombra roja de The Drama, su más reciente producción, donde comparte pantalla con Zendaya. "El guion es extraordinario. Creo que será una película muy, muy especial y muy diferente", dijo el actor. 
Después de muchos retrasos, The Batman: Parte 2 llegará a las salas de cine en octubre de 2027. 

Cate Blanchett y Selena Gomez protagonizarán la nueva película de Brady Corbet, director de The Brutalist. El proyecto todavía no tiene título oficial, pero ya comenzó a generar expectativa por el elenco y por las primeras pistas sobre su historia.
La noticia se confirmó durante el Festival de Cannes, donde Blanchett mencionó en una masterclass que está por trabajar con Corbet. Poco después se confirmó que la actriz compartirá pantalla con Gomez y Michael Fassbender en la próxima película del director nominado al Oscar.
Aunque los detalles de la trama siguen en secreto, Corbet ha adelantado que será una película ambientada principalmente en los años setenta. También explicó que la historia abarcará distintas épocas, desde el siglo XIX hasta la actualidad, y que tendrá un enfoque poco convencional.
"El proyecto desafía completamente los géneros", dijo el director en una entrevista previa con The Hollywood Reporter. Además, la producción utilizará cámaras 65 mm de ocho perforaciones, un formato poco común en el cine actual.
El guión tendría alrededor de 200 páginas, lo que apunta a una película de gran duración. La cinta será producida por Andrew Morrison y marcará el cuarto largometraje de Corbet, después de The Childhood of a Leader, Vox Lux y The Brutalist.

La fiebre por Hello Kitty está lejos de terminar. Después de décadas dominando el mundo del merchandising, la moda y la cultura pop, el icónico personaje japonés finalmente llegará a Hollywood con su primera gran película oficial para la pantalla grande.
El proyecto será desarrollado por Warner Bros. Pictures junto a Sanrio y ya tiene fecha confirmada de estreno global: 21 de julio de 2028.
La noticia ha generado expectativa entre fanáticos de distintas generaciones, especialmente porque se trata de la primera adaptación cinematográfica en inglés autorizada oficialmente por Sanrio para uno de sus personajes más famosos.
Aunque todavía no se han revelado demasiados detalles sobre la trama, el estudio confirmó que la película buscará mantener los valores clásicos de Hello Kitty: amistad, amabilidad y conexión emocional.
Además, la producción contará con nombres importantes dentro de la animación contemporánea. Entre los directores anunciados están David Derrick Jr., quien trabajó en 'Moana 2', y John Aoshima, conocido por proyectos animados como 'Ultraman: Rising'.
El personaje fue creado en 1974 por Sanrio y se convirtió en un fenómeno global. Durante años ha protagonizado videojuegos, series animadas, cafeterías temáticas y colaboraciones con marcas de lujo, pero nunca había tenido una gran película producida en Hollywood.
Parte de la expectativa también gira alrededor de cómo será adaptado el personaje al cine. Durante décadas, Hello Kitty ha sido reconocida por no tener boca, un detalle que incluso ha generado debates virales en internet sobre cómo expresa emociones.
Por ahora, Warner Bros. mantiene en secreto varios aspectos de la producción, pero el anuncio ya convirtió a la película en uno de los estrenos familiares más comentados de los próximos años.

La actriz y cantante Barbra Streisand no acudirá, como estaba previsto, el próximo día 23 a Cannes para recoger una Palma de Oro de honor que le ha concedido el festival, por decisión de sus médicos para que continúe su convalecencia por una lesión en la rodilla.
"Lamentablemente no podré asistir al Festival de Cannes este año", señala Streisand en un comunicado enviado este domingo a los medios por la organización del certamen francés.
La cantante asegura que se siente "profundamente honrada" por recibir la Palma de Oro honorífica y que estaba deseando "celebrar las extraordinarias películas de la 79 edición" del festival.
"También tenía muchas ganas de compartir tiempo con artistas a quienes admiro y, por supuesto, de regresar a Francia, un país que siempre he amado", apunta.
Y aunque lamenta no poder estar presente, felicita "efusivamente a todos los cineastas del mundo cuyo extraordinario talento y visión creativa se celebran este año".
Estaba previsto que tras las palmas de honor entregadas a Peter Jackson y a John Travolta, la edición de este año se cerrará con el anuncio del palmarés y con la entrega de un tercer reconocimiento de honor a la cantante, actriz, directora, productora, compositora y guionista, de 83 años.
Aunque ella no pueda viajar a Cannes, el festival ha decidido mantener el homenaje que estaba programado para la gala de clausura, en reconocimiento a su trayectoria artística y por ser "una estrella mundial que es ante todo una artista que impulsa proyectos que reflejan quién es, que le son propios y que comparte con el mundo entero", en palabras del delegado general del certamen, Thierry Frémaux, cuando se anunció el galardón.
La presidenta del festival, Iris Knobloch, señaló por su parte que este año querían "rendir homenaje a una artista que ha dejado huella por la fuerza de su arte y por su búsqueda intransigente de la libertad. Como mujer, me alegra poder expresar nuestra admiración por esta creadora consumada y ciudadana valiente".
Cannes afirmó que Streisand "es un modelo para todas las mujeres", sobre todo "porque nunca ha permitido que las dificultades la frenen". 
Streisand tiene en su haber títulos como actriz como 'Funny Girl' (1968), 'Hello, Dolly!' (1969), 'What's Up, Doc?' ('¿Qué me pasa, doctor?', 1972) o 'The Way We Were' ('Tal como éramos', 1973), 'Funny Lady' (1975) 'A Star is Born' ('Ha nacido una estrella', 1976) o 'The Prince of Tides' ('El príncipe de las mareas', 1991).
Entre sus reconocimientos en el mundo del cine, ha ganado dos Óscar, a mejor actriz por 'Funny Girl' y a mejor canción original por 'Evergreen', del filme 'A Star is Born', y ocho Globos de Oro.

El Festival de Cannes otorgó una Palma de Oro honorífica al actor estadounidense John Travolta, en un reconocimiento sorpresa que no había sido anunciado previamente y que se entregó antes del estreno de su debut como director.
"Mis películas favoritas en mi vida siempre fueron las ganadoras de la Palma de Oro. No puedo creerlo, esto es más que un Óscar", dijo el protagonista de Grease y Pulp Fiction al recibir el homenaje.
Travolta presentó su primer largometraje como director, una cinta inspirada en una historia escrita décadas atrás, en la que también participa su hija, Ella Bleu Travolta.
"Este es el proyecto de mi vida. Y todas las personas que aparecen en la película están aquí, mi familia", expresó el actor durante la presentación en el festival.
El intérprete también confesó que no esperaba que su película fuera seleccionada por Cannes, considerado el festival de cine más importante del mundo.
"Cuando me dijeron que sería aceptada con tanta antelación, me puse a llorar como un niño", relató.
La cinta cuenta la historia de un niño que viaja en avión para seguir a su madre actriz rumbo a Hollywood, donde vive diversas aventuras a bordo.
Travolta, piloto profesional desde los 22 años, recordó además su vínculo con la aviación y su larga trayectoria en la industria del cine, donde alcanzó fama mundial en los años 70 con Fiebre del sábado por la noche.
El actor ya había participado en varias ediciones del Festival de Cannes, incluyendo la Palma de Oro obtenida en 1994 por Pulp Fiction.

Después de años marcados por la polémica, el silencio mediático y un regreso gradual a Hollywood, Will Smith volverá a liderar una gran apuesta del cine de acción. El actor será el protagonista de Supermax, un nuevo thriller cargado de tensión y misterio que promete devolverlo al centro de las grandes producciones internacionales.
La película estará dirigida por David Gordon Green, cineasta conocido por películas como Halloween y The Exorcist: Believer.
La cinta ha sido descrita como un "trepidante thriller de acción lleno de giros inesperados". La trama seguirá a dos agentes del FBI que investigan un asesinato dentro de la prisión más segura del mundo. Smith interpretará a Rex, uno de los protagonistas de la historia.
El resto del elenco todavía se encuentra en proceso de selección y se prevé que la producción inicie a mediados de agosto.
El proyecto marca además el regreso de Will Smith a una gran producción fuera de franquicias establecidas. Su última aparición en el cine fue en Bad Boys: Ride or Die -estrenada en Latinoamérica como Bad Boys: Hasta la Muerte-, cinta que representó su regreso oficial a Hollywood tras la controversia de los Óscar de 2022, cuando golpeó al comediante Chris Rock durante la ceremonia.
Desde el incidente en los premios, el actor había mantenido un perfil más discreto en el cine. Sin embargo, en los últimos meses su compañía de entretenimiento, Westbrook -fundada junto a Jada Pinkett Smith-, también firmó un acuerdo de preferencia con Paramount Pictures para desarrollar nuevas películas y proyectos relacionados con franquicias.
El guion de Supermax fue escrito por David Weil y David J. Rosen, reconocidos por trabajos televisivos como Hunters e Invasion. Ambos también participarán como productores ejecutivos junto a Natalie Weil.
La producción estará a cargo de Alex Heineman y Andrew Rona, de The Picture Company, mientras que Smith y Adam Fishbach producirán el filme a través de Westbrook.
Supermax también se convertirá en la película más costosa de la carrera de David Gordon Green, consolidando el interés de los estudios por apostar nuevamente por Will Smith como figura principal de grandes producciones de acción.

Pese a ser el artífice de una galaxia muy lejana y el padre de criaturas que habitan los confines de la imaginación, su origen fue más terrenal. George Lucas nació en Modesto, California (Estados Unidos), el 14 de mayo de 1944. De su mente surgió la chispa que encendería una saga destinada a cambiar el curso del cine y a transformar, para siempre, el universo del entretenimiento audiovisual.
Es que el estreno de Star Wars impulsó el desarrollo de tecnologías que hoy dominan Hollywood y sentó nuevas bases para la forma de producir películas. Sin embargo, no fue la única saga de la cual es responsable.
A más de ocho décadas de su nacimiento, el impacto de Lucas sigue creciendo.
George Walton Lucas Jr. cursó estudios en la University of Southern California (USC), donde se destacó en el campo de la cinematografía. Desde esa etapa, Lucas manifestaba una inclinación por la innovación técnica y la narrativa visual.
Su dedicación a cortometrajes experimentales y la interacción con otros cineastas emergentes en Los Ángeles marcaron su aproximación al cine como un auténtico laboratorio creativo.
En 1977, Star Wars irrumpió en los cines y modificó el rumbo de la industria. La saga de Lucas no solo redefinió el concepto de franquicia, sino que estableció nuevos estándares de producción, efectos visuales y comercialización.
El estreno de Star Wars impulsó el desarrollo de tecnologías que hoy dominan Hollywood. En ese universo en expansión, Lucas supo que los detalles pueden construir mitos. Entre todos los personajes surgidos de su imaginación, Yoda ocupa un lugar de privilegio. El pequeño maestro Jedi, introducido en El Imperio contraataca en 1980 con la voz de Frank Oz, conquistó a generaciones con su figura enigmática y sentencias cargadas de sabiduría ancestral. Su peculiar manera de hablar -una sintaxis invertida que convertía cada frase en un enigma- intrigó a fanáticos y estudiosos durante décadas.
Durante la celebración por el 45° aniversario de la película, Lucas reveló el secreto detrás de ese estilo: eligió que Yoda hablara de forma tan singular porque, según explicó, "si usara un inglés normal, la gente no lo escucharía tanto. Pero si tiene un acento o resulta difícil de entender, entonces la gente presta atención a lo que dice".
Más allá del artificio, Yoda encarna la esencia del filósofo de Star Wars: un guía que desafía a héroes y espectadores a detenerse en el sentido profundo de cada lección. Así, Lucas dotó a uno de sus personajes emblemáticos de una humanidad insospechada, convirtiéndolo en símbolo universal de paciencia, humildad y sabiduría.
Aunque suele asociarse a Steven Spielberg la dirección y el pulso de aventura de Indiana Jones, fue George Lucas quien imaginó al arqueólogo intrépido y sentó las bases de la saga.
La idea surgió a principios de los años setenta, en paralelo al desarrollo de Star Wars, según explicó el propio Lucas en una entrevista. Inspirado en los seriales clásicos de su infancia, concibió al personaje como un héroe moderno enfrentado a enigmas y peligros extraídos de mitos y leyendas universales. Su visión definió el tono único de la serie: cada película gira en torno a la búsqueda de un objeto sobrenatural cargado de misterio -lo que Lucas denominaba el MacGuffin-, lo que aporta ese realismo fantástico y la atmósfera de aventura que distingue a Indiana Jones en la pantalla.
Lucas no solo fue el creador conceptual, sino también el arquitecto narrativo y productor central de la saga. Desde la elección de Harrison Ford hasta el diseño de los artefactos y el desarrollo de la trama, supervisó los elementos esenciales que darían forma a la franquicia. 
Incluso cuando Spielberg tomó la dirección, Lucas se mantuvo presente en las decisiones fundamentales para preservar el espíritu original. "Tratamos de mantener un sentido de realismo inmaculado en la película, aunque sea predecible", declaró. Su empeño en mezclar acción, credibilidad y humor, y su decisión de producir la saga fuera de los grandes estudios, aseguraron que Indiana Jones conservara esa impronta única capaz de atravesar generaciones.
La influencia de George Lucas se extiende más allá del cine. La saga Star Wars fue fuente de inspiración para generaciones de cineastas, artistas y fanáticos.
El universo creado por Lucas fue objeto de análisis académico y cultural en revistas especializadas. La figura de Lucas recibió homenajes de instituciones como la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y diversos festivales internacionales.
Lucas expuso la importancia de la innovación y la libertad creativa: "Siempre pensé que la tecnología debía estar al servicio de la historia", valoran sus colegas y críticos en medios especializados.
El legado de George Lucas se mantiene vigente en cada nueva generación que descubre sus películas y en la constante evolución del sector audiovisual.

Cannes se ha convertido esta semana en la capital mundial del cine durante doce días, con su habitual mezcla de cine y estrellas y con una alfombra roja por la que pasarán Scarlett Johansson, Adam Driver, Peter Jackson, Cate Blanchett, Barbra Streisand, Gillian Anderson o Demi Moore.
La actriz que dio vida a la mítica Dana Scully en Expediente X presenta en el Festival de Cannes Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, dirigida por Jane Schoenbrun, un título divertido que avanza lo que ofrece un filme del que se está hablando mucho y que promete terror, sangre y risas.
Anderson participó este miércoles en la alfombra roja del estreno de la película francesa La Vie d'une femme, donde dio una lección de estilo y demostró una vez más que es una de las mujeres más deseadas de Hollywood a sus 57 años. La actriz escogió un vestido blanco customizado de Miu Miu con ribetes de cristales.
Otra leyenda de la meca del cine, Demi Moore, forma parte del jurado oficial junto a la actriz Ruth Negga, la directora Chloé Zhao, el actor Stellan Skarsgård o el director chileno Diego Céspedes. Moore, nominada al Oscar y productora, ya vio cómo la película La sustancia, en la que era protagonista, se hizo con el premio al mejor guion en Cannes en 2024.
En la jornada del miércoles volvió a captar la atención de los fotógrafos posando con un vestido vaporoso de manga larga y una espectacular cola. La estrella de Ghost lució piernas con una atrevida abertura hasta el muslo y realzó su figura con un par de altísimos tacones de aguja a juego.
La actriz habló el primer día de la "maravillosa experiencia" que supone estar en Cannes y que conoce de visitas anteriores al festival. "Estar rodeada de cine, del amor por el cine, de la alegría de sumergirme en él y de estar con quienes comparten esa pasión es una verdadera alegría (...) Me siento tremendamente honrada y muy emocionada. Me siento como un niño pequeño jugando a ser adulto", agregó.

El Festival de Cannes se sabe importante, capital, y disfruta desplegándose como historia viva del cine. Incluso en ediciones como la presente, que ha sido cuestionada por rechazar a la industria americana, en favor de una parrilla de producciones europeas de lo más potente. Pasarán por la Croisette cineastas de la talla de Cristian Mungiu, Pawel Pawlikowski, Ira Sachs, László Nemes, o los japoneses Hirokazu Kore-eda y Ryusuke Hamaguchi, ambos coproduciendo con Francia.
Al subir al escenario para declarar la 79ª edición del Festival junto a Gong Li, Jane Fonda apelaba a la urgencia de las voces políticas, también desde el cine: "Creo en el poder de las voces. Voces en la pantalla, voces fuera de ella y, definitivamente, voces en la calle; sobre todo ahora. El cine siempre ha sido un acto de resistencia porque contamos historias, y las historias son lo que conforma una civilización: historias que despiertan empatía por los marginados, que nos permiten sentir más allá de nuestras diferencias".
Unas horas antes, Park Chan-wook seguía a su compañera de Jurado, Demi Moore, con una defensa férrea -tan férrea como dejaba intuir el traductor del coreano del cineasta tras No hay otra opción- de lo indisociable de la ética y la estética a través de la escritura personal: "El arte y la política no son conceptos que entren en conflicto; siempre que haya una expresión artística, ambos tienen valor".
Un alegato de la primera persona como la solución última a todos los debates arte-política, que la protagonista de Algunos hombres buenos o La sustancia luego remataba opinando sobre la actualidad tecnológica, no sin dudar. "La inteligencia artificial ya está aquí, así que intentar combatirla es librar una batalla perdida. Por eso, creo que buscar formas de colaborar con ella es un camino mucho más útil".
Y continuaba: "No hay nada que temer, porque lo que la tecnología nunca podrá reemplazar es el origen del verdadero arte: este no nace de lo físico, sino del alma". Después Paul Laverty, sentado en la misma mesa pero mucho más a la izquierda -literal y figurada- recordaba la necesidad de parar los pies a los "tech bros, magnates multimillonarios y que, en su mayoría, son libertarios de derechas" que las controlan.
El tiroteo de declaraciones a bocajarro de la tarde cubría fantasmal la gala inaugural, como siempre en Cannes marcada por un guion repleto de pullitas a las redes sociales y a los "peros" de la prensa acreditada. Incluso la justificación de la Palma de Oro de Honor se vivió como una suerte de posicionamiento político.
Del homenajeado Peter Jackson se subrayaba, antes que nada, cómo hizo su primera película -Mal gusto, en 1987- con una camarita barata y secuestrando el horno de sus padres para fabricar máscaras de alienígena caseras. "Artesano" y "con mucho corazón" a pesar de la envergadura que tomaría su carrera posterior, Jackson parece el premiado perfecto para acallar cualquier sospecha de colaboracionismo con la IA o las big tech, a pesar de que ayer tarde pasearon por delante de la alfombra roja dos robots de la firma francesa ERM.
En cualquier caso, el encuentro entre Jackson y el Frodo de la saga del Anillo, Elijah Wood, fue de lo más divertido de la velada. El director apeló a los 27 años de amistad con Wood, durante los cuales el actor prácticamente no ha cambiado físicamente, aunque bromeaba: "Se ha dejado crecer un poco de bigotito. Si alguien hace una nueva versión de Lo que el viento se llevó, ese podría ser tu papel".
Jackson, quien reconocía la sorpresa cuando le comunicaron el premio honorífico ("Mi cine no ha sido nunca muy de Cannes"), aprovechó para recordar sus dos visitas al evento. La primera sirvió para vender Mal Gusto en el Marché du Film, donde consiguió venderla a quince países ("Entré siendo un cinéfilo y salí siendo un cineasta"), y durante la segunda, en 2001, fue para proyectar los veinte primeros minutos de La comunidad del anillo ante la crítica.
"Habíamos rodado El Señor de los Anillos durante tres años, y rodamos las tres películas al mismo tiempo. Y la prensa estaba un poco rara; fue una época extraña porque Warner estaba en proceso de venta. Sí, todo lo que va, vuelve. Así que todos los periodistas hablaban de 'esta gran locura'. '¿Qué pasa si la primera película fracasa? ¿Qué van a hacer con la segunda y la tercera si ya están terminadas?'", explicaba. "Todos los medios decían que esa apuesta iba a salir mal". "El resto", confesaba entre dientes, "es historia".

Nadie duda que Meryl Streep es astuta. La legendaria actriz de Hollywood ha asegurado una carrera impecable a lo largo de sus muchos años como actriz, y con ello su sola presencia es capaz de hacer resonar cualquier película en la que aparezca. Bien lo sabía de cara a 'El diablo viste de Prada 2', para la cual tuvo una condición especial si el estudio quería que regresase: negociar el salario con sus compañeras presentes.
Por mucho que en la película Miranda Prestley sea la reina absoluta de la moda, la actriz no iba a dejar que sus subordinadas se quedaran como tal en la vida real. En un artículo reciente, varias fuentes relacionadas con Streep han revelado que exigió que Anne Hathaway y Emily Blunt estuvieran con ella en la sala de reuniones cuando 20th Century negoció el precio de su vuelta. Así podría asegurar que recibirían el mismo trato que ella en las negociaciones.
Así es como logró cerrar un trato de 12,5 millones de dólares a modo de cheque para cada una de las tres actrices protagonistas. Un trato redondo para todas las partes implicadas, pero esto es sólo el salario inicial. La negociación incluyó un bonus en relación al éxito de la película en taquilla, con lo que cada una de ellas podría recibir fácilmente 20 millones de dólares, según la estimación de algunas de las fuentes.
Es un trato que parece que va a cumplirse. La secuela conquistó la taquilla de EEUU durante su semana de estreno, demostrando el hambre que había por parte de la audiencia de continuar la historia del mundo de la moda veinte años después de la original.
Con semejantes cheques garantizados, cualquiera de las tres actrices podría retirarse tras la película. No significa, ni de lejos, que vayan a hacerlo. Sin ir más lejos, Hathaway prepara para el futuro una tercera entrega de 'Princesa por sorpresa'. Eso sí, no será pronto: la secuela tiene luz verde, pero las cosas de palacio van siempre despacio. Podría ser su siguiente gran papel, pero a falta de una fecha de estreno en el horizonte, tendremos que exprimir su vuelta como Andrea Sachs.

Matt Shakman, el cineasta detrás de Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, podría no repetir en la secuela. Y la razón tiene nombre propio: El Planeta de los simios.
Cuando Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos llegó a los cines, el debate sobre si había funcionado o no se instaló rápido en el fandom. La película recaudó 521 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que sobre el papel suena bien, pero que pierde brillo cuando se pone junto a su presupuesto: 220 millones de dólares.
No es un fracaso, pero tampoco es la explosión que Marvel esperaba para su Primera Familia. Aun así, el estudio no ha tirado la toalla con la saga, y ya hay planes en marcha para seguir adelante. El problema es que esos planes podrían quedarse sin el arquitecto que construyó el primer capítulo.
Esta semana se confirmó que Matt Shakman será el director de la próxima entrega de El Planeta de los Simios para 20th Century Studios. Una oportunidad enorme, un proyecto de peso, y una señal que muchos han leído entre líneas.
Porque aunque los comunicados oficiales no decían nada concreto sobre su futuro con Marvel, Jeff Sneider, periodista con un historial fiable en este tipo de filtraciones, ha dejado caer que Shakman no estará detrás de la cámara en la secuela de Los Cuatro Fantásticos.
"Marvel Studios no ha confirmado ninguna secuela, ningún director y ningún calendario. Lo que sí se sabe es que el estudio confiaba en que Shakman volviera, y que hubo conversaciones en esa dirección. La teoría interna era que, tras la aparición de los Cuatro Fantásticos en Vengadores: Doomsday, el público generalista conectaría más con los personajes y la segunda película tendría más recorrido comercial".
Un plan que tiene su lógica, pero que ahora se complica si el director que dio vida a ese universo retro-futurista de los años 60 decide seguir su camino por otro lado
Mientras se resuelve el puzzle de la dirección, los cuatro héroes de Marvel tienen compromisos firmados. Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm y Ben Grimm volverán a la pantalla grande en Vengadores: Doomsday, que llegará a los cines en diciembre de 2026. Y si todo va según lo previsto, también estarán presentes en Vengadores: Secret Wars, cuyo estreno está fijado para diciembre de 2027.
Dos apariciones en eventos masivos del MCU que, en teoría, deberían preparar el terreno para que una hipotética secuela propia tenga más fuerza. El elenco, eso sí, no cambia: Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm.
Uno de los grandes aciertos de Primeros Pasos fue precisamente su casting. Pascal lleva dos años siendo el favorito de medio internet gracias a The Last of Us y The Mandalorian, y verlo como Mr. Fantástico resultó más natural de lo que muchos esperaban. Kirby aportó una Sue Storm con peso dramático real, Quinn trajo la energía caótica perfecta para la Antorcha Humana, y Moss-Bachrach convenció como La Cosa tras años demostrando su valía en The Bear. Ese cuarteto funciona. La pregunta es quién les dirigirá la próxima vez.
Shakman llegó al proyecto con un currículum que incluía episodios de WandaVision de Disney+, lo que le convertía en alguien que ya entendía el tono particular que Marvel quería para esta familia. La apuesta por una estética de los 60, el retrofuturismo como lenguaje visual, la amenaza cósmica de Galactus interpretado por Ralph Ineson, y la enigmática Surfista de Plata de Julia Garner fueron decisiones que dieron a Primeros Pasos una personalidad diferente dentro del MCU. Perder esa visión en la secuela no es un detalle menor.
Buscar un nuevo director para Los Cuatro Fantásticos 2 no es como fichar a alguien para una película de acción genérica. Quien tome el relevo tendrá que entender el tono retro, mantener la coherencia con lo establecido, y al mismo tiempo aportar algo fresco que justifique su presencia. Es un encargo complicado, y Marvel lo sabe.
De momento, ni nombres ni rumores sólidos. El estudio tiene tiempo, una secuela, si se confirma, difícilmente llegaría antes de 2028 o 2029, pero la incertidumbre en torno a la dirección creativa de la saga no ayuda a generar expectativas. Los fans que disfrutaron del primer filme tienen razones para estar algo inquietos, y los escépticos tienen nuevos argumentos para seguir siéndolo.

La Riviera Maya volvió a convertirse en uno de los grandes puntos de encuentro de la industria audiovisual iberoamericana con la realización de la 13° edición de los Premios Platino. La ceremonia se desarrolló en el Teatro Gran Tlachco, dentro del Parque Xcaret, en México. Allí se reunieron figuras destacadas del cine, la televisión y la música de habla hispana y portuguesa.
Carlos Torres y Cayetana Guillén Cuervo condujeron una gala marcada por los homenajes, la música en vivo y las premiaciones a las producciones más destacadas del último año.
El momento más importante de la noche llegó cuando Enrique Cerezo entregó el Premio de Honor a Guillermo Francella. El reconocimiento destacó su extensa trayectoria y su influencia dentro de la industria audiovisual latinoamericana.
Los presentes ovacionaron a Francella por una carrera que atravesó distintas generaciones y géneros. El actor logró destacarse tanto en la comedia popular como en producciones dramáticas de proyección internacional. Entre sus trabajos más reconocidos aparecen El secreto de sus ojos y la serie El encargado, uno de los mayores éxitos recientes de la televisión argentina.
La ceremonia también tuvo una fuerte presencia musical. María Becerra fue una de las artistas destacadas de la noche y compartió escenario con Camilo y el español Manuel Carrasco.
Con representantes de distintos países y estilos musicales, los Premios Platino volvieron a consolidarse como uno de los principales espacios de encuentro cultural entre España, Portugal y América Latina.

Aunque no tiene "pruebas", Javier Bardem está convencido de que ha perdido varios proyectos en Hollywood por apoyar a Palestina. Una postura que, además de en sucesivas declaraciones, el actor español puso de manifiesto de forma contundente en la última gala de los Oscar. Y lo hizo pese a ser consciente de que, como ha sucedido con otros colegas de profesión, su denuncia del "genocidio" perpetrado por Israel en Gaza, podría acarrearle consecuencias negativas para su carrera. "Eso te dice lo mal que está el sistema", denuncia.
"Siempre he sentido que tengo micrófonos y grabadoras registrando mi voz, y tengo derecho a denunciar lo que considero incorrecto", ha afirmado el actor en una entrevista en la que ha reflexionado sobre las posibles repercusiones en Hollywood por alzar la voz en apoyo a Palestina.
En este punto se ha referido específicamente al caso de Susan Sarandon, que fue despedida por su agente tras criticar la ofensiva israelí en Gaza. "Eso te dice lo mal que está el sistema. Ella fue una de las primeras en hacerlo. Y luego recibió ese castigo profesional", ha afirmado en relación al caso de la también oscarizada actriz de Thelma y Louise.
Bardem también dice haber sido objeto de ese veto profesional por mostrar su apoyo a Gaza. "Sí. He escuchado cosas: 'Te iban a llamar para ese proyecto, pero ya no'. 'Esta marca te iba a pedir una campaña, pero ya no pueden'", ha revelado. "Está bien. Vivo en España. Los estudios estadounidenses no son lo único que hay", añade el actor.
"Algunas personas pueden ponerte en una lista negra. No puedo decirte si eso es verdad o no. No tengo pruebas. Lo que sí sé con certeza es que hay gente nueva que te llama porque quiere contar contigo en sus proyectos", ha afirmado Bardem que cree que esto es una señala de que "la narrativa que han estado usando durante tanto tiempo está cambiando".
Después de todo, dice, esperaba ser abucheado en los Premios Oscar 2026 pero, destaca, en lugar de eso "la reacción en el teatro fue una ovación". En la gala, el actor de No es país para viejos volvió a reafirmar su postura sobre el conflicto en Oriente Medio cuando subió al escenario con la actriz Priyanka Chopra para entregar el galardón a mejor película internacional a Valor sentimental. Lo hizo luciendo una chapa con el lema "no a la guerra" y otra con el dibujo de Handala, un niño que simboliza la lucha del pueblo palestino contra la ocupación israelí.
A pesar de poder haber perdido algunos papeles debido a su carácter activista, Bardem sigue ligado a proyectos muy potentes en Hollywood y volverá a interpretar a Stilgar, el líder de la tribu fremen de la saga Dune. Un papel que retomará en la tercera entrega, Dune: Messiah, que, de nuevo dirigida por Denis Villeneuve, llegará a los cines en diciembre.

George Clooney celebra 65 años. El que fue el soltero de oro por excelencia de Hollywood es hoy un marido y padre feliz de mellizos gracias a Amal Alamuddin, la mujer que logró lo que parecía imposible y dio un giro radical a su vida. En los dorados años 90, Clooney era el soltero más codiciado de la Meca del cine, un galán irresistible y divertido que llegó a apostar 10.000 dólares (8.500 euros) con Nicole Kidman y Michelle Pfeiffer a que no volvería a casarse ni tendría hijos antes de los 40. Ganó la apuesta y recibió el cheque dorado, sin embargo a partir de los 50, la vida tenía otros planes para él. 
"No tenía intención de volver a casarme, pero me enamoré locamente", confiesa el atractivo ganador de dos Oscar, que jamás imaginó que volvería a casarse tras su boda fugaz en Las Vegas con Talia Balsam. Pero el karma le jugó una buena pasada tras burlarse infinitamente de Brad Pitt por tener tantos hijos con Angelina Jolie: "Vente a mi villa sin los 15 niños", le decía al Brad, pero George también acabó formando su propia familia. "Yo no quería tener hijos. Y tenemos hijos. Todo cambió porque conocí a esta persona increíble", dijo, refiriéndose a la abogada libanesa de la que se enamoró en una cena en su casa del Lago Como (Italia).
Nacido el 6 de mayo de 1961 en Lexington, Kentucky, George Timothy Clooney, como es su nombre real,  cumple 65 años sin intención de retirarse y habiendo logrado el récord histórico de nominaciones en seis categorías diferentes en los Oscar, un hito compartido solo con Walt Disney y Alfonso Cuarón. 
Su trayectoria comenzó con una serie de trabajos humildes en su juventud - vendedor de zapatos, cortador de tabaco y albañil de la construcción- a una carrera estelar con la que ha logrado una fortuna estimada en más de 500 millones de dólares, según el sitio especializado Celebrity Net Worth.  
Hijo de una reina de la belleza -Miss Lexington-  y de un presentador de televisión, trabajó sin descanso para hacerse un hueco en la interpretación hasta convertirse en el Dr. Doug Ross, el médico más atractivo de Urgencias.
El hombre más sexy del planeta, titulo que llegó a ganar hasta en dos ocasiones en la revista People, no solo posee atractivo sino un carisma, una simpatía y un sentido del humor que han cautivado al público mundial. Después de una serie de trabajos precarios, pronto se dio cuenta de su verdadera vocación: la interpretación. Llegó a vivir durante meses en el vestidor de un amigo en Los Ángeles para perseguir su sueño de ser actor. 
Aunque trabajó en series de prestigio como Las chicas de oro, Se ha escrito un crimen, Mira quién habla o Roseanne, la fama internacional le llegó con su papel del doctor Doug Ross en Urgencias, con el que logró estar nominado varias veces al Emmy. Su primer papel protagonista le llegó en 1996, en el filme de Robert Rodríguez Abierto hasta el amanecer. A partir de entonces vinieron otros títulos como Batman & Robin, El pacificador o La delgada línea roja. Se inició en la dirección con Confesiones de una mente peligrosa, protagoniza multitud de películas como Buenas noches y buena suerte o la saga Ocean's  y en 2006 gana su primer Oscar a mejor actor de reparto por Syriana. Su segunda estatuilla dorada llegaría años después, en 2013, cuando Argo ganó el premio a la mejor película y ganó el Oscar como productor junto a Ben Affleck. 
Antes de conocer a Amal, George Clooney tenía fama de conquistador por sus romances con estrellas el mundo del cine y el entretenimiento. Clooney solía bromear con que su relación más duradera había sido con su cerdo vietnamita Max, su compañero fiel durante 18 años y la mascota que le regaló Kelly Preston en 1988, cuando eran pareja.
Sin embargo, todo cambió cuando conoció en 2013 a Amal Alamuddin, la abogada libanesa cuya belleza e inteligencia deslumbró a Clooney en una cena celebrada en su villa del lago Como. El flechazo fue instantáneo y en seis meses llegaron a comprometerse y en septiembre de 2014 se casaron en una boda de ensueño en Venecia. Tres años después, formaron una familia con la llegada de los mellizos Ella y Alexander, cambiando por completo su imagen de seductor por la de un marido y padre entregado. Su admiración por Amal es absoluta: "No estar casado con ella habría sido un desastre", confesó en una entrevista.
Sus hijos Alexander y Ella, nacidos el 6 de junio de 2017, son su verdadera debilidad, y ha decidido proteger todo lo que pueda su privacidad, ya que tiene claro que ser hijo de una estrella de Hollywood no es tarea fácil. De hecho, fue un factor a tener en cuenta a la hora de elegir sus nombres. "No quería nombres raros para nuestros hijos; ya van a tener suficientes problemas por ser hijos de alguien famoso y con éxito", explicó, dando prioridad así una infancia lo más normal posible y lejos del foco mediático. 
Por eso, tanto él como su esposa han implementado medidas estrictas: confiscan los móviles de las visitas en casa para evitar fotos, rechazan cualquier imagen pública de los mellizos y han pedido que no se difundan fotos de ellos por seguridad, dada la labor de Amal como abogada de derechos humanos implicada en casos de alto riesgo.
A punto de cumplir 9 años, Ella y Alexander son dos niños "inteligentes y divertidos", que crecen en un entorno rural como es su viñedo en Francia, donde la familia ha huido del glamour de Hollywood en busca de una vida relajada y tranquila en el sur de Francia. Residen en la finca Domaine du Canadel cerca de Brignoles, en la Provenza, una antigua bodega del siglo XVIII comprada por unos 7,7 millones de euros que reconvirtieron en residencia rural. Clooney y Amal disfrutan de una rutina discreta y sencilla en el campo, donde han encontrado la clave de la felicidad.  
Su residencia en Francia permite a los niños dominar el francés. Además, hablan inglés e italiano con fluidez, y alternan estancias en el Reino Unido -donde nacieron- y la villa del Lago Como, cuna del romance de sus padres. A pesar de que tener su base fijada en la Provenza y haber sido logrado la ciudadanía francesa desde finales de 2025, George viaja con frecuencia a Estados Unidos para cumplir con sus compromisos profesionales, que han permitido al actor acumular un patrimonio superior a los 500 millones de dólares, convirtiéndolo en uno de los actores más poderosos del planeta.  

Christopher Nolan todavía no ha estrenado La Odisea y ya tiene a medio internet discutiendo sobre armaduras, barcos vikingos y diálogos demasiado modernos para una historia ambientada en la Grecia de la Edad del Bronce.
Lo curioso es que la polémica no gira alrededor del reparto de lujo encabezado por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway o Robert Pattinson, sino sobre algo mucho más inesperado: la sensación de que Nolan ha transformado el poema épico de Homero en una fantasía oscura demasiado cercana al cine moderno.
Entre todas las discusiones que ha generado el nuevo tráiler de La Odisea, hay un elemento que sí parece haber unido a casi todo el público: Robert Pattinson. El actor aparece interpretando a uno de los pretendientes de Ítaca y apenas necesita unos segundos en pantalla para convertirse en lo más comentado del avance.
La manera en la que habla, la arrogancia del personaje y esa energía casi venenosa que desprende han provocado una avalancha de comentarios en redes sociales. Muchos espectadores ya comparan su presencia con algunos de sus papeles más intensos y no son pocos los que creen que podría acabar siendo el gran roba escenas de la película.
Durante las últimas horas mucha gente ha resumido el debate diciendo que los fans están molestos porque La Odisea "no es históricamente precisa". 
La mayoría de críticas no van dirigidas a que Nolan se tome licencias creativas. El verdadero problema para muchos espectadores es que la película parece visualmente demasiado genérica para representar una de las civilizaciones más fascinantes de la Antigüedad.
El ejemplo más repetido es el diseño de las armaduras. Algunos personajes llevan equipamientos oscuros y estilizados que recuerdan más a una película de fantasía moderna o incluso a Batman que a la Grecia micénica del siglo XIII a.C. Hay usuarios que directamente comparan la armadura de Agamenón con un traje sacado de Gotham.
La crítica más interesante alrededor de La Odisea tiene que ver con cómo Hollywood representa la Edad del Bronce. Mucha gente asocia automáticamente la Antigüedad con colores apagados, piedra gris y vestimentas marrones porque el cine lleva décadas enseñándonos ese imaginario. Sin embargo, históricamente ocurre justo lo contrario.
Las culturas micénicas utilizaban bronce brillante, decoraciones elaboradas, tejidos teñidos y elementos ornamentales muy llamativos. La Grecia de Homero no era un mundo oscuro y desaturado. Era un lugar lleno de color, comercio marítimo y símbolos de poder.
Por eso tantos aficionados han señalado que el tráiler de La Odisea parece olvidar esa identidad visual. 
Lo más curioso es que esta crítica no llega solo desde historiadores obsesionados con la precisión absoluta. También viene de jugadores, ilustradores y amantes de la fantasía épica que simplemente esperaban algo más espectacular y distintivo.
También se han viralizado ilustraciones de artistas especializados en recreaciones históricas de la Edad del Bronce, mostrando cómo podría haberse visto una versión más colorida y ceremonial de La Odisea.
Y aquí aparece una cuestión importante: la polémica no nace porque el público quiera un documental arqueológico. Lo que muchos espectadores esperaban era una película capaz de capturar la sensación mitológica y grandiosa del poema de Homero sin caer en esa estética gris y homogénea que domina buena parte del blockbuster actual.
Pero Nolan parece perseguir exactamente lo contrario. Quiere que La Odisea se sienta cercana al espectador moderno. De hecho, el propio director llegó a comparar el poema de Homero con el universo Marvel, afirmando que aquellas historias eran "el Marvel de su época". Y esa frase explica probablemente toda la filosofía detrás de esta adaptación.
Ahora queda por ver si toda esta polémica acabará jugando a favor de la película o si parte del público sentirá que el director se ha alejado demasiado del espíritu original del viaje de Odiseo (Ulises).
Lo único claro es que, después de este tráiler, La Odisea ya no es solo una adaptación de Homero. Se ha convertido en una batalla entre la visión moderna de Christopher Nolan y la imagen épica que generaciones enteras tenían grabada en la cabeza desde hace años.

El próximo live action de Disney va tomando forma. El actor Diego Luna interpretará en la película un papel aún por desvelar.
El actor es principalmente conocido por su paso en la franquicia de Star Wars, pero ha dejado su marca en muchos más sitios. Por ejemplo, fue una figura central en la serie 'Narcos: México', o incluso llegó a trabajar como actor de doblaje en películas de animación como 'El libro de la vida'. Ahora ha dado la vuelta completa a su carrera y no pondrá su voz para una película animada de Disney, pero sí tendrá uno de los papeles más destacados en el remake de uno de sus clásicos.
El trío de los papeles principales ya está cubierto. Teagan Croft interpretará a Rapunzel, protagonista indiscutible de la historia y en quien se basa el cuento original. Milo Manheim será Flynn Rider, el bandido a la par que salvador de princesas que sirve como interés amoroso central. Por último Kathryn Hahn será Madre Gothel, la gran villana de la trama con una trama acerca de parentesco tóxico y abusivo.
La apuesta de Disney por hacer los remakes de sus películas de animación no parece que vaya a frenar pronto. 'Lilo y Stitch', el último caso estrenado en cines, tuvo un éxito que sigue incluso fuera de las salas. Para este 2026 preparan el estreno de 'Vaiana', que estrenó tráiler hace pocas semanas. 

El Diablo viste a la moda 2 recaudó 77 millones de dólares en su primer fin de semana en los Estados Unidos (la película original de 2006 había obtenido 27,5 millones), y se ubicó como el cuarto mejor estreno del año, por detrás de Michael (97,5 millones), Super Mario Galaxy: La película (131 millones) y Proyecto Fin del Mundo (80 millones). Claro que la secuela costó más de 100 millones (sin contar gastos de lanzamiento) contra 40 millones de la original.
Además, esta segunda película de la saga recaudó otros 156,6 millones de dólares en la taquilla internacional, lo que eleva los ingresos mundiales a 233,6 millones. Un arranque notable.
Cuando todavía faltan los datos de algunos complejos importantes por sumar, El Diablo viste a la moda 2 ya suma más de 520.000 espectadores en 609 salas argentinas entre los preestrenos del miércoles 29 de abril y el domingo 3 de mayo. Superó así a la biopic Michael, que en 12 días convocó a 495.000 personas.
La secuela se quedó con el 61,5% del público total en los cines nacionales y ya superó lo que el film original había vendido en todo su recorrido comercial en las salas argentinas durante 2006: 315.000 localidades.

Cuando todo apuntaba a que My Hero Academia había cerrado su historia con el emotivo episodio 170+1, la franquicia ha vuelto a dar señales de vida. Y lo ha hecho de una forma que pocos esperaban: no con una nueva temporada, no con una película, sino con un proyecto especial dedicado a uno de los personajes más queridos de toda la saga.
Se llama I Am a Hero Too, es un one-shot centrado en Eri, y tiene mucho más peso del que puede parecer a primera vista.
El final de My Hero Academia dejó un sabor agridulce con respecto a Eri. El resto del elenco recibió sus despedidas, sus cierres narrativos, sus momentos de cierre. Ella, en cambio, quedó en un segundo plano. Y eso, para un personaje que ha vivido una de las historias más duras de toda la serie, resultaba cuando menos incompleto.
I Am a Hero Too llega precisamente para corregir eso. La premisa sitúa a Eri encontrando su propio camino después de los devastadores eventos de la guerra final, y aunque suena sencillo, tiene una carga emocional considerable para quienes han seguido su trayectoria desde el arco de Overhaul.
El especial es una adaptación directa del manga My Hero Academia: Ultra Age, el one-shot más reciente de Kohei Horikoshi. En él, Eri visita U.A. para invitar a Deku a su primer concierto callejero. El problema, si es que puede llamarse así, es que el material fuente original tiene apenas cinco páginas. Una adaptación literal daría para unos cinco minutos de episodio, no para los veinticuatro que suele durar un capítulo estándar.
Aquí viene lo interesante: este proyecto no es solo un extra de temporada. Es la forma en que My Hero Academia celebra el décimo aniversario de su anime, lo que cambia bastante las expectativas sobre lo que debería ser.
El especial tiene, por tanto, la oportunidad de añadir lo que la viñeta dejó en el aire: mostrar a Eri subiendo por fin a un escenario y cantando. Un cierre emocional que los seguidores llevan tiempo esperando sin saberlo.
Si Studio Bones apuesta por expandir la historia, y todo indica que lo hará, I Am a Hero Too podría convertirse en uno de esos episodios especiales que la comunidad recuerda durante años.
Más allá de Eri y su concierto, este especial tiene una lectura industrial que merece atención. El anime principal de My Hero Academia ha concluido oficialmente, pero la franquicia está lejos de haber dicho su última palabra.
My Hero Academia: Vigilantes, el spin-off centrado en Koichi y la cultura de los héroes underground, terminó su segunda temporada en marzo de 2026 con el manga todavía a mitad de adaptar. Hay material de sobra para dos temporadas más, y aunque no hay confirmación oficial, sería llamativo que una historia tan bien recibida se quedara sin conclusión animada.
La pregunta más grande, sin embargo, es si la franquicia seguirá el modelo de Boruto con una secuela generacional. La posibilidad existe, pero parece poco probable a corto plazo. Studio Bones tiene el estudio ocupado con proyectos tan exigentes como Gachiakuta o Daemons of the Shadow Realm, y arrancar una nueva serie de My Hero Academia desde cero requeriría un esfuerzo de producción monumental.
La lectura más razonable, y la que este especial parece confirmar, es que el estudio optará por mantener viva la llama con proyectos de formato corto, especiales y posiblemente películas, mientras el ecosistema creativo madura para algo mayor. I Am a Hero Too sería el primero de esos pasos: no un final, sino una forma de decirle al público que la franquicia sigue activa y que hay cosas por contar.